Erase una vez una Rana...

Coldplay-ing en la mañana

2012-01-27T05:08:00.000-08:00

Es de madrugada y una araña me ha quitado la tranquilidad y el sueño. Prendo la computadora y vuelvo a escuchar Mylo Xyloto de Coldplay; no puedo evitar, por más que lucho contra mí misma, torcer la boca en disgusto y levantar la ceja en profunda incredulidad. Dicen que "no hay quinto malo", pero he aquí que pongo a prueba dicha frase. Decepción, amarga decepción; he sido fan de Coldplay desde que escuché el sonido que la guitarra de Buckland hacía en 'Don't Panic'. Era un embrujo, y aun lo es; un sonido que, si pudiese trasladarlo a alguna cosa, asemejaría la manera en que se deshila una tela sin romperse jamás, con esos delays y reverbos... ahhh, es un orgasmo para mi oído. Eso fue de por ahí cuando era una chamaca de 15 o 16 años que no sabía mucho de nada, quedé embriagada por sonidos que no me eran familiares. El sonido de la guitarra, la voz de Martin, tan aguda y peculiar para un hombre, en fin, Parachutes era, aunque no lo entendiera de esa manera, como un despertar fresco y diferente. Esa edad encajaba perfectamente con lo meloso (porque aceptemos que es un disco meloso) de las canciones; era la música que decía lo que un adolescente cualquiera sentía cuando veía a aquél o aquella que derretía con una sonrisa y provocaba la pérdida total de la cordura (sí, esa era yo... pero aplica a cualquiera). Si no, escuchemos a Martin cantando: ...your skin and bones turn into something beautiful. D'you know? You know I love you so... No fue coincidencia que esa canción pegara de la manera que lo hizo... y que hartara igualmente. Sin embargo, Parachutes era más que sentimentalismos derramado como miel; era el eterno problema existencialista, el saber quien es uno, el no hallarse en el mundo, sentirse abrumado ante tanto, ante tantos y por tantos... Oh no, I see, I spun a web, it's tangled up with me, and I lost my head, the thought of all the stupid things I said. Regresar a él, después de más de diez años es todo un viaje y sí, supongo que hoy ya me suena a puro sentimentalismo, meloso, cursi... lo cual lo dota de un cierto atractivo bastante peculiar.

Después del despertar adolescente, el descubrimiento, la ingenuidad, la exploración, la confusión, etc., etc., llega A Rush Of Blood To The Head, abriendo con el tour-de-force que es 'Politik', uniéndose al conjunto de canciones que hacían frente al mundo post 9/11, en donde muchos abrieron los ojos y cultivaron una consciencia, a la par de darse de frente con los ideales recién descubiertos: Give me one, cause one is best. In confusion, confidence. I give me piece of mind and trust, but don't forget the rest of us. No puedo negar que esta es de mis canciones favoritas, y según mi punto de vista, de las mejores de Coldplay. El segundo álbum fue una sorpresa muy grata, una brillante y clara evolución del cuarteto; el sonido maduró y encontró un tono más complejo ante la letra que se le presentaba. El panorama se había abierto y la introspección se convirtió en en un individualismo colectivo, el hombre en medio de las masas. Este, creo yo, fue el último gran álbum de Coldplay. X & Y no fue una mala entrada dentro de su discografía, pero tampoco fue sorprendente. Canciones como 'Fix You', demuestran la fórmula-no-tan-secreta-pero-que-bien-funciona que tanto usa Coldplay, y que aquí entre nos, quizá ya la usaron hasta donde pudieron y debieron; 'Speed of Sound' y 'Talk' ya dan la pauta de dar el giro de esa faceta indie/rock/pop de autodescubrimiento hacia el mainstream consumista; pero no me malinterpreten, dentro de todo o fuera de todo, compré con enorme gusto su tercer álbum y lo escuché hasta el cansancio, cantando en mi más desentonado tono y volumen de voz posible esas notas tan altas que alcanza la prodigiosa voz de Martin (y doy gracias a los cielos de que ninguno de ustedes estuvieran cerca para escucharme).

Después del tercero llegó el cuarto, con noticias de que el mismísimo Brian Eno colaboraría con el cuarteto y muchos pegaron el brinco de alegría. Supongo que a mí me dio lo mismo. Viva La Vida or Death & All His Friends intenta nuevamente tocar el nervio socio-político, tanto en el arte de la portada como en ciertas canciones: When the future's architectured by a carnival of idiots on show, you better lie low, canta Martin en 'Violet Hill'. 'Viva La Vida' (¿gracias Frida por darles el nombre?) fue el hit, aunque no mucho después el mundo se enteró de su gran farsa. ¿Quién en este mundo no sabe de su plagio? Dicho lo cual, mejor continuo. En fin, prefiero canciones como 'Death and All His Friends'. Viva La Vida se convirtió en un disco muy ambicioso, orquestal, con canciones y sonidos que nos recordaba algo o alguien más. El piano de '42' tiene una muy clara reminiscencia a aquel de Lennon en 'Imagine' y 'Cementeries of London' me suena a The Smiths. Aun así, fue un disco que me gustó, a pesar de sus continuas odas a la muerte, a los muertos y el gran pastiche de referencias culturales a las cuales alude casi descaradamente; es un álbum altamente melódico y bien armado, creo que nadie puede negarlo.

Octubre 2011. Mylo Xyloto aparece y toda expectativa que llegó a crecer en mí, se vio derrumbada en un inmenso mar de lágrimas y decepción. Esa imagen de vómito neón que enmarca la portada del álbum, la misma que se ve en cada una de sus presentaciones, es el sonido que logran en el disco y me empalaga. Han recorrido un largo camino desde Parachutes y la inocencia se perdió durante alguna parada. Quisiera eviscerarlo, estrangularlo, deconstruirlo, pero se me hace muy difícil sentarme a escucharlo completo nuevamente, pues no hay una canción que me sirva de gancho y con la cual pueda empatizar. Sobresale 'Paradise', pero no por mérito propio, ya que escucho la canción hasta en la sopa. Voces de plagio se alzaron nuevamente con 'Every Tear Is a Waterfall', la cual toma prestada la música de 'Ritmo de la noche' y 'I Go To Rio'. Call me crazy, pero parece que se están quedando sin ideas. Es un álbum más centrado que Viva La Vida, no tan orquestal y tiende a ladearse un poco hacia los sonidos electrónicos de tendencias 80's, un trend que al parecer todo el mundo quiere utilizar, y canciones como 'Princess of China' remiten a esas canciones que uno escucha en el antro con un vaso de bacardi con coca en la mano. Mejor no digo más. Mejor me quedo con el Coldplay de mi adolescencia y con la música que era simpática de mis pensares y sentires, y espero, que en un futuro no muy lejano, nuevas obras pongan en un rincón muy oscuro los falsos ideales color neón con los cuales me quisieron atraer.

Y ahora, con su permiso, iré a escuchar Parachutes para recordar, pero antes les comparto una de mis canciones favoritas 'Everything's Not Lost'. El piano con Martin y la guitarra de Buckland, dúo perfecto, sumándole letras como: When I counted up my demons, saw that there was one for everyday, with the good ones on my shoulder, I drove the other ones away... simbiosis perfecta.

Everything's Not Lost by Coldplay on Grooveshark

Un extracto del libro que leo en estos momentos

2012-01-26T08:40:00.000-08:00

Uno puede empezar una historia por la mitad y luego avanzar y retroceder audazmente hasta embarullarlo todo. Puede también dárselas uno de moderno, borrar las épocas y las distancias y acabar proclamando, o haciendo proclamar, que se ha resuelto por fin a última hora el problema del tiempo y del espacio. Puede también sostenerse desde el principio que hoy en día es imposible escribir una novela, para luego, y como quien dice disimuladamente, salirse con un sólido mamotreto y quedar como el último de los novelistas posibles. Se me ha asegurado asimismo que resulta bueno y conveniente empezar aseverando: Hoy en día ya no se dan héroes de novela, porque ya no hay individualistas, porque la individualidad se ha perdido, porque el hombre es un solitario y todos los hombres son igualmente solitarios, sin derecho a la soledad individual, y forman una masa solitaria, sin hombres y sin héroes. Es posible que en todo eso haya algo de verdad. Pero en cuanto a mí, Oscar, y en cuanto a mi enfermero, Bruno, quiero hacerlo constar claramente: los dos somos héroes, héroes muy distintos sin duda, él detrás de la mirilla y yo delante; y cuando él abre la puerta, pese a toda la amistad y a toda la soledad, no por eso nos convertimos, ni él ni yo, en masa anónima y sin héroes.

Günter Grass, El tambor de hojalata (Punto de lectura, p.17). Lo he comenzado, por segunda vez, a leer... esta vez sí lo terminaré, ya verán; por lo pronto, las palabras que hasta el momento he leído, las he saboreado a placer. No por nada, Grass y su tambor son una de esas obras clásicas y canónicas de la literatura universal.

4:50am

2012-01-24T09:52:00.000-08:00

4:50am... escucho el tren pasar, escucho los ronquidos de un bebé y un hombre; escuchó el piloto de la calefacción y a mi vecino cerrar la puerta (puntual, como siempre). Escucho el sonido de las teclas mientras escribo lo que escribo y cómo me truenan los dedos de vez en cuando (mis articulaciones, ya tan vieja estoy al parecer). Escucho música en la raya más baja del volumen y de repente ya no escucho nada, pues me ha interrumpido la alarma del celular... al parecer diez minutos transcurrieron mientras escribía tonterías. El tren se sigue escuchando.

(Publicado a las 10:52... escrito verdaderamente a la hora que dije).

De noche... André y Andrew (Bretón y Bird)

2012-01-16T19:42:00.000-08:00

De todos los libros que tengo y que he leído, y no leído (sobre todo los que no he leído), siempre hay uno al que regreso constantemente, la Antología de André Bretón (1913-1966). Jamás lo he leído de pi a pa, es más bien una lectura a partir de la página que caiga. Esta noche, mientras escucho la divina música de Andrew Bird, lo he vuelto a abrir, y la combinación de Andrew y André es, si me lo permiten, bastante coqueta. Algo tienen el sonido del violín y el chiflido del primero con la voz del segundo... les recomiendo la combinación, es fantástica. Así pues, la página se ha abierto aquí, en "Los estados generales", fechada en octubre de 1943 en Nueva York. La entrada es bastante larga, así que sólo les compartiré un extracto y si les gusta, soy capaz de transcribir la entrada completa. No sé si en francés estos versos o estas frases guarden rima alguna, sin embargo se traduce el ritmo y la lluvia de imágenes que pretendía transmitir, si es que eso pretendía. Quisiera creer que sí... el surrealismo, a final de cuentas, era una lluvia de imágenes propuestas para provocar; ¿provocar qué cosa? Lo que fuese: polémica, asombro, sensaciones, sentimientos, ideas, opiniones... provocar, a final de cuentas, una reacción de un ser viviente y pensante. En fin... he aquí la voz de Bretón, y abajo, la de Bird (que a mí me han funcionado muy bien juntos).

...

Un arco de bruma se desliza tangencialmente a los

bordes sur oeste y norte y se abre sobre dos abanicos

de martín pescador ese arco envuelve las tres primeras

cabezas y deja libre la cuarta guardada sobre campo de

polen por una piel de condilura tendida por medio

de espinas de rosal

Por allí es por donde se entra

Se entra se sale

Se entra

no se sale

del sueño

Pero la luz regresa

El placer de fumar

La araña-hada de la ceniza de puntos azules y rojos

No está nunca contenta de sus casas de Mozart

La herida se cura todo se las ingenia para hacerse

reconocer hablo y bajo tu rostro gira el cono de sombra

que desde el fondo de los mares ha llamado a las perlas

Los párpados los labios husmean el día

La arena se vacía

Uno de los pájaros al echar a volar

No se ha preocupado de olvidar la paja y el hilo

Apenas si a un enjambre le ha parecido bien patinar

La flecha parte

Una estrella nada más que una estrella perdida en el pelaje de la noche.

-.-.-

'Effigy' (en vivo desde el Austin City Limits)

Y para empezar...

2012-01-07T08:02:00.001-08:00

... año nuevo, nuevo look. A ver cuánto me dura el gusto.

Lo mejor... The Antlers, Burst Apart

2012-01-05T18:05:00.000-08:00

1. Burst Apart, The Antlers

Y es así como, con mucho retraso, llego a la primera posición con el retorno de esta banda neoyorquina, cuyo álbum fue de esos que creció con cada pasada que le daba en mi lista. Las primeras veces que lo escuchaba decía "pues está bien" y sin mayor interés lo terminaba y seguía con otra cosa; sin embargo, al paso de los días, las semanas y los meses, se aferró la música en mí, hasta que... voilá, ici nous. Creció en mí cual virus sin penicilina, convirtiéndose en uno de mis discos favoritos. Burst Apart es el cuarto álbum de la banda; es oscuro y profundo, una navaja de doble filo. Música vomitada desde las entrañas, sensible y directa: We wake up with pounding heads, bruised down below. I should've built better walls, or slept in my clothes. So if I see you again, desperate and stoned, keep your prison locked up, and I will leave my gun at home, canta Silberman en 'I Don't Want Love', canción que abre el disco y entona el ambiente en el cual nos enredará a lo largo de este. Es una sensación desgarradora y adictiva que nos convierte prácticamente en masoquistas. Piezas lentas de lírica brutal. Otras canciones, como 'Parenthesis' tienen este aire de remembranza de sonidos como aquellos creados por Radiohead por ahí de los 90s, en canciones como 'Talk Show Host', fabulosamente manejados, por cierto, llenando las melodías de un cierto letargo que transmiten hermosamente. Y otras como 'Every Night My Teeth Are Falling Out' apelan al psicoanálisis con cierta temática freudiana, en la cual, el soñar que a uno se le caen los dientes es señal de frustación sexual, go figure. Aquí entre nos, y sin implicación alguna, esta fue mi canción favorita. Burst Apart no es un álbum que pueda ser juzgado por su portada, ni de buenas a primeras... quizá tome tiempo, como a mí me tomó, quizá llegue a ser su amor a primera vista, pero sea tal o cual, es un disco que definitivamente merece ser escuchado.

'Every Night My Teeth Are Falling Out'

Lo mejor... Radiohead, The King Of Limbs

2012-01-04T05:20:00.000-08:00

2. The King Of Limbs, Radiohead

Escucho 'Bloom' y recuerdo esa mañana de febrero que lo escuché por primera vez... era Radiohead regresando a sus tiempos de Kid-A, quitándose un poco esa imagen que In Rainbows les dejó; algo así como preciosismo, poesía desnuda con armonías orgánicas, sinfónicas, grandiosas. Esta vez, esa grandiosidad logró contenerse dentro de algo más pequeño y modesto con sintes, secuencias y sonidos que pasaron por el filtro digital. Sé de primera mano que muchos se encontraron en completo disgusto con esta nueva entrega, esperando algo así como una continuación del In Rainbows, quizá más digerible o por el contrario, lo encontraron muy sencillo. Vean como lo vean, The King of Limbs es un álbum excelente, coherente, sólido; canción tras canción es la invitación a un viaje como sólo Radiohead puede patrocinar. Un viaje cargado de visiones, colores y sabores... y repito, ¿para qué necesita uno de alucinógenos? Todo se da naturalmente y por añadidura. Son melodías palpables y adictivas; como un estornudo que se contagia, la música del álbum se infiltra hasta el cerebro para hacernos bailar al estilo York, sin inhibiciones, sin pena y de forma catártica. Los regresos de Radiohead siempre serán bien-venidos y bien recibidos.

Excelente canción 'Codex', de mis favoritas del disco.

Aquí les dejo este link de algo pequeño que escribí sobre The King Of Limbs por ahí de febrero: http://singinfrogz.blogspot.com/2011/02/el-regreso-radiohead-por-radiohead.html

Lo mejor... St. Vincent, Strange Mercy

2012-01-02T13:28:00.000-08:00

3. Strange Mercy, St. Vincent

Estridente, ruidosa, salvaje, prodigiosa. Annie Clark o Santa Vicente y su bellísima y tan femenina voz contrapuesta a esos ruidosos y apasionantes riffs. Esta mujer no le pide favores a nadie, absolutamente nadie, es absolutamente perfecta en todos los sentidos... una diosa. Han de pensar en lo exagerado de mis declaraciones, mas no, exageradas no lo son. Tres LPs, siendo este el mejor de todos, definitivamente, lo prueban. Strange Mercy es un álbum sin inhibiciones, en donde queda todo al desnudo: sus traumas, sus obsesiones, incluso sus perversiones, como en 'Chloe In The Afternoon', una oda de Clark a Eric Rohmer (extinto director de la Nouvelle Vague). Si antes ella cantaba sobre relaciones, romance y cuentos de hadas, ahora logra escindirse de ese ropaje naive para ponerse en el centro de atención, el papel protagónico de un disco que de principio a fin embriaga con la dulce e incitante voz de Clark.

'Surgeon', de las mejores del disco.

Lo mejor... M83, Hurry Up, We're Dreaming

2012-01-01T10:58:00.000-08:00

4. Hurry Up, We're Dreaming, M83

'You, Appearing' fue la primera canción de M83 que escuché, hace ya más de tres años con el Saturdays=Youth entre olor a tabaco, café y solución fotográfica dentro de un pequeño y frío local del centro. Este proyecto del francés Anthony Gonzalez no puede ser catalogado como música electrónica, sería casi un insulto, sino un eclecticismo de géneros, estilos, sonidos y ritmos. Parte del shoegaze, pasa por lo electrónico, toma del pop y resulta en una explosión de matices que pocos logran con semejante presición y perfección. Hurry Up, We're Dreaming es justo esto, un disco doble abundante en sintes, secuencias, reverbos, efectos y ese toque de 80's revival que está tan inn entre músicos y productores discográficos, aunque Gonzalez no lo lleva hasta el extremo del hartazgo. Es un álbum que, si de escucharse de corrido, lo tiene a uno en un maravilloso viaje de más de una hora sin necesidad alguna de alucinógenos, tan sólo necesitan de un sillón, el álbum y escuchar canciones como 'Raconte-Moi Une Histoire' (o déjame contarte una historia): I heard about this frog. It's a very tiny frog, but it's also very special. You can only find it in the jungle so far away from me. But if you find it and you touch it, your world can change forever. Una de mis favoritas del disco. M83 proporciona los más fascinantes viajes que se puedan imaginar, y discos como Hurry Up..., por más cursi que se escuche, son los medios que nos lleven a ese país de nunca jamás.

Excelente video para una excelente canción... 'Midnight City'

El fin, el inicio y la necesidad de confesiones y cursilerías.

2011-12-31T23:04:00.000-08:00

Faltan veinte minutos y un año más perece con cada tic-toc y tic-toc del reloj. Toda la vida se reduce a una simple onomatopeya... tic-toc, tic-toc, tic-toc. Escucho los cuetes, los truenos y los que supongo yo son balazos; me imagino a las personas brindando, abrazándose, besándose por primera vez, perdonándose, riendo, reflexionando, gritando, bailando, bebiendo, hablando, gritando... un mundo de gente que celebra. Este año nuevo, lo celebro cómoda y calientita en mis pijamas, acostada sobre mi cama, observando a mi hijo dormir, mientras escucho el Songs For Swingin' Lovers de Frank Sinatra (10 minutos) y a mi esposo mover y remover platos en la cocina, sonrío y pienso que no hay mejor celebración que esta, mi familia. El modo de vida de hoy en día se ha convertido en un interminable festín de materialismo y consumismo sin tregua que termina por asesinar el espíritu humano, por lo que es difícil a veces ver y apreciar aquello que realmente importa. La vida me ha dado un giro y me ha mostrado tantas perspectivas que jamás creí existían... darse cuenta de que ella es un mar infinito de posibilidades es maravilloso y no hay mayor felicidad que aceptarlas y aventarse a lograr cada una de ellas.

A un minuto de la llegada del año nuevo, tan sólo les digo que muchas felicidades. Aunque no los conozca personalmente ni les llegue a abrazar, les deseo lo mejor de la vida. No se dejen llevar por las malas lenguas, desechen las amistades que se disfracen de buenas y les causen daño, jamás dejen pasar las oportunidades y atrévanse a decir "a la chingada, ¿por qué no?". La vida es camino de ida y no hay boleto de regreso, así que lo que hagan, háganlo con ganas y jamás se arrepientan de ello. Dios, El Universo, La Vida, como quieran verlo, trabaja de maneras que jamás comprenderemos, pero que siempre serán para nuestro beneficio, si sabemos aceptar los golpes de la vida y levantarnos para seguir adelante. Todo en esta vida pasa, así que los problemas hay que saborearlos y los momentos felices para siempre atesorarlos. 12:00am.... ¡Feliz Año! Los quiero y les deseo un encuentro con ustedes mismos y con la felicidad. Ahora... a empinar las copas, ¡SALUD!

Lo mejor... Novo Pilota, E.T.E.R.N.A.U.T.A.

2011-12-31T08:37:00.000-08:00

5. E.T.E.R.N.A.U.T.A., Novo Pilota

Debo decir que este es un disco muy cercano a mi corazón por diversas razones, siendo una de ellas, que me habla de una ciudad que camina con las piernas rotas; una ciudad que muchos dan por muerta, sin embargo, otros como yo, no perdemos la esperanza de que renazca desde sus propias cenizas. E.T.E.R.N.A.U.T.A. es un álbum que fue garrando terreno y rompiendo barreras entre espacios que veían -y lamentablemente aún ven- al rock como una pérdida de tiempo; una forma de música que tan sólo llama al desorden o de alguna forma al diablo, así como diría la abuela. Es rock con corazón e inteligencia, tanto en la letra como en la música guitar-driven; Novo Pilota toma el género como excusa y justificación para expresar y soltar la greña, así como tiempo atrás lo hicieron Hendrix o Dylan, quienes se convirtieron en parte de la iconografía de toda una generación. Este cuarteto del Paso del Norte ya es parte del consciente colectivo de muchos en esta ciudad y su E.T.E.R.N.A.U.T.A. es la bandera con la cual marchan a través de quienes pretenden silenciar a toda una generación... "¿Quién grita? Y, ¿a quién gritas?".

Aquí abajo una de las mejores canciones del disco, 'Odio Cósmico', durante su presentación en el programa Checkwantu (www.checkwantu.tv para ver la entrevista y la presentación en su totalidad).

Lo mejor... Fleet Foxes y Bon Iver

2011-12-28T07:40:00.000-08:00

6. Helplessness Blues, Fleet Foxes

Gracias a 'White Wynter Hymnal', me volví una devota empedernida de los Fleet Foxes. Fue amor a primera vista; no es un grupo que requiera habilidades sobrenaturales para convencer o enarmorarlo a uno. Así que un par de años más tarde, al regresar con Helplessness Blues, yo ya era una fiel creyente en su doctrina folk-y. El álbum lo podría describir como preciosista, grandioso; tiene esta sensación de abertura, de un fluir orgánico y tal vez un tanto rústico. Me encanta el barroquismo interpretativo de las canciones: las guitarras, las percusiones, las voces... sobre todo las voces, siempre en perfecta armonía. Sé que el folk, sobre todo este tipo, el cual puede llegar a ser un poco recargado, es difícil de escuchar y no es del gusto de muchos... conozco tan sólo a un puñado de gente que les gusta o lo aguantan a duras penas. Se toma su tiempo, no se puede apresurar y así es como este disco funciona. No es lento, sin embargo no se apresura en exponer al rojo vivo el alma, si no, letras como "I walk with others in me, yearning to get out. Claw at my skin and gnash their teeth and shout. One of them wants only to be someone you'd admire; one would as soon just throw you on the fire" no tendrían manera de explicarse. Le canta al verdadero romántico, a la persona atrapada dentro de sí, confundida y esquizofrénica. Realmente una belleza de álbum.

'Grown Ocean'

6.1 Bon Iver, Bon Iver

Sí, soy una sucia tramposa, ¿y qué? Si por mí fuera en un top 10, nombraría dos discos por número, a final de cuentas es mi lista. Y en ninguna lista puede faltar Bon Iver. De hecho, queda perfecto en este número de temática folk; si estamos con los Fleet Foxes, el brinco hacia Bon Iver no será tan difícil. Este segundo LP se alejó un tanto más de lo que fue el For Emma, Forever Ago. Para empezar, se despoja del sonido orgánico del primero e incorpora un ambiente un tanto electrónico, lleno de distorsiones y guitarras eléctricas. 'Perth' y 'Hinnom, Tx' son ejemplo de ello. 'Perth' sobre todo, es la que pega con la sorpresa de que este álbum corre hacia el lado opuesto del mito de Bon Iver y Justin Vernon; es el antagonista a For Emma... Es el espíritu ya no quebrado por el desamor y la enfermedad, sino por la vida en sí y todas su paradojas. En definitiva una obra más compleja y completa, aunque continuando con ese sonido, o estilo, o feeling, o ambiente, o como quieran verlo, al cual alude su nombre: buen invierno. Es melancolía evolutiva, genuina; la pugna del sonido sintetizado en contra del sentimiento enrevesado e indeleble del ser humano. Llega a acercarse peligrosamente hacia lo pretencioso, como en 'Beth/Rest' y aun así, salir triunfante. Verdaderamente de los mejores discos que escuché este año.

El paisajismo de 'Holocene'

Lo mejor... The Black Keys, El Camino

2011-12-27T07:25:00.000-08:00

7. El Camino, The Black Keys

Presentar un álbum durante los últimos días del año, a mí parecer, no puede ser cosa muy buena; los discos fuertes, sólidos, esos tan esperados, ya salieron, ya se han escuchado y han tenido el tiempo suficiente para que se acrecente el gusto hacia ellos por quienes los escuchamos. Así, al llegar al final del año, han tenido su natural evolución y posicionamiento dentro de nuestros gustos -queramos o no, tendemos a calificar de mejor a peor todas las cosas... de lo que más nos gusta a lo que menos nos gusta. Pero luego, llegan discos como El Camino y el deleite es tanto que somos capaces de sacrificar algo que tardó en ganarse su lugar, y es que es tan bueno el disco que cómo dejarlo fuera, tan sólo por llegar al final; supongo que aquí se hace realidad eso que dicen "los últimos serán los primeros" o "lo mejor siempre llega al final", etc. Lo escucho y lo escucho, y entre más lo hago, más me gusta. Es bueno escuchar música temática, de esa que pide atención, seria y profunda, intelectual, hasta cierto punto, pero también es bueno escuchar música que es simplemente divertida como toda la que presentan los Black Keys. Es música que le hace desear a uno estar frente a ellos en un concierto, tan sólo para brincar, gritar, cantar y bailar.

'Run Right Back', pegajosa y fabulosa

Lo mejor... Okkervil River, I Am Very Far

2011-12-27T06:47:00.000-08:00

8. I Am Very Far, Okkervil River

Me fascinan los artistas que leen y esta agrupación de músicos es de esos, la prueba está en el nombre, el cual salió de un cuento corto por parte de la autora rusa Tatyana Tolstaya. Conocidos por sus discos temáticos, Okkervil River, originarios de la meca musical tejana (Austin), presentaron en abril I Am Very Far, su sexto álbum dentro de una discografía muy impresionante, debo decir. Este es uno de esos proyectos que se tiene que escuchar y más si a uno le da por lo indie, lo melódico, lo rockero -sin llegar a ser estridente. Parte de su belleza es que no es un grupo que haya llegado a ser parte del establishment, osease, golpearle la cara de la fama y la fortuna (y la mercadotecnia y las modas). Ya hablando entre nosotros, ojalá nunca lo haga; este es el encanto que guardan, el ser parte de un círculo quisquilloso de personas que disfrutan este tipo de música y de ambientes, que saben lo que escuchan y que son capaces de discernir entre algo bueno y con potencial o algo malo y que pronto terminará en el desecho. Escuchar discos como I Am Very Far lo incluye a uno dentro de ese círculo. Aquí podrán leer un poco más sobre lo que pienso de este disco: http://singinfrogz.blogspot.com/2011/04/i-am-very-far-el-nuevo-album-de.html

Una buenísima canción 'Wake and Be Fine'

Lo mejor... Beirut y Anna Calvi

2011-12-26T05:41:00.000-08:00

9. The Riptide, Beirut

5:58am y con una taza de café, acompañado de galletas navideñas, escucho The Riptide nuevamente. Jamás me ha gustado referirme a cierto tipo de música o discos u obras como "bonito" o "bello" o cosas por el estilo. Ese tipo de adjetivos, en casos como este, no dicen gran cosa, o de hecho, no dicen nada del todo. No es una opinión, vaya. Pero qué le puedo hacer, pues Beirut hace este tipo de música bella; llena de matices, de tonalidades y profundidades. Son canciones que guardan un feeling muy peculiar... cálidos, amigables, hogareños, características que son particularmente notorias en The Riptide, un álbum que salió por ahí de agosto -y que aun en medio del invierno se escucha maravillosamente bien. Escuchar canciones como 'Santa Fe' proporcionan esa sensación de lugar común, y cómo no, si Zach Condon la escribió en honor a su ciudad de origen, Santa Fe, Nuevo México. 'East Harlem' también tiene su toque mágico y honesto, con Condon haciendo una declaración de amor hacia su profesión, quizá... Sound is the color I know, sound is what keeps me looking for your eyes. And sound of your breath in the cold, and oh, the sound will bring me home again. Creo que en una industria en donde la mentira es la que vende, encontrar sinceridad en la música y en la letra lo hacen a uno disfrutar de ella verdaderamente; es ahí en donde uno se encuentra.

Excelente canción, excelente video... 'Santa Fe'

9.1 Anna Calvi, Anna Calvi

De acuerdo, sé que esto es hacer trampa, pero no pude tacharla de mi lista, así de simple. Y es que escuchar la voz de Anna es un embrujo. Su música, su estilo, su voz, todo es tan seductor, tan provocativo que es imposible negarle la invitación. Calvi es sublime y compite con mujeres como Annie Clarke o Leslie Feist en un mundo en donde aun, no busquemos negarlo, el male-alpha-dog es quien rifa y controla. Pero dejémoslo a mujeres como ella para demostrar el poder espiritural, artístico y creativo que la mujer guarda en el interior (y no, no soy feminista). Sobre sale, no sólo por el poder de su voz, raposa en veces, profunda y grave, sino por sus habilidades como guitarrista, tan así que ha sido invitada para colaborar en tours de Interpol y Arctic Monkeys. Su música muestra influencias tanto de Opera como de Rock, desde Jimmi Hendrix hasta Edith Piaf. 'Suzanne & I', por ejemplo, tiene un sonido reminiscente de los 80s, y si ponen mucha atención, podrán escuchar en el coro la voz del afamado y siempre raro Brian Eno, quien ha sido el mentor de Calvi desde el inicio. Díganme si datos como este no les pica la curiosidad. Aunque estoy segura que una vez que se dejen llevar por el embrujo de esta prodigiosa belleza inglesa, cualquier dato tangencial quedará mermado al instante.

Versión en vivo de 'Blackout'

Lo mejor.... TV On The Radio, Nine Types of Light

2011-12-23T06:24:00.000-08:00

Otro año más... bye bye. Espero que ya estén haciendo sus listas (mentales, escritas, a quién le importa) sobre todo lo que quieren lograr para el nuevo año; reflexionen sobre todo lo que quedó por hacerse en este que ya termina y vean con buenos ojos todo aquello que fue de su agrado, y por qué no, lo que no lo fue también. Una de las tantas listas que hago, porque de manera casi patológica hago listas (es como terapéutico para mí), es la lista de lo mejor que escuché en el año. Antes gustaba de hacer mi lista en cuanto a cine, pero siendo que la calidad de salas de proyección en esta ciudad es una verdadera y reverenda mierda en cuanto a lo que ofrecen, me he dado por vencida; la música es lo único seguro en la vida. Eso y la muerte, pero para qué nos vamos a terrenos tan pesimistas.

Como les decía, yo hago listas y junto a mí, escrito en las últimas páginas de algún cuaderno, con tinta negra, tengo una lista de discos que salieron este año y escuché fervorosamente, casi con una cierta obsesión en algunos casos. Es una lista larga de más de 30 discos; se me ha dificultado enormemente escoger solo diez. Esto del elitismo no se me da. Si pudiera los escogería a todos. Fue un muy buen año para artistas nuevos como James Blake o Grouplove, sin embargo, fueron los veteranos quienes se llevaron los laureles este año. Bandas/Músicos como Radiohead, My Morning Jacket, Bright Eyes, Björk, Fredrik, Decemberists, Death Cab For Cutie, The Antlers, Clap Your Hands Say Yeah, entre otras, regresaron con una fuerza impresionante... un momentum que fue creciendo con los años. Expectación y altas esperanzas se dejaban sentir, ver y escuchar en tantas almas melómanas, unidas por ese hilo plateado. En fin... a lo que voy.

10. Nine Types of Light, TV On The Radio

A este grupo de neoyorquinos los descubrí con Dear Science, excelente disco de hace ya tres años y supe que esta sería una de esas bandas de la cual ya nunca me podría despegar. Cuando Nine Types of Light vio la luz del día, era claro que llegaría a estar entre lo mejor; entre la crema y nata de la escena musical, y aclaro, esa escena musical que no se ha visto manchada y demacrada por la mercadotecnia y el consumismo, la que aun guarda y rebosa de talento y creatividad. El álbum es ecléctico en cuanto a ritmos y sonidos, mezclando jazz, con rock, con soul, con pop. Balance perfecto entre música y letra, armonías y voz. Desde que 'Second Song' se escucha (curiosamente la primera canción del álbum), atrapa... pegajoso, delicioso, atractivo. Un sonido funk, pop, jazzero, ¿cómo no puede ser adictivo? Es imposible dejar de escuchar, así como adelantar de una pista a otra. El disco funciona como un entero, y es que según transcurren los segundos, joyas como 'Will Do' o 'Killer Crane' aparecen. Es una obra excelente, quizá no sea un álbum tan bueno como lo fue el Dear Science, sin embargo es una sólida adición a la impresionante discografía del grupo. Este desde sus inicios no ha quedado bien definido más por los dos miembros originales, Adembipe y Sitek. El bajista, Gerard Smith, murió de cáncer un mes después de haber lanzado el disco... es triste, y no sé por qué siempre son los bajistas. Escuchándolo, no pude dejar de pensar en cómo esto fue la última gran cosa que Smith hizo, lo cual te deja pensando... ¿qué será la última gran cosa que hagas en este mundo? Pero bueno, no quiero terminar esta nota con una idea de este tipo. Mejor a escuchar el disco, saborearlo y amarlo. Definitivamente Nine Types of Light merece un lugar entre el canon de cualquier amante declarado de la música.

El video de 'Will Do', uno de los mejores tracks del disco.

A Case of You

2011-12-20T04:43:00.000-08:00

Me he despertado, como ya es costumbre, alrededor de las cuatro de la mañana. No quería creer todo eso que me decían sobre cuando uno tiene hijos que ya el sueño es escaso. "Duerme todo lo que puedas", me decían, "aprovecha ahorita que puedes dormir, descansa". Ahhhh esos días de dormir toda la noche, la madrugada, despertar tarde, pero bueno, no puedo decir que sea todo malo. Hay muchas cosas que se disfrutan más de madrugada que durante cualquier otra hora del día... ver El Mago de Oz con mi hijo y ver cómo la música lo calma es una de esas cosas; escribir cuando el cerebro aún está entre la línea del sueño y la vigilia (cosas bastantes fumadas me han salido de eso); que mi esposo se escape a Denny's a comprar waffles en la madrugada para desayunar viendo caricaturas también no tiene precio. Pero, sobre todo... la música. Hay música que cambia su sabor cuando se escucha durante estas horas.

James Blake ha hecho un cover de 'A Case of You', canción de Joni Mitchell (la encuentran en Blue). Ahora, Joni para mí es una diosa; es un artista como pocas. Sus canciones no pueden ser etiquetadas como meras canciones, sino como poesía en todo su esplendor. Durante toda su trayectoria discográfica, creó historias, imágenes, situaciones... es todo un manual sobre El sentimiento humano (sí, "El" con mayúscula). Sé que Mitchell no es para todos, a muchos le aburre, y no porque su música sea aburrida, sino porque requiere, o mejor dicho, su música demanda atención y vaya que eso ha sido lo que ha obtenido de mí. Ella y yo compartimos una relación muy especial. Y ahora que me encuentro con esta versión en la voz de Blake (que no sé ustedes, pero a mí me recuerda mucho a la voz de Antony Hegarty) ha hecho de esta madrugada algo muy especial. Les dejo el video. ¡Feliz martes!

Melancholia, declaración de amor de Von Trier hacia la depresión

2011-12-15T23:35:00.000-08:00

No es el tipo de película que uno ve por estar aburrido; no es el tipo de historia para divertirse o pasar el rato. Es el tipo de película que uno ve porque conoce lo creativo y deslumbrante que alguien tan polémico puede llegar a hacer, y cuyas creaciones terminan marcando la memoria. El director danés siempre ha causado una fuerte impresión en mí, pues me hace sufrir, con mayúsculas... SUFRIR. No puedo ver Dancer In The Dark sin escuchar que se me rompa el corazón y terminar en lágrimas; no puedo ver Antichrist sin sentir cómo se me retuercen las vísceras; no puedo ver Dogville sin sentir repudio hacia la maldad del hombre; no puedo ver Manderlay sin quedarme dormida (porque esa de plano me aburrió).

Escogí el día perfecto (nublado, frío, húmedo, depresivo) para ver la tan poética versión del fin del mundo según Von Trier, en donde el planeta Melancholia está por estrellarse a la Tierra. La belleza de la historia, es que este terrible acontecimiento, no es más que el mero gancho sobre el cual el director cimenta el verdadero argumento de la película, centrado en la relación entre las hermanas Justine (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg). Esta tragedia de tragedias es una sencilla estructura de tres actos, con el tercer acto antepuesto al primero -la película inicia con el fin (literalmente). El final es un espeluznantemente bello y etéreo cataclismo; es la danza de la muerte, a ritmo de Wagner y su preludio a Tristán e Isolde, pieza que se escucha a manera de leit motiv a lo largo del film. El final de finales, el inicio de inicios, una lluvia de imágenes alternando entre los personajes y el espacio, entre Justine y Claire y los dos planetas, imágenes producto de una cámara phantom que exagera el uso de slow motion logrando un espectacular resultado; les aseguro que esta secuencia introductoria a la película la repasarán una y otra y otra vez después de haber visto la película.

Llevo horas, literalmente, escribiendo y borrando la sinopsis de la película, pero cada vez que termino y la leo me parece frívola y superficial. La película funciona a manera de metáfora, en donde Von Trier proyecta sus frustraciones y la profundidad de esa depresión contra la cual ha combatido por años; digo, es un poco prosáico tomando en cuenta el título. Se proyecta así mismo en el personaje de Justine, quien es incapaz de disfrutar de su propia boda por no poder sobre pasar su padecimiento, el cual ha llegado a un nivel tan fuerte, tan denso, que ni su marido logra pasar la noche de bodas con ella y terminan separándose después de tan solo horas de casados. A ella se le ve perdida y dispersa, yendo de un lugar al otro, tomando baños mientras abajo la esperan para partir el pastel; cogiéndose hombres al azar mientras su esposo la espera en su habitación; tomando siestas mientras la esperan para los discursos, y así sucesivamente. Mientras tanto, una neurótica Claire debe lidiar con una familia profundamente escindida y resentida. Este juego de contrastes, el simbolismo de la boda en oposición con la podredumbre de las personas que por ahí deambulan es absolutamente delicioso. Son personajes minuciosamente creados: Justine es una depresiva terminal, Claire la neurótica base sobre la cual se apoya la familia, Michael es el pobre ingenuo que se casó con la locura personificada, John el astrónomo burgués que carga con la familia de Claire cual estigmas sangrantes. El padre se ha convertido en un mujeriego y la madre en una amargada... en fin.

La segunda parte de la película, a diferencia de la primera, se siente más fluida, pues el espectador sabe que el tiempo está cerca y que todo está por terminar. Es interesante ver cómo las personalidades que en un principio fueron planteadas, van desenvolviéndose cuando su naturaleza se enfrenta ante su destino: la muerte. El hombre es débil y se doblega antes de tiempo, mientras la mujer se sostiene erguida, aceptando lo que viene o simplemente resignada. Si hay algún mensaje que haga guiños de actitudes chauvinistas, misóginas, machistas, blah, blah, en el personaje de John sobre la condescendencia que tiene ante su esposa, puesto deliberadamente por Von Trier, pues quién sabe. Eso es a la interpretación de cada quien. Yo no quise entrar en asuntos de género, como muchos hicieron en Anticristo; yo entendí las analogías que busca hacer sobre este asunto ya mencionado hasta el cansancio sobre su depresión... y una vez que me encasillé (abiertamente) en la metáfora, todo lo fui tomando, no como lo que era, sino como aquello que representaba: el choque planetario/el choque fraternal entre Claire y Justine; la voracidad del universo/la familia tan violentamente disfuncional, etc. Y bueno, si a esas vamos, no sé si era la finalidad; pero así como uno lee un poema e interpreta, aquí me di la libertad de aplicar el mismo principio.

Así como sus películas, Von Trier es un personaje enigmático y sumamente interesante. Es la persona que todos aman odiar; es quien está en boca de todos; es a quien recurren para derramar bilis. Esta persona non grata de críticos, periodistas y burgueses intelectualoides de los más prestigiados festivales cinematográficos, seguirá haciendo cine provocativo, polémico; de ese tipo que se entierra como espina en el corazón, en el hígado, en el estómago, así como lo llegasen a hacer Buñuel, Bretón, Dalí o cualquiera de los surrealistas con tal de provocar. Esas provocaciones que a final de cuentas, nos hacen sentir vivos, nos hacen pensar; nos provocan a hurgar en los rincones más oscuros del espíritu humano para enfrentarnos a nosotros mismos. Melancholia es la película más anti-Von Trier que he visto, a pesar de recurrir a sus lugares comunes: la eroticidad, la naturaleza, la vida, la muerte, la maldad, la bondad, la ingenuidad, la incredulidad, la eterna pugna entre el bien y el mal, y algo que me recuerda al 'silencio de Dios' del cual Bergman hablaba, no sé por qué. Este es un director al cual se le ama o se le odia, al igual que su obra; una obra que no es fácil de digerir, pero que es altamente gratificante y, por qué no, edificante.

Aquí el prólogo, nomás para que se den una idea.

El hombre piano

2011-12-09T11:01:00.000-08:00

Café con leche, empanada de fresa, El extrajero de Camus y esta canción.... 'Piano Man' de Billy Joel. Canciones como esta, pocas. Perfectos versos, perfecta melodía y la voz de un joven Billy Joel que realmente la hace inmortal. Es de esas canciones que se le cantan a los hijos, y los hijos a sus hijos. Y la verdad es que ni me gusta Joel tanto, yo soy más del estilo de Elton John, sobre todo en su belle-epoque, pero cuando una canción es buena, no hay quien lo niegue. Se las dejo...

Piano Man by Billy Joel on Grooveshark

Domingo

2011-12-04T14:23:00.000-08:00

Algo tiene de especial el domingo. Se siente un día diferente a los demás; un día que no pertenece a los rutinarios lunes, martes, miércoles, jueves y viernes. Tampoco pertenece al respiro que proporcionan los viernes y los sábados, por lo que termina siendo un día aparte de los demás. Un día sin clasificación. Un día sin eventualidades, sin acontecimientos excitantes; un día que no tiene nada de rutinario, pero que dentro de sí parece vivir siempre el mismo itinerario. Es lento, largo, ocioso, tedioso en la mayoría de sus turnos, sobre todo en días fríos y mojados como este en el casi-invierno. "Pensé que era domingo y me fastidió: no me gusta el domingo [...] En la calle sólo quedaban los tenderos y los gatos..." dice Camus a través de Mersault durante prácticamente todo el capítulo II del Extranjero de Camus, el cual se extiende por hojas sobre cómo Mersault odia los domingos y prácticamente no hace nada más que ver a la gente por la ventana y fumar cigarrillos. Mientras el domingo transcurre hacia su trágico final... me doy cuenta de que ya no sé ni qué escribir, por lo que esta entrada de blog, sin gran finalidad y total falta de sentido alguno, agoniza de igual manera y llega hacia un austero final sin gran elaboración de frases. Justo así.

El Camino de las Teclas Negras

2011-12-04T05:39:00.000-08:00

Bien podría ser el título de un pésimo libro escrito por Carlos Cuauhtémoc Sánchez (vómito, vómito), aunque no lo es; tampoco es un libro de superación personal bajo la firma y marca registrada de Deepak Chopra. No, nada de eso; se trata nada más y nada menos que de la última entrega del fab-two The Black Keys. El Camino es el séptimo álbum de este excelentísimo dúo gringo-parlante, el cual, de buenas a primeras les digo que es una total y completa delicia escuchar. Es la garantía de pasar un buen rato.

Desde el inicio, 'Lonely Boy' engancha, es inevitable. La historia de chico conoce a chica, chico se enamora de chica y chica lo manda a comer pasto, mientras chico espera y espera con el corazón en la mano podrá parecer como la canción trágica-melancólica que tanto aman los folkies cantar, pero no; déjenselo a unos rockeros, que parecen salidos de una película de Tarantino, para convertirla en una fiesta de negación, de amor-odio, con esas guitarras tan electrizantes, esos ritmos tan hipnotizantes. 'Dead and Gone' baja el tempo un tanto para adentrarse de lleno al camino que van trazando Auerbach y Carney, en donde el protagonismo de la batería y el bajo son palpables en cada momento. Poniendo un alto al tan sabroso estridentismo de las guitarras de Auerbach, 'Little Black Submarine' nos muestra su acústico romanticismo... aunque esto es realmente una farsa. Engaña en la melancólica austeridad con la que nos envuelve, para que de la nada termine por golpearnos de frente a la cara. The voices calling me, they get lost and out of time. I should've seen it glow, but everybody knows that a broken heart is blind, esquizofrenia en la lírica y en la música, buenísima canción. "Money Maker" y "Run Right Back" regresan de lleno a ese sonido guitar-driven, lleno de fuzz, de riffs y de muchos huevos, así como debe ser.

Siguiendo con la temática del disco sobre corazones rotos, el amor no correspondido y ese sentimiento romanticista del chico solitario incomprendido, 'Sister' aparece para cimentar bien la idea: Wake up, gonna wake up to nothing. Brake up, the brake up is coming. When your heart is hollow, another pill to swallow. Si tan sólo en la Alemania del siglo XVIII los narcóticos fuesen tan comunes para aliviar el mal de amores junto con una botella de whiskey, bueno no podría decir que otra cosa hubiera sido. 'Hell of a Season' y 'Stop Stop' suenan cargados del ambiente retro que tanto me gusta encontrarme por ahí... sonidos de festivales de rock de los 70s, aturrados de melómanos, fanáticos y los ocasionales groupies; ganas me dan de ponerme pantalones acampanados, plataformas y bailar. La fantástica 'Nova Baby' comienza la parte climática y final del álbum, y que debo decir, fue de mis canciones favoritas. No soy alguien que viva con el corazón roto y definitivamente no sufro el mal de amores, pero si lo sufriese, no encontraría razón para ignorar lo que con honestidad de blues-man canta Auerbach: I'm falling hard for every yard of the dream you sold me.

Oh don't let it be over, se escucha finalmente en 'Mind Eraser', y así es precisamente como uno termina sintiéndose tras ese recorrido de retro rock de un álbum que emula en ciertos aspectos a Brothers, aunque sea una obra que termine por irse en el camino contrario. Es un disco enteramente divertido y nada complicado, pues este par de chicos oriundos de Ohio nos demuestran que no se necesita mas que una guitarra y una batería para hacer buena música, específicamente, buen rock, sobre todo en esta época que tantos poperos quieren parecer rockeros y tantos rockeros se hacen pasar por poperos. El Camino de los Black Keys es uno de los discos que más he disfrutado durante este año.

'Lonely Boy'. Esto es todo el video y me encanta. Ganas dan de ponerse a bailar también.

.......

2011-11-30T10:04:00.001-08:00

En ocio, nuevo playlist aquí a la izquierda. Gracias a los dioses por grooveshark, mientras mi computadora permanece en coma. Feliz miércoles.

3:27am

2011-11-28T03:33:00.000-08:00

Es de madrugada, muy de madrugada. Es tan de madrugada que es un crimen estar despierta a esta hora. Todos duermen; mi esposo duerme, mi bebé duerme (irónicamente)... estoy segura que incluso tú dormías a esta hora. Vaya, ni siquiera escucho carros en la avenida y eso, para donde vivo, ya es decir demasiado. No duermo por terminar de leer El último lector de David Toscana y créanme que algún día le reclamaré mi pérdida de dulce sueño por pasar tiempo entre sus páginas. Me debí de haber quedado en el principio y evitarme lo demás, así como lo hace Lucio, uno de sus personajes, quien pasa la totalidad de sus días devorándose las novelas que guarda en la biblioteca del pueblo, pues es tan juez y crítico que se toma la libertad de condenar las lecturas estando a penas en las primeras páginas de estas. No necesita más que leer el inicio y el final para decir que son ridículas, estúpidas, que solo reflejan el ego de tal o cual autor, que no retrata la realidad o la retrata de más, que el autor no entiende lo que es el arte, etc., etc., etc. Sé que esta es una novela querida por unos, amada por otros, decente para otros tantos, pero para mí no. Entrar al pueblo de Icamole y pasar tiempo entre Remigio, Babette, Lucio y su biblioteca no fue nada de mi agrado. Ya ni lo que esperé por este libro, pues me llegó por paquetería. En fin. Ya lo leído, leído está y por ese lado está bien. No hay lectura que no enriquezca, por más gorda que haya caído. Y hablando de dormir... alguien ya ha abandonado dicha actividad y ahora pide brazos. Buenos días.

Nuevas adiciones...

2011-11-22T09:12:00.000-08:00

Bueno, realmente es una nueva adición, singular; el plural ya quizá llegue después. He agregado un playlist, con eso de que me gusta tanto hacer listas; intentaré tener una lista actualizada (en el sentido de estar cambiando las canciones, no tanto por que estas sean de lo más nuevo). Espero les guste la selección de este día, misma que incluye canciones de St. Vincent (por quien me iría a batear del otro bando), Simon & Garfunkel, Dr. Dog, Joy Division, My Morning Jacket, Black Rebel Motorcycle Club, and so on, and so forth.

'Two Step'

2011-11-16T12:10:00.000-08:00

'Two Step' en Crash, Dave Matthews Band

Por ahí llegué a escribir algo sobre este álbum de Dave Matthews Band. Es uno de mis discos favoritos; es clásico y canónico, y es un disco que, para cualquier persona que se llame o adjetive como melómano, tiene que tenerlo, debe tenerlo, dentro de su colección musical, pero obligatorio. Y esta canción en especial, no puedo describirla como algo menos que perfecta. Otra de las que tengo tanto sin escuchar y justamente ahorita, momentos antes de escribir estas palabras, comencé a distinguirla por ahí en mi cabeza... alguien prendió el estéreo allá adentro y esta sonó, para mi enorme placer. Espero les guste.

'In The Morning'

2011-11-16T11:27:00.000-08:00

'In The Morning' en The Spinning Top, Graham Coxon

Esta es una de esas canciones que debo escuchar, casi religiosamente, a diario. Y no, no me canso. Pero ahora no puedo y la extraño. Lo bueno es que me la sé de memoria, de pi a pa, o sease, de principio a fin. Todos los sonidos, los instrumentos, la duración, los arreglos y sobre todo, la voz de Coxon (Graham, ya saben, guitarrista de la superbanda Blur). Espero disfruten la canción, la cual, es en verdad una belleza de melodía. Así se escuchan, se sienten y se saborean mis mañanas.

Ironía

2011-11-16T10:57:00.000-08:00

Hay varias maneras de definir la palabra ironía. Sí, recurrir al diccionario sería una de las maneras por las cuales aprendemos su significado, pero leer lo que significa, jamás se acerca a descubrir lo que el concepto quiere decir cuando lo experimentamos de primera mano. Ya saben, presumir que somos tan buenos conductores que nunca en la vida hemos chocado y un par de horas más tarde estamos sudando frío porque justo eso, chocamos. Bueno... yo no soy de las que no choca, he tenido mi buen número de choques (razonable y leve); pero vaya, de esto no es de lo que vengo a escribir. Para mí, la ironía se ha manifestado en el sentido de que, por tres años no tuve internet en casa... justamente este mes que permanezco guardando mi debida cuarentena, contratamos el servicio, a lo cual el gusto me duró escasas dos semanas cuando mi computadora decide ya no prender. Así es, decide. Así que, ahora gozo del excelente servicio cibernético, sin embargo, no tengo manera de acceder a él. Sólo sé que tengo ya internet y se acabó. Lo peor de todo no es el no poder accesar a la web, eso es algo secundario; lo peor es que mi colección de música está ahí, atrapada en la memoria de mi laptop, sin que yo pueda gozar de ella. Estoy desesperada. Mis días transcurren sin música, tan sólo con el sonido de la televisión, que no es para nada placentero. Necesito a Joni, a Dave, a Louis, a John, Paul, Ringo y George, a Bob, a Ella, a Damien, a Justin (Vernon, no Timberlake)... Necesito a mis Walkmen, a Simon y a Garfunkel, a Frank, a Gustavo, a Joana, a Cat... a los Rebel, a los Libertines, a los Pink. Necesito tantas voces, tantos sonidos...

Esta definición de ironía desde los sucesos de estos pasados días. Y esa es otra de las razones por las cuales no hay entradas nuevas por aquí, por la ironía.

Asomándome...

2011-11-11T12:06:00.000-08:00

... sólo para decir que no me olvido del blog. Extraño las palabras, extraño escribirlas. Ya pronto.

Uno video

2011-10-30T06:45:00.000-07:00

De madrugada, la música de Esperanza Spalding mientras arrullo a mi hijo. Aquí, cursilmente y con una enorme sonrisa en la boca, mientras las ojeras se me extienden hasta las orejas digo, en verdad, qué bella es la vida. ¡Feliz domingo!

Voltaire dice que es peligroso leer

2011-10-14T17:22:00.000-07:00

Por ahí dicen "Ignorance is bliss". La ignorancia es la gloria. ¿Será? Yo no me siento en la gloria cada vez que entro a territorios no conocidos, así que para mí no lo es. Pero sé que hay gente que sí lo considera cierto, incluso, lo hace una filosofía de la vida. Los gobiernos lo consideran un arma ALTAMENTE poderosa. Mantener ignorante al pueblo es mantener el poder, mantener el control. Lo es ahora y lo ha sido siempre. Es por eso que este texto escrito por Voltaire me ha gustado tanto:

"Del horrible peligro de la lectura"

Nos, Yusuf-Cheribí, por la gracia de Dios muftí del Santo Imperio Otomano, luz de luces, elegido entre los elegidos, a todos los fieles que vean éstas presentes, estupidez y bendición. Así como Said Effendi, antiguo embajador de la Sublime Puerta en un pequeño Estado llamado Frankrom, situado entre España e Italia, trajo entre nosotros el pernicioso uso de la imprenta, tras consultar sobre esta novedad a nuestros venerables hermanos los cadíes e imanes de la ciudad imperial de Estambul, y sobre todo a los faquires conocidos por su celo contra el espíritu, ha parecido bien a Mahoma y a Nos condenar, proscribir, anatematizar la dicha infernal invención de la imprenta, por las causas anunciadas a continuación:

1. Esa facilidad de comunicar los pensamientos tiende evidentemente a disipar la ignorancia, que es la guardiana y la salvaguarda de los Estados bien civilizados.

2. Es de temer que, entre los libros traídos de Occidente se encuentren algunos sobre la agricultura y sobre los medios de perfeccionar las artes mecánicas, obras que a la larga podrían, no lo quiera Dios, despertar el genio de nuestros agricultores y de nuestros fabricantes, alentar su trabajo, aumentar sus riquezas e inspirarles un día alguna elevación de alma, algún amor por el bien público, sentimientos absolutamente opuestos a la sana doctrina.

3. Ocurriría al cabo que tendríamos libros de historia despojados de lo maravilloso que mantiene a la nación en una feliz estupidez. En esos libros se cometería la imprudencia de hacer justicia a las buenas y a las malas acciones, y de recomendar la equidad y el amor a la patria, lo cual es visiblemente contrario a los derechos de nuestro cargo.

4. Podría ocurrir que, en la sucesión de los tiempos, miserables filósofos, con el pretexto especioso, pero punible, de esclarecer a los hombres y de hacerlos mejores, vinieran a enseñarnos virtudes peligrosas cuyo conocimiento no debe tener nunca el pueblo.
5. Podrían, al aumentar el respeto que tienen por Dios, y al imprimir escandalosamente que él lo llena todo con su presencia, disminuir el número de peregrinos a La Meca, con gran detrimento de la salvación de las almas.

6. Ocurriría sin duda que a fuerza de leer a los autores occidentales que han tratado sobre las enfermedades contagiosas y la manera de prevenirlas, tendríamos la desgracia de vernos protegidos de la peste, lo cual sería un atentado enorme contra las órdenes de la Providencia.

A estas y otras causas, para edificación de los fieles y el bien de sus almas les prohibimos leer nunca ningún libro, so pena de condenación eterna. Y, por miedo a que les asalte la tentación diabólica de instruirse, prohibimos a padres y madres que enseñen a leer a sus hijos. Y, para prevenir cualquier contravención a nuestra ordenanza, les prohibimos expresamente pensar, bajo las mismas penas; ordenamos a todos los creyentes que denuncien a nuestra oficialidad a todo aquel que pronuncie cuatro frases bien ordenadas, de las que podría inferirse un sentido claro y neto. Ordenamos que en todas las conversaciones haya que servirse de términos que no signifiquen nada, según el antiguo uso de la Sublime Puerta. Y para impedir que entre algún pensamiento de contrabando en la sagrada ciudad imperial, comisionamos especialmente al primer médico de Su Alteza, nacido en un pantano del Occidente septentrional; dicho médico, tras haber matado a cuatro personas augustas de la familia otomana, está más interesado que nadie en prevenir cualquier introducción de conocimientos en el país; le otorgamos poder, por estas presentes, para que ordene la incautación de toda idea que se presentara por escrito o de viva voz a las puertas de la ciudad, y nos traiga la dicha idea atada de pies y manos, para que les sea infligido por nosotros el castigo que nos plazca.

Dado en nuestro palacio de la estupidez el 7 de la luna de Muharem, el año 1143 de la hégira.

Las referencias turcas a las cuales alude Voltaire, son a manera de burla hacia la prohibición que se les imponía a los libros publicados por los ilustrados, aunque creo que esta crítica/burla/mofa, como lo quieran ver, es un molde que a cualquier sociedad, país, civilización, etc., le queda más que perfecto. Me ha hecho reír, mas chiste no es, pues ilusamente hay personas que creen que las ideas pueden ser reprimidas, arrebatadas y encerradas en oscuros calabozos, pero, y esto es lo peor de todo, hay quienes realmente se la creen. Creen que por motivar esta participación ideológica en uno mismo, aquellos que se dicen estar en el peldaño superior, que se dicen ser los elegidos, pueden y tienen el derecho de evitar que esto suceda. ¿Acaso los tenemos adentro de la cabeza? ¿Nos han colocado camaritas y cables ahí adentro? ¿Estamos ya ante aquellos mundos ficcionales que nos han aterrado por años (pensando en algo así como 1984), en donde se nos dicta qué hacer, cómo hacerlo, qué pensar, cómo actuar, etc.? No lo creo. Tenemos la sabiduría de la historia e historiadores, pensadores, literatos, poetas al alcance de nuestras manos y muchas veces, la mayoría de las veces, no queremos estirar el brazo para hacerla nuestra. Nadie tiene el poder de prohibirnos el conocimiento, y conste que no hablo de escuelas o un sistema de educación, hablo de un libro. La sencillez de un libro. Nosotros somos los únicos que nos prohibimos el placer y negamos la necesidad; nos mantenemos en nuestro cómodo sillón de mediocridad mental, en donde los lujos de la tecnología nos mantienen en dicho status quo. Ejemplo de ello está en el escuchar a los estudiantes universitarios confesar, con harto orgullo, la "hueva de la lectura" y que ellos estudian tal o cual carrera para no leer. Ilusos. Por ese lado, creo que los de arriba no tienen nada que temer, habrá personas que por iniciativa propia se autocensuren y prohiban el goce de la lectura y la creación (o motivación) de tener una mentalidad individual, original. Pero bueno... Agradezco a Voltaire por la provocación y la invitación; por haberme llamado la atención cuando, al caminar entre los escuetos estantes de la biblioteca, saltó su volumen a la vista de entre todos los demás.

El extracto lo he sacado de aquí: Voltaire. Cuentos completos en prosa y verso. Fondo de Cultura Económico.

Albert en la página 305

2011-10-11T13:21:00.000-07:00

Vivo con un hombre que ama los libros, ya saben, esos objetos que cuando se usan apropiadamente -y esto no incluye la nivelación de televisores o mesas- llegan a construir y edificar personalidades, carácter, opiniones y una educación que en ningún otro lado será posible recibir. Mi marido, pues, puede llegar a ser un adquisidor compulsivo en veces, lo cual no condeno, pues gracias a dichas adquisiciones luego encuentro por toda la casa, regados como polvo de hadas, a libros y autores a los cuales, de otra manera, jamás les hubiera prestado la debida y necesaria atención. Así me llegó a pasar con Philip Roth, Bretón, Bataille, Orwell. El último que ha terminado por rascarme la curiosidad ha sido Camus y El hombre rebelde, texto que voy leyendo poco a poco, pues luego soy medio lenta (o bruta) para digerir ciertas cosas, cuestiones, aspectos, etc. Es un estudio bastante extenso sobre el hombre, la humanidad, la sociedad y la rebeldía, claro. Pero yo me he ido, debido a mi interés sobre el tema artístico y la sociedad -el tema del arte comprometido, arte utilitario, etc., es un tema enormemente interesante, a mi parecer-, y debido un poco a la falta de paciencia para recorrer más de la mitad del libro para llegar a él, me he ido sobre el tema del arte y la rebeldía; he leído esto en uno de sus apartados y me ha gustado mucho, por lo que quiero compartir:

No basta con vivir, hace falta un destino, y sin esperar la muerte. Es, pues, justo decir que el hombre tiene la idea de un mundo mejor que éste. Pero mejor no quiere decir entonces diferente, mejor quiere decir unificado. Esta fiebre que levanta el corazón por encima de un mundo disperso, del que, sin embargo, no puede desprenderse, es la fiebre de la unidad. No desemboca en una mediocre evasión, sino en la reivindicación más obstinada.

Así pues, sin más ni más... sólo buscaba una excusa para escribir y Camus me la proporcionó. Yo también tengo la idea de un mundo mejor, por lo cual me he sentido unida a una mente que hace años dejó de ser, pero que continua existiendo. A qué tanto quiere llegar con el concepto de unificación, no lo sé... pero la idea, en su sentido más sencillo, enajenado de todo, me parece maravilloso.

Es lunes...

2011-10-03T09:08:00.000-07:00

Es lunes por la mañana (9:44am para ser exactos) y doy una re-leída a El Túnel de Ernesto Sábato (o Sabato, lo veo diferente en diferentes lugares). No es precisamente una novela con la cual desearía iniciar la semana; ya los lunes son lo suficientemente malos como para echarse semejante cantidad de pesimismo, sandeces y estupideces sobre los hombros. Es el tipo de novelas que fácil y felizmente me aviento bebiendo una estúpida cantidad de café y fumándome un par de cigarrillos, pero esos días ya han quedado atrás, muy detrás de mí; no me queda de otra más que aguantármela así. Terminando esta, creo que leeré El extranjero de Camus. Nomás para sentirme mejor.

... pensando sobre Radiohead

2011-09-29T13:42:00.000-07:00

La primera vez que escuché OK Computer tenía alrededor de 12, 13 años y fue ‘Karma Police’. No entendía muy bien lo que Yorke cantaba, pero la música… la música, el feeling… había algo ahí que me hacía sentir cosas que jamás había sentido, me hacía pensar cosas que jamás había pensado. En mi pequeño mundo de cuasi-adolescente, experimentando por primera vez el sentimiento de otredad, la vida parecía ser solamente de una manera, y he aquí que en cuatro minutos, una melodía me abría un panorama vasto e ilimitado. Todo a mí alrededor, llámese la plasticidad de compañeros preparatorianos con los cuales compartía obligatoriamente mi tiempo, llámese personas que se hacían llamar amigos, llámese el entrar en términos con uno mismo y acostumbrarse a los cambios físicos, ideológicos –si es que a esa edad se tiene ideología alguna, o comenzando por el simple hecho de saber lo que era una ideología-, en fin… una serie de cosas; todo aquello quedaba opacado por un pedazo de música. Fue la primera vez (mi primera vez) que descubrí que podía perderme de esa manera. “For a minute there, I lost myself” me cantaba al oído. Pero no me perdí solamente por un minuto, sino ya de por vida. Me encontré a mí misma en la música y ya nunca me he vuelto a perder. Así que Radiohead se convirtió en mi coming-of-age-band… la música de mi evolución. Y así como me sucedió a mí, le sucedió a medio mundo. No me siento especial, ni original por ello, sino comunicada y relacionada con todo un universo de personas, de mentes, de ideales, lo cual se me hace algo increíblemente genial.

A partir de OK Computer, regresé a las bases, a Pablo Honey y The Bends, a re-escuchar piezas de música que ya había escuchado; canciones a las cuales había dado muecas y gestos, sonrisas y guiños, pero con las cuales no me había permitido perderme del todo. El debut realmente no es de mis discos favoritos, salvaría un par de canciones realmente, aunque una de ellas la desecharía por choteada. Tan choteada que aun hoy en día es la culpable de que ciertas películas terminen por ganar el Oscar en categorías como mejor soundtrack. En fin. Comenzar en el tercer peldaño del escalón y regresar al inicio, me permitía una perspectiva un tanto diferente de lo que fue el origen de una de las bandas más importantes de los últimos 20 años (digan lo que me digan). O, mejor, creo que debo rectificar… la banda más importante de los últimos 20 años. Escuchar su música no era una mera actividad de escuchar por escuchar, sino de experimentar, de contemplar; de escuchar y asimilarlo todo, reflexionar y reinterpretar los sonidos y la letra, las voces y los ambientes. Supongo que esto fue algo parecido a lo que sucedió con los Beatles y discos como el Sgt. Pepper's... Ya no eran meros discos de música que uno ponía por evitar el silencio, sino obras artísticas a las cuales uno recurría en momentos de necesidad, de gran vorágine creativa y reflexiva; en momentos en los cuales uno quería permanecer a solas con sus propias ideas, en ese estado de perfecta comunión entre el ser y el estar. Kid-A y Amnesiac representan esa necesidad de inmersión. Inmersión en una manera de crear sonidos dentro de una paradoja, en la cual, a través de la organicidad de los instrumentos y la, aparente, plasticidad de lo electrónico, se creaban ambientes o estados que entraban en completa comunión con el ánima… ¿qué otra manera hay describir lo que, canciones como ‘How To Disappear Completely’, quieren decir? “That there, that’s not me. I go where I please, I walk through walls”. O el ahogado jazz que proporciona ‘Pyramid Song’, y digo ahogado por esa sensación computarizada que se contrapone con la batería y el piano. Y así podría nombrar y nombrar ejemplos, pero para qué. Qué mejor que escuchen los discos de primera mano. Pero no es solamente el “qué me hace sentir” o “lo que me ayuda a descubrir de mí persona”, sino lo que también aprendo, con lo que lo relaciono y las cosas que descubro de todo ello. Eso que imprimen en las cajitas de plástico “La música es cultura”, sé que todos lo leen, pero nadie lo cree, o al menos somos pocos los que lo creemos de corazón. En literatura aprendemos que una obra tiene detrás de sí una enorme tradición literaria sobre la cual se construye y de la cual no puede escindirse. Esto es una verdad que se aplica también a la música; no solamente en un nivel musical, sino literario, cinematográfico, artístico en general. La música no sólo habla de música, sino de la vida y todos sus agregados. Escuchen el Hail To The Thief y quien haya leído a Orwell me dará la razón, y es que la referencia está más que obvia… ‘2+2=5’: “Are you such a dreamer, to put the world to rights? I’ll stay home forever, where two and two, always makes a five […] It’s the devil’s way now, there is no way out. You can scream and you can shout. It is too late now because you haven’t been paying attention”. Prácticamente un resumen de 1984. Escalofriante y fascinante al mismo tiempo.

Radiohead ha redefinido no solamente vidas –que se escucha cursi y mamón al mismo tiempo, pero digámoslo así nomás por decirlo-, sino que ha definido a toda una industria que cayó en el hoyo del consumismo, la publicidad y la mercadotecnia, de la moda, de lo naïf, incluso, en un sentido de ingenuidad y desprendimiento que al escucha lo quiere evadir de toda sensación. In Rainbows fue en contra de toda esa cultura de fatalidad consumista cuando decidieron dejarlo al precio que la gente quisiera. Ahora sí que por amor al arte, lo cual terminó de flecharme el corazón. A parte de que se volvió a solidificar como una de las bandas más innovadoras creativamente y musicalmente, con una propuesta totalmente original, fue un parte-aguas dentro de la historia de la industria. Y de ahí p’al real. Podría seguir vertiendo mis tripas y mi corazón en el tema, pero nunca terminaría. Mejor lo dejo y los dejo con la esperanza de que corran a poner algún álbum de mí banda favorita (y la favorita de muchos otros)… yo por lo pronto termino escuchando ‘Life In a Glass House’ del Amnesiac.

(chueco)

2011-09-22T13:31:00.000-07:00

Vámonos chueco, desde que cuelgo la camisa en un techo desigual. Los ganchos no enganchan y los hilos no hilan... las ideas quedan sueltas, por ahí, en el aire, mezclándose con el oxígeno, con el carbono; contaminándolo todo, todo aquello que puro alguna vez fue, y ahora, en esa invisible nube de negruzco vapor colgamos todo, nos colgamos todos, como en un principio quedó colgada aquella camisa... una camisa, colgada de un techo torcido, empañando el ambiente del color tan brillante que alguna vez tuvo.

Digresiones a las 4 de la mañana.

2011-09-21T08:09:00.000-07:00

Es madrugada de argentinos… A las cuatro de la mañana Gustavo Cerati resuena con todo su esplendor en mis audífonos mientras leo El túnel de Ernesto Sábato. Todo comenzó hace ya más de media hora, mientras acostada, entre la fogosa penumbra, salió del caótico shuffle del iPod ‘Cosas Imposibles’, y sumándolo al hecho de ya no tener sueño, decidí continuar leyendo acompañada de Bocanada. La combinación no está nada mal, la verdad. Aunque imágenes de bebés plastificados bailando sobre incubadoras saltan a la mente de vez en cuando, cosa que no tiene nada que ver con mi embarazo, eso sería ya un poco patológico. Y sí, al mismo tiempo escribo… soy una calificada multi-tasker con concentración dispersa pero bien enfocada.

(esta es la razón de los bebés plastificados)

St. Vincent en la madrugada

2011-09-13T07:36:00.000-07:00

A la 1:48 de la mañana, siendo un martes cualquiera, me encuentro despierta y cansada, solamente deseando poder dormir; sin embargo, al parecer, los martes son días en que los deseos no se hacen realidad, así que me resigno, como muchas noches anteriores, a pasar desvelo y cargar con ello horas más tarde, mientras escucho clases, mientras tomo apuntes, mientras intento razonar el último pedazo de poesía española. Al menos tengo compañía, el pequeño bebé que cargo dentro de mi está despierto también, y al parecer muy entretenido, moviéndose y estirándose a sus anchas, quitándole el aire a mamá. En fin, trato de concentrarme en otra cosa, como en el juego de solitario que he dejado a medias para escribir, o concentrarme en la voz de St. Vincent, de quien he obtenido su último disco Strange Mercy y del cual hablaré justo en estos momentos, nada más por tener algo que hacer… digo, algo más que jugar solitario, lo cual encuentro verdaderamente desesperante.

Strange Mercy es el tercer álbum de esta belleza (diosa) de mujer, por quien me aflora un ligero amor lésbico, debido a la inmensa admiración que me causa, mezclado enfermizamente con un pequeño porcentaje de envidia por semejante talento. Ya ven, aquellos que no podemos crear música, la escuchamos, la contemplamos, la veneramos y en sus deliciosas notas nos llenamos de placer. Hace dos años que este mismo sentimiento afloró en mi al escuchar Actor (2009), su segundo álbum; y dos años antes que eso fue exactamente la misma sensación con Marry Me (2007), mezclado con la peculiar extrañeza de escuchar su violenta manera de enfrentar una canción… la amé. Tras escuchar Strange Mercy, me he visto en la necesidad de regresar al pasado y comparar, notar el crecimiento o la evolución, si es que alguna hubo (sí, sí la hubo); los sonidos, la letra, los colores que proyecta, etc. Y vaya, no pienso describir diferencia por diferencia, los aburriría, me aburriría a mí misma. Es un claro crecimiento en un abanico de cuatro, cinco años; mientras que en Marry Me se percibe una ligera inocencia o ingenuidad, en Strange Mercy es palpable una cruda honestidad sobre su propio crecimiento, sobre la vida, sobre el tedio y el ocio, sobre el querer sobresalir y ser algo, alguien más. Ejemplo de esto último podrían ser “Cruel”, “Cheerleader”, o “Year of The Tiger”, la cual me recordó a la ya temática y arquetípica “Eye of the Tiger”. Las canciones están cargadas de energía, de guitarrazos estridentes, cargados de fuzz, violentos incluso, cuyos orígenes han sido descritos por ella misma como productos del feeling del momento, de lo que la canción pide para sí y no tanto de la técnica. Estos ambientes creados a lo largo del álbum me hace recordar en veces una versión temprana de Björk, quizá algo entre el Homogenic y Post (aunque por supuesto que no comparo a una con la otra, son dos voces, dos estilos, dos personajes muy diferentes). El álbum es de una crudeza pegajosa que jamás llega a esos niveles de bizarra creación musical a los cuales llega Björk; St. Vincent oscila más entre el pop y el rock, coqueteando en un nivel muy menor con aspectos electrónicos. El resultado es un disco rebosante de ritmo, de perfectas armonías, de paradojas entre la dulce y engañosa voz de Annie Clark y la brutalidad con la cual toca la guitarra, paradojas entre la letra, a veces cargada de fuerza, y la aparente melodía despreocupada con la cual contrasta, o viceversa, como en “Hysterical Strength”, la penúltima pieza del álbum.

Bien dicen que la tercera es la vencida, pero cuando se tienen tres magníficos discos, colaboraciones a diestra y siniestra, no creo que aplique el dicho. Ese número tres no es un limitante, sino una señal, o mejor, una promesa de que las creaciones musicales de esta mujer no se harán esperar, su talento no terminará desechado por las alcantarillas y de que seguiremos disfrutando de sus canciones por mucho tiempo. Pero mientras esos tiempos venideros llegan, termino de escuchar su discografía y deleitándome con su voz, quizá en espera de que algún día llegase yo a tocar y cantar como ella (Ja)… está bien, esta vez sólo me pierdo en la fantasía, lo que realmente deseo ya, es dormir.

Inicio y fin de un viaje natural.

2011-09-02T12:14:00.000-07:00

Leyendo sobre asuntos escolares, me distraje por las hipnóticas melodías: oscuras, trágicas, melancólicas, ridículas, divertidas, sensuales, soberbias, legendarias… la concentración simplemente ya no se dio, y mi interés migró de un punto a otro totalmente diferente. Dejé mi cuerpo, ahí sentado frente al escritorio, frente al caótico desparrame de hojas cuyo contenido teórico comenzaba a adormecer mis sentidos; lo dejé inerte, tranquilo, con la mirada perdida en la grisácea pared torpemente iluminada. Ahí me dejé atrás y continué, al mismo tiempo, no en cuerpo, pero en esencia, en ser, hacia otro lado, liderada por el más inusual de los líderes; mas quién soy yo para negar semejante viaje, provocado por la más exquisita de las drogas (y aún bastante legal), por el mejor de los vicios, aquel que se presta a ser utilizado en toda su exagerada amplitud o en el más estoico de los gustos… viaje ininterrumpido, ilimitado, ilusionado, soñador, ridículo, estúpido, ocioso, agradable. Sin topar con el techo me atrevo a brincar en un mundo desproporcionado de gravedad alguna; y con esa misma ligereza con la cual he podido abandonarme al olvido del mundo, de la humanidad, de mí misma, con esa misa ligereza me enfrento ante la blancura que siempre me acecha, me intimida, me incomoda, me hace daño, me bloquea, me enfurece. Oscilando la mirada entre la grisácea pared y ese blanco pedazo de espacio que tanto acongoja la inspiración, escribo sin pensar y pienso en lo que escucho, pues este es el único camino que parece continuar hacia puerto seguro contra la indiferencia que esa blancura me provoca. Rasgueando fuera de tono, bajo el cielo del oeste, despojado de nube alguna, sigo este camino de terracería mental que me impide pues trabajar, una vez que aquel ilimitado viaje se vio violentamente obligado a finalizar. Y nuevamente me enfrento a la blanquecina franqueza del espacio irreal que frente a mi amenaza la vista jovial que comienza a fallar.

Es solo diálogo... (2)

2011-08-29T08:19:00.000-07:00

El inicio de Blade Runner (Ridley Scott, 1982) es uno de los mejores inicios de película que he visto; corriendo en escasos minutos, se presenta una pequeña conversación/interrogatorio cargado de tensión y nerviosismo entre un detective y un replicante (un androide, robot-humano, como quieran verlo, loco, psicópata, peligroso). Envueltos ambos personajes en ese ambiente de cine negro, oscuro, lleno de humo, miradas luminosas, misteriosas, mentirosas. Por ese encanto que tiene los primeros momentos de la película, tras la introducción sonora de la soberbia creación de Vangelis, tuve que transcribir la escena, play/pausa cada determinado número de palabras. So... aquí va:

(Knock, knock)

Mr. Holden: Come In. Sit down.

Leon: Care if I talk? I kinda get nervous when I take tests.

Mr. Holden: Just please don’t move.

Leon: Oh, sorry. I already had an IQ test. I don’t think I’ve ever had one of these.

Mr. Holden: Reaction time is a factor, so pay attention. Now answer as quickly as you can.

Leon: Sure.

Mr. Holden: 1187 at Hunterwasser.

Leon: That’s the hotel.

Mr. Holden: What?

Leon: Where I live.

Mr. Holden: Nice place?

Leon: Yeah, sure, I guess. Is that part of the test?

Mr. Holden: No, just warming up, that’s all.

Leon: Huh, It’s not fancy or anything…

Mr. Holden: You’re in a dessert, walking along in the sand, when all of the sudden…

Leon: Is this the test now?

Mr. Holden: Yes. You’re in a desert, walking along in the sand, when all of the sudden you look down…

Leon: What one?

Mr. Holden: What?

Leon: What desert?

Mr. Holden: Doesn’t make any difference. It’s completely hypothetical.

Leon: But how come I’d be there?

Mr. Holden: Maybe you’re fed up. Maybe you wanna be by yourself. Who knows? You look down you see a tortoise; it’s crawling towards you…

Leon: Tortoise? What’s that?

Mr. Holden: You know what a turtle is?

Leon: Of course.

Mr. Holden: Same thing.

Leon: I’ve never seen a turtle. But I understand what you mean.

Mr. Holden: You reach down, you flip the tortoise over its back…

Leon: Do you make up these questions Mr. Holden? Or do they write them down for you?

Mr. Holden: The tortoise lays on its back, its belly baking in the hot sun, beating its legs, trying to turn itself over, but it can’t. Not without your help. But you’re not helping.

Leon: What do you mean I’m not helping?

Mr. Holden: I mean you’re not helping. Why is that, Leon? They’re just questions, Leon. In answer to your query, they’re written down for me. It’s a test designed to provoke an emotional response. Shall we continue?

Leon: (nods affirming).

Mr. Holden: Describe in single words only the good things that come into your mind about your mother.

Leon: My mother?

Mr. Holden: Yeah.

Leon: Let me tell you about my mother…

El bello regreso de Beirut con The Rip Tide

2011-08-08T12:57:00.000-07:00

Este domingo a las ocho con tres minutos de la AM, tras desayunarme un peanut-butter-jelly-sandwich y un vasote de leche con chocomilk –como toda buena niña-, me dispuse a terminar mi tarea –como toda buena niña-, pero me valió madre y terminé escuchando a Beirut con su nuevo álbum The Rip Tide… y aún lo escucho. Beirut es una agrupación que siempre se escucha bien; muy coherente, cohesiva, armoniosa. Quizá tenga que ver con su propuesta musical, quizá con la clase de instrumentos que utiliza, pues no son instrumentos que uno generalmente vea en bandas de corte independiente folk-pop (aunque no quisiera realmente usar el término pop, ya en estos días es un poco peligroso utilizarlo pues puede que quede perdido entre malas miradas; es un género que ha perdido reputación, al menos para mí). Su sección de instrumentos de viento (trompetas, tubas y tal), la utilización de acordeones, etc., termina matizando de tal manera las canciones que uno se hipnotiza en el ambiente. En la música mexicana –la tradicional música mexicana, como el mariachi- es usual y muy común toparnos seguido con estos instrumentos, ya estamos acostumbrados a su sonido, al sentimiento que transmiten y al ambiente que crean, así que verlos trasladados a otro contexto musical y cultural resulta una sorpresa muy grata y agradable.

March of the Zapotec & The Realpeople Holland fue su álbum anterior, y todo esto que he dicho se escucha desde que transcurre el primer segundo de la primera canción, la cual es sólo un intro, pero una vez entrando al álbum, con el segundo track “La llorona”, es entrar a territorio conocido. La banda viajó a México para la realización de March of the Zapotec, se instaló en México y se llenó de los sonidos y los ambientes tradicionales del país para su disco; el resultado, pura excelencia. La marcha del zapoteca es un álbum verdaderamente bellísimo y adictivo. Ya con The Rip Tide, Beirut regresa nuevamente a su sonido, ese tan particular que descubrimos con Gulag Orkestar. En el regresar un poco a sus raíces, lograron crear magia nuevamente. Esta es una banda que no se ha perdido en el camino, no se ha vendido, ni se ha dejado corromper por la industria, algo verdaderamente bueno para la gente sencilla como uno que no gusta del mainstream musical de la actualidad.

The Rip Tide es un álbum corto, apenas 9 canciones, sobrepasando ligeramente la media hora, pero ya ven eso que dicen, a veces las mejores cosas vienen en porciones pequeñas, pues he aquí la verdad de ello. Es un álbum que crece conforme transcurren las canciones y se mantiene sólido; no tiene, a mi parecer, puntos bajos, o momentos en los cuales se cae, como en una historia. Logra mantener el interés en todo momento; se aferra a él y a uno con las uñas clavadas en el oído. Es alegre y optimista, como en “Santa Fe”; en momentos es melancólico y poético, como una confesión declarada bajo el aliento, en el caso de “Goshen” o “The Peacock”. Un polifacético abanico de ambientes y emociones, en el cual uno inevitablemente se pierde; en menos de lo que uno se imagina, “Port of Call”, el último corte del disco, termina despidiéndonos del sonido beirutiano. Definitivamente un álbum para el verano, para escucharse de día o de noche y dejarse hipnotizar por él.

Es sólo diálogo...

2011-07-19T20:17:00.000-07:00

Porque no tengo nada mejor que hacer -ya leí, dibujé un rato, vi el techo y mantuve una conversación conmigos misma durante unos minutos-, he transcrito toda una escena de una de mis películas favoritas, obra de los genialísimos hermanos Coen. The Big Lebowski (1998), es una película buenísima de esas como las que pocas veces se encuentran ya dentro de Hollywood, pero claro, es de los Coen. Es una comedia que realmente nos hacen reír y eventualmente terminar recordando y citando el diálogo. Y es que tocando el tema del diálogo, es tan natural, tan fluido, tan espontáneo, estúpido e irreverente. La película es una historia de enredos comenzando por dos personajes bajo el mismo nombre: Jeffrey Lebowski. El primer Jeff Lebowski (Jeff Bridges) es un pensionado veterano de guerra que pasa sus días bebiendo rusos blancos, fumando mota y jugando bolos; se hace llamar y responde sólo al nombre de The Dude. El segundo es un millonario parapléjico, de edad avanzada, cuya esposa ninfómana es perseguida por deberle dinero a un magnate de la industria fílmica porno. Los achichincles del magnate mandan cobrar dichas deudas y terminan confundiendo a The Dude (el primer Lebowski) con el millonario Lebowski. Y como dicen... de ahí pa'l real; la historia se desenvuelve con toda fineza y naturalidad colina abajo con una lista de ridículos y caricaturescos personajes interpretados a la perfección.

Esta escena sucede justo tras la parte introductoria de la película, en la cual los achichincles del pornógrafo confunden a The Dude con el millonario y terminan orinándose en su carpeta persa. ... ... ...

Walter: This was a valued rug. This was a…

Dude: Yeah, man, it really tied the room together.

Walter: This was a valued, uh…

Dude: Yeah.

Donny: What tied the room together, Dude?

Dude: My rug.

Walter: Where you listening to the Dude’s story, Donny? Where you listening to the Dude’s story?

Donny: I was bowling.

Walter: So you have no frame of reference here, Donny. You’re like a child that wanders into the middle of a movie…

Dude: Oh, Walter. What’s the point?

Walter: There’s no reason… Here’s my point, Dude. There’s no fuckin’ reason...

Donny: Yeah Walter, what’s your point?

Walter: What?

Dude: Listen, what is the poi… Look, we all know who is at fault here. What the fuck are you talking about?

Walter: Huh? No, what the fuck are you… I’m not… We’re talking about unchecked aggression here.

Donny: What the fuck is he talking about?

Dude: My rug.

Walter: Forget it Donny, you’re out of your element!

Dude: Walter, the Chinaman who peed on my rug. I can’t go give him a bill! So what the fuck are you talking about?

Walter: What the fuck are you talking about? The Chinaman is not the issue here, Dude! I’m talking about drawing a line in the sand, Dude. Across this line, you do not… Also, Dude, “Chinaman” is not the preferred nomenclature. “Asian-American”, please.

Dude: Walter, this isn’t a guy who built the railroads here. This is a guy…

Walter: What the fuck are you ta…?

Dude: Walter, he peed on my rug.

Donny: He peed on the Dude’s rug.

Walter: Donny, you’re out of your element! The Chinaman is not the issue here.

Dude: So, who…?

Walter: Jeff Lebowski. The other Jeffrey Lebowski. The millionare.

Dude: That’s fucking interesting man. That’s fucking interesting.

Walter: Plus, he has the wealth, obviously, and the resources, so that there is no reason, there’s no fucking reason why his wife should go out and owe money all over town, and then they come and they pee on your fucking rug! Am I wrong?

Dude: No.

Walter: Am I wrong?

Dude: Yeah, but…

Walter: Ok then. That rug really tied the room together, did it not?

Dude: Fuckin’ A.

Donny: And this guy peed on it.

Walter: Donny, please.

Dude: You know, this is the fucking guy… I could find this fucking Lebowski guy.

Donny: His name is Lebowski? That’s your name, Dude.

Dude: This is the guy who should compensate me for the fucking rug. His wife goes out and owes money all over town and they pee on my rug?

Walter: They peed on your fucking rug.

Dude: Peed on my fucking rug.

Walter: That’s right, Dude. They peed on your fucking rug.

Aquí el video. Ahora me voy, seguiré viendo el techo y conversando con me, myself and I.

Confesiones conspiranóicas

2011-07-12T13:34:00.000-07:00

Me he fijado que, debido a mi ya acrecentada pancita debido al embarazo, la gente se me queda viendo de una manera muy peculiar. No son miradas de ternura, de “mira qué bella mommy-to-be”, ni miradas de congratulación, sino miradas prejuiciosas, chismosas, curiosas. Son miradas de incredulidad y desaprobación (la mayoría de ellas). Para lo que me importa; no podría importarme menos, realmente desecho las miradas y lo único que en mi provocan es risa. Risa porque está claro que la gente no puede dejar de proyectar sus propios traumas hacia los demás, porque está claro que pensemos cuanto queramos sobre cómo esta sociedad ha avanzado hacia una equidad en los sexos, sigue siendo una sociedad misógina (y hago notar que NO soy feminista, de hecho, tanto el machismo como el feminismo me cae mal, mal, muy mal… los excesos jamás han traído nada bueno), lamentablemente. Platicando sobre mis teorías a mi esposo, él llega a la conclusión de que, la razón por la cual recibo tan peculiares miradas de la ajenidad es porque parezco una adolescente de 16/17 años (genes, mis padres son traga-años… gracias Papá y Mamá) y es que mi esposo también parece un muchachillo mocoso (la greña larga y los converse ayudan mucho en eso); así que henos ahí, una pareja de adolescentes que ha caído a la tentación de tentaciones, probando, según ellos, el dulce fruto que sólo está reservado para los verdaderos cónyuges. ¡Oh, gente de mente cerrada! Algún día llegaremos a la madurez mental en donde todos aprenderemos a ver más allá de nosotros mismos, más allá de nuestras envidias y psico-traumas. Mientras tanto, seguiré divirtiéndome al recolectar dichas miradas, pues en verdad, a quién no le gusta tener un público.

Cosas del verano #2: leyendo a Rabelais

2011-07-03T12:12:00.000-07:00

Good Sunday my lovely bloggers! Entro por el dolor de separación que el no tener acceso a internet me causa; entro porque extraño este mundo, porque extraño teclear y ver cómo aparecen las cosas que tecleo sobre el blog. Entro nomás porque quiero... y también, en vista de que esta vez que entro no tengo nada interesante que decir (o qué pensar), les comparto un poco de lo que estoy leyendo en la página 109 de Gargantúa y Pantagruel de Francois Rabelais... un clásico que jamás había leído hasta apenas ahora y el cual me está gustando... al menos no paro de reír. Espero que con esto les pique un poco la espina y les entre ganas de leerlo, si es que, como yo, tampoco lo habían hecho.

"... y trascoladas cerca de los nervios ópticos, en lo que estaban representados Demócrito heraclitizando y Heráclito democritizando.

Cuando se hubieron calmado las risas, Gargantúa consultó con sus gentes sobre lo que convenía hacer. Ponócrates opinó que se hiciera beber otra vez al elocuente orador y que, en vista de que les había dado tanto solaz y hecho reír más de lo que habría podido hacerles reír Songecreux, le entregaran los diez palmos de salchichas mencionados en la jocosa arenga, junto con un par de calzas, trescientos leños para el hogar, veinticinco moyos de vino, un lecho con tres colchones de pluma de ánsar y una escudilla muy honda, cosas que él decía necesarias para su vejez.

Todo fue hecho tal como había sido acordado, sólo que Gargantúa, dudande de si se encontrarían en aquel momento calzas cómodas para sus piernas, y preguntándose también de qué forma le sentaría mejor al orador, si a la martingala, que tienen un puente levadizo sobre el culo, para poder defecar cómodamente, o a la marinera, para mejor abrigar los riñones, o a la moda suiza, con muchos adornos para llevar caliente el trasero o en forma de cola de bacalao, por si tenía miedo de calentar la región renal, hizo que le dieran siete varas de paño negro y tres de la na blanca para forros. La leña fue llevada po rlos ganapanes; los doctores en artes llevaron las salchichas y las escudillas. Maese Janoto quiso llevar el paño.

Uno de dichos profesores, llamado maese José Baudouille, le demostró que eso no era decoroso ni conveniente para el estado teologal, y que era mejor que lo entregara a alguno de ellos.

-¡Ah -exclamó Janoto-, grandísimo borrico!, no concluyes in modo et figura. He aquí para qué sirven las proposiciones de Parva logicalia. Pannus pro quo supponit?

-Confuse -respondió Baudouille- et distributive.

-No te pregunto, asno -replicó Janoto-, quo modo supponit, sino pro quo. Es decir, asno, pro tibis meis, y por eso lo llevaré egomet, sicut suppositum portat adpositium."

(Fin de la página 109).

Esta suma pues una más de mis lecturas de verano y ha resultado ser una muy buena, entretenida y educativa. Y entre esta lectura también me saborié El banquete de Platón como side-dish.

Cosas del verano

2011-06-27T09:41:00.000-07:00

Lo bello y lo odioso. Jamás he logrado llevarme bien con las vacaciones. Tanto tiempo libre no puede ser bueno, al menos no para mí. Pero, debido a los tiempos, la escasez de dinero, la incertidumbre de lo que sucederá cada vez que uno sale a la calle, el estúpido calor y un carro sin A/C (tan burguesita que soy), y con mi pequeño Iker creciendo a pasos agigantados dentro de mí –lo cual me tiene rete contenta, eso sí que no lo puedo negar-, qué mejor que pasarla en los confines del santuario, es decir, de mi hogar; gustosa prisionera de blancos muros reflejando una delicia de aire que jamás funcionó mejor. El librero rebosante de dvds (hasta vhs’s), discos y libros al por mayor, toda una feria de entretenimiento y situaciones que me alienan de la realidad. Me he leído ya dos libros y el tercero no tardo en terminarlo, aunque debo admitir que dos de tres han sido re-lecturas, y entre cada una de ellas logro introducir algún cuento corto de procedencia japonesa. El primero de los cuales no tardé ni tres horas en leer: La tumba de José Agustín. Recuerdo haber leído esta pequeña novela a una tiernísima edad y sentirme arrojada a una interminable espiral que me atrajo y sedujo; y ya que la he leído nuevamente, fue como reencontrarme a mí misma en un amigo antiguo, sólo que ahora sí logro distinguir la mierda de edición que tengo, por lo que he hecho una anotación mental de conseguir una edición más digna de mí y de mi colección literaria. El segundo libro, el cual aun no termino de re-leer, lo he abierto tan sólo para satisfacer mis necesidades más geek-is y acordarme de dos-que-tres cosas que necesitaré antes de poco tiempo: Harry Potter & The Deathly Hallows de J.K. Rowling. Así es, yo soy una de esas potterianas que mandó apartar su copia a Barnes & Noble y leyó en dos días la novela… 758 páginas me mantuvieron en casa leyendo sin cesar. Cuando descubrí las novelas leí las primeras cuatro entregas en un par de semanas. Me dormía hasta pasadas las tres de la mañana y cuando despertaba lo primero que hacía era continuar la lectura. Tras el duchazo continuaba leyendo envuelta en toallas, no podía esperar a vestirme para saber qué sucedería. Así como muchos, la historia me convirtió en una niña inmediatamente y me satisfizo en todo aspecto –y la verdad es que no me apena en lo más mínimo decirlo-. Así que ahora, en vísperas de la última entrega de la saga, debo tener todos mis datos frescos para poder contestarle a mi querido esposo cualquier pregunta que me dirija durante la película, aprovechando que no seré la única nerd platicando durante el transcurso de esta. El tercer libro leído –y leído por primera vez- fue Engaño de Philip Roth, el cual me entretuvo por lo que duró. Aspectos de la novela se me hicieron interesantes como el hecho de que no hay narrador, tan sólo dos amantes conversando, en donde uno de ellos es un escritor judío americano llamado Philip, quien se inspira de sus conversaciones con mujeres para escribir su novela. No sé, se me hizo demasiado fácil y me exasperó un poco. Aun así, lectura disfrutada y una menos para la estadística. Son las vacaciones y como las lecturas no son obligadas, las disfruto más. Leo a placer, lo que mi cabeza me pida y mi espalda aguante, lo cual resulta en horas perdidas entre frases y oraciones y mundos que jamás serán los míos. Tengo cinco largas semanas de ocio por delante y ando en busca de cosas que leer, aunque sobre mi escritorio descansan un par de libros que quizá pasen a ser lecturas veraniegas, y cuyos títulos no revelaré para evitar salarlos, ya saben, que termine evadiendo completamente. En Sangron’s vi un par que definitivamente quisiera tener, pero mis bolsillos no podrían soportar el gasto, al menos no por ahora, así que la antología de cuentos de Reyes deberá esperar un poco más y Godot tendrá que seguir esperando –Sangrons lo tiene descontinuado y en la infinidad de librerías de la ciudad no lo encuentro… ah querido Beckett-. Por lo pronto, me despido, terminé de leer a Agustín hace unos cuarenta minutos y ahora dedicaré a despejar la cabeza con alguna pendejada de programación televisiva. Clic, clic, clic…

Nota: desde que escribí este mini blog hasta hoy que lo puedo subir propiamente, terminé de leer a Potter (odio no tener internet).

Hitchcock revisitado por Polanski

2011-06-09T07:53:00.000-07:00

(Perdón por la calidad de la imagen)

Cómo me encanta un buen thriller. Nada como tener la manga entre los dientes, analizando cada aspecto de la historia, tratando de leer los indicios y razonar lo que está por venir. Nada como dejarse sorprender. Hitchcock era el amo de los thrillers y hay muchos que han intentado seguir esa escuela, algunos con éxito, otros muchos con fracasos y he aquí el intento de Polanski. El escritor fantasma (Ghost Writer, 2010), está basada en la novela The Ghost, del escritor británico Robert Harris, quien colaboraba ya con Polanski en el guión de una película que jamás se hizo, sin embargo, Polanski se interesó por su recién publicada novela y comenzaron con el guión. Harris, en una entrevista, confesó ser fan y admirador de Hitchcock y haber intentado trasladar esas atmósferas hitchcockianas a su novela. No era de esperarse que esas mismas atmósferas se trasladaran de la novela al guión y del guión a la película, lo cual fue una de las varias razones por las que me gustó tanto la película.

La historia sigue al fantasma (Ewan McGregor), un escritor que se gana la vida prestando sus dotes narrativas a personalidades que buscan publicar sus memorias. Así les llaman a quienes siguen este oficio. El fantasma, cuyo nombre se nos es omitido durante toda la película, es contratado por Adam Lang (Pierce Brosnan), ex primer ministro de Inglaterra después de que su anterior fantasma fue encontrado muerto (suicidio por alcohol). La publicación de las memorias de Lang se convierten en todo un evento, después de que el ex primer ministro se ve envuelto en una controversia cuando se descubre que cuatro ciudadanos británicos fueron entregados a la CIA para ser torturados bajo órdenes de Lang, por lo cual es convocado para ser juzgado por crímenes contra la humanidad en la corte internacional. El fantasma se ve envuelto por el escándalo: por un lado, los problemas de Lang, por el otro el supuesto suicidio de McAra, el cual lo lanza en una búsqueda de la verdad, ¿será cierto que se suicidó, o es que encontró algo que no debía? Parece ser una historia bastante sencilla, sin embargo, esta línea de acción desemboca en otras más que parecen no tener razón de ser: el triángulo amoroso entre Lang, Ruth, su esposa (interpretada por Olivia Williams) y el fantasma. El segundo triángulo entre Lang, Amelia (Kim Cattrall y su repugnante pseudo acento inglés), su asistente y Ruth. El contexto político de la película (es o no una historia sobre el ex primer ministro Tony Blair), las relaciones políticas de los estadounidenses con los británicos, la CIA, etc. Todas estas sub tramas se tejen entre sí hasta que explotan en un bastante memorable momento climático, desembocando por fin en un excelente final cinematográfico del cual no quiero escribir nada, pues arruinaría todo… sin exagerar, todo. Verdaderamente un final digno de Alfred, en donde el fantasma (McGregor) descubre por fin la verdad a lo cual escribe en un pedazo de papel que lo sabe todo. Así, en un shot cerrado, la cámara sigue el trayecto del papel que es pasado de mano en mano hasta llegar a su destino, tras el cual, después de ver la reacción del destinatario, el fantasma se diluye como si jamás hubiese estado ahí.

Deliberadamente o por error, Polanski logra evocar la esencia de Hitchcock, aunque aceptémoslo, directores como Roman no suelen cometer errores. Todo tiene su por qué y su para qué. Así que, si Harris confesó haberse basado en Hitchcock para su novela y termina siendo él quien, junto con Polanski escribe el guión de la película, la razón por la cual los ecos de las creaciones fílmicas de Alfred Hitchock se encuentran presentes a cada vuelta, no es mera coincidencia, y es que todos los elementos están presentes: asesinato, triángulos amorosos, intrigas, conspiraciones, verdades no dichas, finales inesperados y densos ambientes cargados de misterio… todo está presente. La historia se lleva a cabo, casi en su totalidad, en una isla a las afueras de Nueva York, en la cual Lang y compañía deben mantener el perfil bajo debido a las circunstancias. El score recuerda aquellos memorables de Bernard Herrmann en Vertigo, North by Northwest o Psycho; Alexandre Desplat, un más que excelente compositor, parece ser fan y conocedor de la creación de Herrmann y lo canaliza a la perfección. Por último, los personajes. Ewan McGregor es genial en su papel como fantasma; es cínico y sarcástico, y carga no sólo con el tono dramático de la película sino con el cómico; McGregor canaliza de alguna manera ese estilo tan singular que Alfred lograba sacar de íconos como Cary Grant o James Stewart. Quizá sea una combinación de los dos, aunque recuerda más que nada a Grant. Otro aspecto muy hitchockiano que no se puede pasar de largo, es que el fantasma no tiene nombre. Es, desde el inicio, un hombre sin identidad, sin voluntad. Un hombre que se ve atrapado bajo la sombra de Mike McAra, el antiguo escritor fantasma. Algo así como sucede con Rebecca de Hitchcock. La nueva dueña de Manderlay vive sin identidad propia, viviendo bajo la sombra de Rebecca, la esposa difunta de Maxim. La falta de nombre, para el buen observador y el buen razonador, podrá saltar como el mayor indicio de lo que la historia nos depara.

El escritor fantasma, según lo entiendo por lo poco que leí, pasó sin mucha pena ni mucha gloria, aunque eso se entiende, debido a que Polanski es persona non-grata en Estados Unidos, pero vaya, la antigua meca del cine ya no aporta el sello de calidad a las películas que realmente lo merecen, aunque realmente, a quién le importa. La película es deliciosa y sencilla, entretiene y mantiene a las mentes hiperactivas, amantes del misterio, ocupadas tratando de averiguar ese famoso “whodunit”. Es una película compleja, aunque sencilla dentro de esa complejidad y director no se detiene en llenarla de pequeños detalles que la complementan a manera de analogías para quienes, como meticulosos observadores que somos, nos complacemos en interpretar imágenes, discursos o el por qué en medio de una tormenta, el jardinero se empeña en recoger las hojas que el aire acarrea.

Gracias por los capuccinos descafeinados

2011-05-19T19:44:00.000-07:00

No tengo nada interesante que poner este día, tan sólo quiero escribir y ya con esto me preparo para ir a escribir un reporte un poco más tarde, cosas escolares, ya saben. Confieso: estoy muy agradecida por los capuccinos descafeinados del bas-Starbucks. So, gracias a los cielos por el baby-safe coffee que disfruto en estos momentos.

En mi cabeza una y otra y otra y otra vez

2011-05-04T07:55:00.000-07:00

Hace tiempo vi un video de una niña con su padre cantando 'Home' de Edward Sharpe & The Magnetic Zeroes y siendo la sensibilidad-andando que puedo llegar a ser, hasta lágrimas de ternura me sacaron. La canción se me quedó atascada en la cabeza sin saber de quién era, hasta hace poco que comencé a verla interminablemente en algún comercial por la tele. Tenía que tenerla... y ahora la tengo.

Esta canción me hace sentir tan bien y la tengo ahí, bien metida en la cabeza, tocando en un gran e intermiable loop (redundancias, redundancias).

I Am Very Far, el nuevo álbum de Okkervil River

2011-04-28T15:27:00.000-07:00

Ahorita, en este presente, mi presente –ya mañana pasado, en un sentido de pretérito perfecto- estoy escuchando lo nuevo de Okkervil River. Me gusta y apenas van dos canciones. Así que deberé esperar durante 9 piezas más para poder tener un juicio medio decente sobre lo que estoy escuchando… so far, so good.

40 minutos después:

Ya sé que si mi instinto se emociona cuando ve algo, es por algo. Bastante redundante, lo siento, pero desde que vi disponible I Am Very Far de Okkervil River para mi propio goce y deleite, me emocioné cual niña en juguetería, y la expectativa y la emoción no fueron en vano. Horas después de haberlo adquirido logro escucharlo por fin y me encanta, salvo un par de canciones que quizá no me llenaron tanto el oído, como ‘Lay of the Last Survivor’. Dentro del contexto musical, está rodeada de piezas muchísimo más sólidas y mejor estructuradas, pero una o dos canciones que desentonen con uno es una señal muy buena de un disco que promete mucho; tal vez no prometa mucho al mundo de la crítica, tal vez sí; tal vez no prometa mucho al sistema radiofónico capitalista, pero eso a quién chingados le importa, todos sabemos que en esta realidad, la de los melómanos enamorados de la buena música, la industria radiofónica vale madres. Así es que con toda convicción me atrevo a declarar que los Okkervil River, prometen y entregan un disco maravilloso, mejor aún que su muy buen álbum The Stand Ins del 2008.

Para empezar, abre con un par de canciones que enganchan; ‘The Valley’ y ‘Piratess’ se aferran al oído con férreas garras y no sueltan. La primera tan sólo necesita el rasgueo de tonos graves en una guitarra acústica acompañada de cascabeles y ya, estamos en sus garras. La segunda seduce con un bajo reminiscente del Billy Jean a la Jackson, ritmos disco y la voz que tanto recuerda a Robert Smith (muy buena combinación, en mi opinión). ‘We Need a Myth’, hacia la mitad del álbum, es una oda a la añoranza, al deseo, al sueño del retorno del mito en un sentido de “el pasado siempre ha sido mejor que el presente o incluso la visión del futuro”. Bellísima melodía en crescendo con un acompañamiento de cuerdas –sintes, a quién le importa- que lo deja a uno en ese high, en el punto más alto, rematando con ‘Mermaid’, una especie-balada-que-no-es-balada; tranquila, melancólica, como de escena de baile preparatoriano, de un ingenuo amor adolescente, enmarcado con trompetas siguiendo un tipo de vals improvisado. En ‘Your Past Life as a Blast’ escuché ecos de Simon & Garfunkel, lo cual me fascinó, siendo yo fan del dúo folkie de antaño. Y cuando un álbum es un buen álbum, así como abre, debe cerrar y ‘The Rise’ es la perfecta canción del adiós; es la que se escucha justo en ese momento antes de que enciendan las luces, derrochando toda la magia de la noche, la acumulación de emociones que se presenta antes del beso (bueno, eso ya fue un poco cursi). La pieza se deshace del dinamismo que hasta ese momento venían cargando las canciones y al melódico ritmo de un piano (y un piano siempre denota cierta melancolía, no me digan que no) y percusiones se hace cargo de que deseemos que la noche no termine aquí y continúe; nos obliga a desear una secuela, un after, un “amanecerla”. Y para amanecerla, qué mejor que volverlo a escuchar nuevamente, la verdad es que el álbum lo merece.

Entre leer y escuchar pasa todo y nada.

2011-04-14T13:39:00.000-07:00

Escucho Grizzly Bear, leo El atentado de Jorge Ibargüengoitia, tomo apuntes. Escucho Grizzly Bear, tomo apuntes y leo El atentado. Tomo apuntes y escribo canciones de Grizzly Bear. Leo El atentado musicalizado por Grizzly Bear y lo inyecta de un ambiente de melancólica humedad, de espacios confinados y una oscuridad que se pinta de azul como en un día lluvioso. Sigo leyendo a Ibargüengoitia, escucho a Grizzly Bear y pinto mis apuntes de azul. Es una tarde muy productiva. (El álbum de Grizzly… Yellow House, nomás por si se preguntan)

E.T.E.R.N.A.U.T.A.

2011-04-11T17:51:00.000-07:00

Hoy escuché que la música no es capaz de transmitir una idea como la podría transmitir, digamos, la poesía. No estuve muy de acuerdo con dicha afirmación, sin embargo, ahí está, fue la opinión de alguien. Ahora… sé con más certeza que muchísima gente, sobre todo en esta pobretona ciudad de sequía cultural (no por uno, sino por “los de arriba”), opina que el Rock no es un género propositivo, artístico, emotivo, incapaz de transmitir ideas coherentes, importantes y definitivamente, jamás de los jamases, lo etiquetarían como un movimiento cultural. Mas la realidad es otra, por más que lo nieguen, pues en esta ciudad, ávida de voces que no se callen, ni sean calladas, qué mejor manera de gritar que con Rock.

Novo Pilota es una banda juarense que acaba de lanzar su segundo álbum E.T.E.R.N.A.U.T.A., mismo que está basado en el cómic argentino de finales de los 50’s, El Eternauta, creado por H. G. Oesterheld y Francisco Solano López. En él, la humanidad se ve asediada por una invasión extraterrestre (aunque la historia se lleva a cabo en Buenos Aires), así que Juan Salvo y sus amigos, se ven obligados a buscar maneras de proteger a los suyos, uniéndose así a la última resistencia en contra de la amenaza alienígena. Si bien la historia es de ciencia ficción, el trasfondo que conlleva la novela gráfica es muchísimo más grave y seria, metaforizando la tensa situación política argentina de la época, con la militarización del país, los golpes de estado y las inexplicables desapariciones de aquellos quienes osaban levantar la voz sobre los hechos, como fue el caso del propio Oesterheld. La historia era propicia a la ocasión: no sólo una ciudad, sino un país que vive asediado por la violencia, la aparente militarización, la corrupción, el narco, las extorsiones, el juego de la política y vaya, la lista sigue.

A lo largo de siete temas, la voz del Eternauta se filtra y se manifiesta, evolucionando hacia los pensamientos no sólo de un hombre, sino de toda una colectividad. Con la canción temática, ‘E.T.E.R.N.A.U.T.A.’ se puede vislumbrar a la figura del héroe colectivo del cual hablaba Oesterheld: nosotros mismos. Una canción cargada de adrenalina y fuerza, guitarras estridentes, distorsiones envolventes, hipnóticos beats y una voz que nos urge a resistir y seguir adelante. Y para quien haya leído el cómic, encontrará en la letra referencias hacia pequeños detalles de la novela, algo que en lo personal me gustó muchísimo. ‘Odio Cósmico’ fue otro de los temas que más llenaron mi oído, comenzando por el sonido y la estructura musical, con algo que podría definir como una muy simétrica asimetría rítmica, con esa misma explosión energética que se palpa desde el inicio. Acto seguido, la letra carga con una fuerza emocional imponente: Ojalá que enfrentes todo como es/ que en tu largo viaje encuentres lo que estás pidiendo/ Ojalá que sea tal como lo crees/ que tu traje te haga fuerte cuando estés adentro […] Ojalá el regreso sea lo que fue/ que las piedras del camino no te dejen ciego/ Ojalá mi llanto aún me deje ver/ que esta sangre entre mis manos no me esté mintiendo. ‘Hombre Robot’ es un cambio de perspectiva, en donde la voz se posiciona dentro de las botas de aquellos hombres que “solo siguen órdenes” sin cuestionarlas jamás, enmarcado dentro de una batería que bien asemeja los redobles de los tambores bélicos. ‘Let It Burn (Ya no hay sol)’ oscila entre el inglés y el español, algo que quizá causó un poco de ruido en mí, pues nunca me han gustado estas variaciones en una misma canción, este como pochismo; sin embargo, de alguna manera u otra logra trascender esa pequeña molestia propia para convertirse en una canción demasiado pegajosa, especialmente con el coro en español. La canción es una conversación entre víctima/victimario, inspirada en hechos terriblemente reales, acontecidos al propio vocalista (lo que escuchan en inglés es tan sólo el eco de lo que le sucedió). Por último, ‘Quontinnum’, tema en el cual el alma se desnuda y expresa el dolor de la pérdida. Esa inevitable sensación que nos encara violentamente con la realidad de haber perdido a alguien (o quizás a nosotros mismos) y el necesitar recobrarlo a como dé lugar. Es una pieza melancólica, sin lugar a dudas, pero con una belleza desbordante y poética.

La total ausencia de silencio a lo largo del disco es muy notorio, algo que es imposible pasar de largo, ayudado a los interludios que funcionan como marcos contextuales entre canción y canción; en ellos se podrán distinguir discursos enteros de inconformidad y preocupación, como el escuchar tropas marchando entre ‘E.T.E.R.N.A.U.T.A.’ y ‘Odio Cósmico’, o el desgarrador sonido de explosiones y balas contrapuestos con la melódica belleza de la viola entre ‘Let It Burn’ y ‘Quontinnum’, o el interludio en el cual, de entre un saturado pastiche de noticieros, entrevistas y notas de diversos personajes (cuyas voces son inconfundibles), surge la voz de un hombre que militarizó todo un país para llevarlo al poder y la gloria, para meterlo en orden… un alemán llamado Adolfo. Son sutilezas como esta las que terminan por englobar una obra que bien refleja lo que muchos piensan y sienten, lo que muchos viven y lo que muchos quisieran evadir.

Si hay algo positivo de los momentos de crisis que se debe rescatar, es precisamente esto: la expresión, el arte, la creación. Todo lo que nos impulse a innovar y no solamente esperar un cambio que caiga del cielo. Hace unos cuantos ayeres, Juárez era una ciudad, no solo famosa por la industria maquiladora, sino por la escena musical y los espacios que permitían a una infinidad de voces moldear a su comunidad. A pesar de que ésta escena ha quedado relegada hacia los confines de pequeños bares, es una escena que sigue aún muy viva y dando de qué hablar, ejemplo de ello está en este álbum, el cual a lo largo de 8 temas, se expone en voz, verso y música, el sentimiento colectivo de muchos.

(Para escuchar el disco, visitar: www.reverbnation.com/novopilota)

Epifanía

2011-04-11T07:53:00.000-07:00

Realmente necesito leer más... esta semana me di cuenta de que no sé nada. Esa es una verdad terrible de encarar.

Little Frog

2011-03-31T07:21:00.000-07:00

Hace tanto tiempo que no escribía, que no visitaba el blog, ni mis cuadernos, ni las chocantes hojas blancas del Word; había estado combatiendo un constante estado hormonal altamente alterado, náuseas de 24 horas, los 7 días de la semana y una inexplicable apatía, que incluso me llevó a la completa abstinencia musical… un episodio ya pasado, ¡fiuu! Ahora sólo me ocupo de permanecer recostada casi la mitad del día, no tanto por gusto, sino por órdenes del médico, pues el chiquillo lo requiere… una pequeña ranita que va creciendo en mí y que ya me muero de ganas por conocer. Me froto las manos de puritita y completita emoción, pensando en toda la música que aprenderá, la estúpida cantidad de películas que llegará a ver y todos los libros que le tocaran por las noches (como cuentos de Poe antes de dormir… ya saben, kid friendly). Pobre pequeño (en un sentido generalizado), le ha tocado ser hijo de un par de geeks. Terminaremos por formar a un bohemio-romántico-idealista, quien aparte de todo, por cuestiones genéticas, tendrá un afro de cabello chinísimo, usará gafas y converse como zapato de todos los días; recibirá en vez de juguetes, un par de guitarras, pinturas, pinceles y blocks, una interminable biblioteca de cuentos, novelas y cómics, y sin duda alguna, la discografía entera de los Beatles. Y quizá, en un futuro no muy lejano, nos reclame el no haberle regalado juguetes normales, el haberle causado pesadillas en las noches y el tener que haber visto películas cuyo idioma no entendía. Sí, tal vez.

Sigo aquí...

2011-03-29T13:27:00.001-07:00

... sólo he estado en un pequeño sabático, pero miren que ya regreso.

El regreso a Radiohead por Radiohead

2011-02-28T14:21:00.000-08:00

Como ya se han enterado, porque pues no fue una noticia que se haya mantenida secreta, The King of Limbs de Radiohead, salió a la luz hace unos pocos días, no tiene ni dos semanas. Sigue siendo una novedad, aunque el tema haya ido decreciendo desde entonces. Para mí fue una muy grata sorpresa… o qué digo grata… esa palabra ni me gusta; me volví loca cuando me enteré apenas unos días antes del lanzamiento que Radiohead nos regalaría un álbum más. Y lo que me sorprendió más que nada fue el hecho de que nadie, nadie en el planeta entero, excepto ellos, sabían de este lanzamiento. Todo se reducía a un puñado de vagos rumores por medio de fans o críticos que realmente extrañaban el sabor a Radiohead entre sus columnas. Otra sorpresa más fue el recibir un día antes de lo marcado, el disco, así que ya para el atardecer del viernes, el mundo entero se devoró los 8 tracks del King of Limbs. Incluso muchas revistas en línea y críticos en general, dieron su desglose canción por canción. Pero esas ya son palabrerías de más. Mejor hablemos del disco en sí.

Debo confesar que después de la belleza de obra que fue In Rainbows, mis expectativas con respecto al nuevo álbum eran muy grandes. Traté de evitar soñar en grande, pero esta es una de esas bandas con las cuales uno no se puede dar el lujo de perder la fe, o ponerla en duda. Si algo han logrado los Cabeza-de-Radio siempre, es sacar un buen disco tras otro, y he aquí que 8 discos después, no han perdido el toque. Eso sí, debo admitir que para mí, King of Limbs no sobrepasó In Rainbows, aunque a esta declaración le sigan bastantes espumarajos de boca por parte de algunos o de muchos que se han deshecho por el nuevo disco. Sin embargo, es tan sólo mi opinión. Para las dos de la tarde, ya le había dado tres vueltas al King of Limbs; al final de la tercera vuelta, sentí que esa sensación que me producía era un regresar a… por lo que me vi obligada por fuerzas mayores a mí (que, ¿cuáles fuerzas? sepa la fregada) a escuchar Kid-A y posteriormente Amnesiac. Entonces, y sólo entonces fue cuando supe hacia dónde me había trasladado ese sonido.

Principia el disco con ese fade-in del piano a manera de iniciación a un rito colectivo y los sonidos electrónicos, ya tan bien dominados por la banda desde hace más de una década, nos introducen al lugar común, así que ya para cuando escuchamos la voz de Yorke sabemos que hemos llegado a casa. El ritmo se mantiene dinámico durante todo el disco, a pesar de variar el ambiente y el humor a través de éste, con sonidos envolventes e hipnotizantes. Mientras escribo esto vuelvo a escuchar el disco, con los audífonos puestos y el volumen alto… es hipnotizante. No hay manera de escucharlo y no perderse en los escenarios que la música pinta: profundos, aterciopelados, policromáticos, melancólicos y conflictivos; aunque parezcan interpretaciones oscuras y los sentidos un tanto herméticos, como yo que batallo mucho para entenderle a la letra de buenas a primeras, no siempre es así. Pero a quién le importa hablar de significados con una primera vez que se escucha la obra en cuestión (esta u otra, la que sea). La música y su sentido evolucionan a la par que nosotros lo hacemos, por lo que podríamos hablar de un atemporalidad; es música que no envejece ni se vuelve obsoleta. Lo que hoy sienta con King of Limbs sé que será diferente cuando dentro de 10 años más lo vuelva a escuchar y a experimentar. Es por eso que cuando terminé de escucharlo la tercera vez aquel viernes, regresé a Kid-A y respiré ese aire de nostalgia y recuerdo, en donde la música me llevó hacía la primera vez que lo escuché y lo que sentí en ese entonces. Una de las cosas en las cuales reposa la belleza y la importancia de una banda como Radiohead, según yo, es esa nostalgia e inmortalidad con las que carga su música y su obra entera.

The King of Limbs es, para mí, un muy buen álbum, no lo puedo negar y creo que muchos piensan de la misma manera; aunque no sobrepasó la perfección del histórico y revolucionario In Rainbows, a mi manera de ver las cosas. Se deshicieron un tanto de la grandiosidad que aquel había armado y se regresó un tanto más al sonido electrónico y synth-based del pequeñísimo e insignificante álbum del 2000 que fue Kid-A. No es masticar fórmulas viejas y vomitar algo nuevo, es simplemente un regresar a… Sí, así lo describiría yo. King of Limbs es un regresar a… una mirada hacia atrás mientras se sigue caminando hacia adelante.

Lo mejor del viernes.... Radiohead

2011-02-18T15:13:00.000-08:00

El mundo entero despertó esta mañana de febrero para descubrir que el nuevo álbum de Radiohead, The King of Limbs, estaba ya disponible para todo aquel voraz fanático y melómano ordinario que quisiera y se muriera por tenerlo entre su colección (santuario) digital. Sí, yo sé que ya todo el mundo lo sabe y que los Cabeza-de-radio están en boca de todo el mundo, obviamente, en los míos también. Ahí luego pasaré para dejarles algo que leer sobre el álbum, mientras tanto, he aquí 'Lotus Flower', el primer sencillo del disco con Thom York bailando muy a la Thom York. ¡Feliz viernes!

¡Qué cosas!

2011-02-04T16:49:00.000-08:00

Ni el blogger quiere escucharme... sale pues, ahí te ves pedazo de ******

El regreso de Peter, Björn & John... rayos

2011-02-01T07:36:00.002-08:00

¿Recuerdan “Young Folks”? Esa pegajosa y difícil de olvidar melodía que todo el mundo chiflaba en sus momentos de autismo (bueno, yo chiflaba en mis momentos de autismo); esa tonadita que por todos lados nos perseguía, incluso nos buscaba. Bueno pues los autores de semejante fenómeno regresaron con Gimme Some. Con Writer’s Block, este trío sueco logró juntar una cantidad de seguidores abrumadora, muchos de los cuales, sin lugar a dudas, desaparecieron con Living Thing, un disco muy difícil de escuchar de principio a fin; nada polifacético como el anterior, aunque a mí me agradó bastante el ambiente denso con el cual cargaba. Y si recorremos la línea histórica un poco más hacia atrás, esa misma dificultad está en Seaside Rock… un álbum que me recuerda a las películas de Bergman, ya que hay varios tracks en los cuales se escuchan conversaciones en sueco, acompañados con algunos acordes musicales, mismos que fungen más como complemento de la conversación que como piezas por sí solas. En fin. Para el gran alivio de muchos que se quedaron con esas ganas de música pop-pegajosa, rítmica, liviana, deglutida, nada desafiante, el trío apareció este año con la secuela del Writer’s Block. Y curiosamente, no me llena el oído. No en su totalidad.

Hay discos que funcionan en su totalidad, en las que es imposible adelantarle o cliquear el random y pasar el tiempo escuchando de todo. Sin embargo, éste no es el caso. Gimme Some funciona mejor segmentado, mezclado con cualquier cosa que se encuentre en la lista de música, algo que me duele admitir. ‘Tomorrow Has to Wait’ no fue una buena opción para abrir la obra, aunque el título se me hizo adecuado, el mañana tendrá que esperar… a que encuentre ese gancho que me diga “tienes que escucharlo”. En ‘Dig a Little Deeper’ las guitarras reminiscentes al surf, aunque sean ecos inspirados en dicho género, crean un ligero gancho de interés, mismo que no encontré por ningún lado en la primera canción, el rasgueo se queda atascado en la cabeza, como esas melodías que sólo necesitan de un momento de contacto con nuestro sentido auditivo para permanecer molestamente repitiéndose una y otra y otra y otra y otra vez…. o qué, ¿no recuerdan “It’s a Small World After All” o la interminable línea de elefantes que gustaban de columpiarse?. El tercer track, ‘Second Chance’, promete un poco más, recurriendo al pop de ritmos pegajosos que tan bien dominaron en Writer’s Block, incluso acercándose peligrosamente a emular esos sonidos dejados en un pasado no muy lejano. ‘Eyes’, me recuerda, o mejor dicho, me suena mucho a ‘Close To Me’ de The Cure; que ésta sea referencia directa, la verdad no lo sé, pero la similitud ahí está en el ritmo de la batería, en las palmas chocando. Para la mitad del álbum, me topé con ‘Breaker Breaker’, canción introducida por una sumatoria de instrumentos con el volumen alto, batería, bajo y guitarra; una fórmula sin lugar a dudas muy sencilla que nunca falla, lo bueno y lo malo de ella es que dura menos de 2 minutos. Y siguiendo con la línea de canciones de duración menor a los 2 minutos, ‘Black Book’ repite la sencilla fórmula de los básicos (guitarra, bajo y batería), con una austeridad encontrada en bandas como Joy Division, y que Ian Curtis me disculpe por la analogía, o más adelante, en los Libertines, aunque jamás lleguen al caos, la locura y la destrucción de la música post-punkera de Pete Doherty y compañía. Y ya de ahí pa’l real, pues el disco cae cual piedra por el barranco, quizá sólo para cerrar de manera decente con ‘I Know You Don’t Love Me’, en una atmósfera cavernosa con reverberación vocal, tanto solista como coral, acompañados y complementados por discretos riffs encantadores y esporádicas presentaciones de un lejano sinte.

En resumen, no terminó por convencerme, aunque salvaría un par o un trío de canciones que mezcladas con otra cosa ganarían peso. Y que por qué perdí tiempo escribiendo sobre esto si no fue de mi agrado, pues no sé… tengo la ligera esperanza de que las melodías crezcan en mí, así como pasa con todo, siempre y cuando le demos la oportunidad en un día y tiempo en donde la paciencia para con la música, el cine y la literatura es algo de mucho pedir. Sólo uno podrá decir.

Aquí les dejo "Breaker Breaker":

De regreso

2011-02-01T07:36:00.001-08:00

He vuelto. Me vi en la necesidad de tomarme unas ligeras (muy ligeras) vacaciones, durante las cuales me dediqué a sumergirme total y completamente en mis burbujas. Leí, escuché música, pinté y atasqué mi pobre mente de películas, tanto banales como intelectuales, comerciales y artísticas. Incluso intenté escribir mi primera novela, sin embargo, después de tres líneas admití mi rotundo fracaso como primeriza…

… bueno, tal vez lo de la novela estuvo un poquito de más. Aunque sí quise tentar las aguas con un cuento. Algún día encontraré el nervio para postearlo por aquí. Pequeño pedazo de nada, surgido de la nada del momento, mientras nada cruzaba por mi mente. ¿Cómo ven el argumento central? Nada. Y mientras mis pasiones me inducían en lo más delicioso de las fantasías diurnas y me hacían más despistada y accidentada que de costumbre, ideé un proyecto alterno a este blog, lo cual es una sorpresa; por lo pronto, necesito hacerme de un pequeño micrófono para computadora, un programa de edición de audio y entrenamientos vocales (y no me refiero a mi próximo lanzamiento como canta-autora, prefiero evitarles el mal rato).

Prometo volver pronto con alguna novedad o vejedad… Feliz Martini.

Lo mejor... The National, High Violet

2010-12-30T09:04:00.000-08:00

1. The National, High Violet
I’m a confident liar, got my head in the oven so you know where I’ll be. I try to be more romantic, I wanna believe in everything you believe. I was less than amazing, I do not know what all the trouble was for, I fall asleep in your branches, you’re the only thing I want anymore.

Debo admitir que me ha costado muchísimo decidir entre Joanna y The National, ambos discos me despojaron de mi aliento y consiguieron lo mejor de mi atención. Ambos fueron obras a las que constantemente recurrí durante el transcurso del año, mismas que con cada vuelta crecían y crecían y crecieron a tal grado de quedar cimentadas como lo mejor que llegué a escuchar durante 365 días de horas repletas de música. High Violet es un álbum cargado de emociones oscuras, densas, sádicas, depresivas y para ser un álbum tan pesado, la música logra comprometerlo a tal grado que lo convierte en poesía, de esa tan dolorosa que causa placer, convirtiéndonos a quienes lo escuchamos en masoquistas y con todo el orgullo de serlo. Antes de High Violet, no conocía a The National, así que después de haber escuchado el disco, me di a la tarea de buscar lo pasado, encontrando Boxer y The Virginia EP. Ambos muy buenos discos, sin embargo no están a la altura de High Violet. En Boxer, el disco anterior, ya se escuchan los pincelazos de lo que se convertirá en su mejor obra a la fecha; la oscuridad comienza a apropiarse de las canciones, a pesar de que no llegan a esa densidad con la cual cuenta High Violet. En cuanto a arreglo musical, se escucha, ya se siente y se ve venir la magnificencia con la cual The National se presentó este año al mundo. Las canciones son ricas en estructura y en letra, en música y en sentimiento, liderados por la afectiva voz de Matt Berninger, la cual le dota de un cierto romanticismo a cada pieza; romanticismo oscuro y tormentoso, digno de novelas post-revolucionarias de la Francia del siglo XVIII; llamémoslo post-Romanticismo, en el cual encontramos todos los rasgos y características del movimiento, inyectado del siglo XXI. Es sólo cuestión de escuchar las canciones, las cuales escupen, entre tanto verso, frases que seguramente les acosarán el subconsciente (y el consciente también); ejemplo, ‘Terrible Love’, canción que abre el disco: /It’s a terrible love, and I’m walking with spiders/. “¡Qué cosa más terrible que el amor!” dirían los poetas. O también en ‘Sorrow’: /Sorrow found me when I was young; sorrow found me, sorrow won/. En ‘Lemmonworld’: /I’ll try to find something in this thing that means nothing/. Y por su puesto, ‘Conversation 16’: /I was afraid I’d eat your brains, ‘cause I’m evil/. Etc. Quizá no todo sea amor, quizá no todo sea uno… pero qué digo… todo es amor, todo es uno mismo. High Violet es la tortuosa expresión interna del hombre, de un hombre, de cualquier hombre; es un maravilloso álbum, matizado con poética, pero cimentado en el rock. Definitivamente The National merece la corona de olivo, el cetro y el trono.

Aquí abajo 'Bloodbuzz Ohio':

Aquí 'Sorrow':

...y 'Vanderlyle Crybaby Geeks':

Lo mejor... Joanna Newsom, Have One On Me

2010-12-28T17:16:00.000-08:00

2. Joanna Newsom, Have One on Me

Actualmente vivimos en un mundo, en una sociedad, en donde la paciencia y el tomarse el tiempo se han convertido en conceptos arcaicos, obsoletos, en algo que nuestros padres, abuelos y antepasados en general tendían a hacer. Lo cual es lamentable, ya que esto ha resultado en el consumismo, en el “lo quiero ya y lo quiero ahora”. Comida rápida y procesada, lecturas cortas y superficiales, películas banales, etc. Saber que algo requiere de nuestra capacidad de reflexión es inaceptable. En la música, lo que el radio-escucha promedio consume, es justamente eso, música procesada, masticada y banal, acompañada de ritmos molestamente pegajosos; quizá sea esta la razón por la cual artistas como Joanna Newsom o Sufjan Stevens o The Knife son dejados de lado, pues requieren atención, requieren nuestra capacidad de reflexión y sobre todo, requieren de nuestro tiempo. Have One On Me es un álbum que corre sobre las dos horas, dividido en tres discos. Es un álbum que ante todo, nos pide tiempo y paciencia, y déjenme decirles que de concederle a la obra estas dos pequeñísimas cosas, descubriremos la maravilla creativa de Newsom, tanto de autora como de músico, pues es una dotada arpista, pianista, compositora. El álbum, si bien no encanta a la primera, seguramente, de dejarse añejar, se convertirá en una obra básico dentro de nuestro canon de discos que nos acompañarán toda la vida. Por ejemplo, yo ya lo he catalogado dentro de mi soundtrack definitivo, mi soundtrack vitalicio, el cual, si se hiciera una película sobre mi vida (ja-ja), quedaría plasmado entre obras como Rubber Soul (Beatles), Blue (Joni Mitchell), The Wall (Pink Floyd), Crash (Dave Matthews Band), The Seldom Seen Kid (Elbow), O (Damien Rice), OK Computer (Radiohead), The Queen is Dead (The Smiths)… bueno, son muchos, no los nombraré todos. Have One On Me definitivamente estaría ahí, entre los grandes, los memorables, porque si bien el álbum me cautivó desde el inicio, entre más lo escucho más me fascina. La música de Joanna es mágica, mística, seductora, épica; su barroquismo folky-pop-clásico jamás termina por saturar el oído, al contrario, lo dota de texturas y matices, de una profundidad lírica que difícilmente se encontrará en otro lado.

Esto es '81 en vivo:

Esto es Soft As Chalk (no había video para esta canción, sin embargo, lo importante es la canción en sí):

Lo mejor... Charlotte Gainsbourg, IRM

2010-12-22T15:23:00.000-08:00

3. Charlotte Gainsbourg, IRM

Por ahí del 2007, Charlotte Gainsbourg sufrió un derrame cerebral que la dejó como cliente frecuente de hospitales y MRIs. Durante el tiempo que pasó en esos claustrofóbicos, fríos y desesperantes túneles magnéticos, nació IRM (MRI pero en francés). En el álbum, Gainsbourg plasma los minutos, las sensaciones, incluso los sonidos: a través de varias canciones podemos escuchar los sonidos de la máquina acompañando la música, especialmente en la canción titulada “IRM”, curiosamente. El resultado de esta experiencia son poco más de 40 minutos de canciones pop con tintes electrónicos, en donde Beck no sólo produjo, sino colaboró con Gainsbourg en la creación y composición de las estas… y la verdad es que el dúo Beck-Charlotte es puro oro. Aunque esta no es la primera vez que Charlotte colabora con músicos/artistas heavy-weights, ya se ha codeado con personajes como Jarvis Cocker y Air, entre otros, quienes colaboraron con Gainsbourg en su anterior disco 5:55. Dicho álbum, el segundo de su carrera musical, es un disco más orgánico, no tan ambicioso, ni tan dinámico, en donde Charlotte se da el lujo de deambular en la ingenuidad de la vida y de las cosas. En IRM, la ingenuidad se pierde y el filo de Charlotte es más incisivo, más atrevido y más divertido. Ella es un artista que sabe lo que tiene y lo sabe manipular a su máximo; por ejemplo, no es poseedora de una gran voz, sin embargo sabe utilizarla y moldearla creando ambientes oníricos, etéreos en sus canciones, guiada y dirigida por Beck, sin lugar a dudas. Si antes era señalada por ser hija del gran Serge Gainsbourg (figura de idolatría y escándalo en Francia), Charlotte ha logrado sacudirse toda huella de la sombra de su padre y ha comenzado a hacerse un nombre por sí misma, tanto por el lado del, como de la música.

Aquí, como de costumbre, unos videitos:

"Heaven Can Wait"

"Time of the Assasins"

Lo mejor... The Tallest Man on Earth, The Wild Hunt

2010-12-20T11:39:00.000-08:00

4. The Tallest Man on Earth, The Wild Hunt

A veces siento que calificar un álbum como bello termina por adjuntarle un mote como de cursi, o rosa, y no quiero que ese sea el caso con The Wild Hunt, pero si hay algo que el álbum tiene es belleza. Es puro folk, en la tradición de Dylan acústico, incluso la voz de Kristian Matsson le da ese aire dylanesco, lo cual me llamó mucho la atención en un principio. Hay algo de refrescante u orgánico escuchar obras tan sencillas, sólo un hombre con su guitarra o un piano, como es el caso de “Kids On The Run”, la única canción en la cual Matsson deja de lado las cuerdas para imprimir un matiz diferente al ambiente que se va creando a través del disco, así como la carga emocional que va adquiriendo cada vez que se escucha, porque este es un disco imposible de escucharse sólo una vez. El folk es un género que a muchos les causa un poquito de ruido, paradójicamente, la verdad no sé por qué; será que lo sientan aburrido o lento para poder asimilar, sobre todo en el “ahora” en donde todo se consume con exagerada rapidez y ahí es en donde encuentro el valor de músicos (o artistas, mejor dicho) como Bob Dylan, Cat Stevens, The Tallest Man on Earth, Bon Iver, Sufjan Stevens o Joanna Newsom, etc., cuyas obras nos hablan, nos cuentan historias y terminan por tomar posesión de uno. Obras como The Wild Hunt, son de esas que quedarán para la posteridad; obras que dentro de 20/30 años seguirán manteniendo su importancia y su calidez, seguirán contándonos historias, las universales, las de nosotros mismos.

Esta es la canción "Love Is All", espero les guste y se enamoren del talento y el carisma de Matsson:

Lo mejor... Jeremy Messersmith, The Reluctant Graveyard

2010-12-20T11:28:00.000-08:00

5. Jeremy Messersmith, The Reluctant Graveyard

The Reluctant Graveyard es parte de una trilogía en la obra musical de Messersmith, en la cual maneja el ciclo de la vida: el nacimiento, el desarrollo y la muerte, siendo éste último el hilo conductor, temático si se quiere, del álbum. La verdad es que esto es hacer notar lo obvio cuando se tiene un álbum que lleva por título el concepto de cementerio. Una alusión a la dificultad de la muerte o a la dificultad de la vida tan sólo para terminar en la muerte. Cualquiera que se quiera tomar. A pesar del lúgubre tema de la obra, el tono se mantiene ligero y dinámico, tomando la poeticidad del folk y la viveza del pop, terminando con la suave y melodiosa voz de Messersmith. Si uno juzgara de buenas a primeras la voz y la música, jamás se adivinaría la temática tan oscura que mantiene. Pero, como en la buena tradición mexicana, en donde el hombre se toma la muerte como un asunto lúdico, esta termina siendo una amiga más de la vida.

Aquí algo que escribí por ahí en el pasado inmediato sobre Messersmith y su álbum:

http://singinfrogz.blogspot.com/2010/07/metiendo-la-nariz-por-aqui.html

"A Boy, a Girl and a Graveyard", una bellísima canción:

Lo mejor... The Radio Dept., Clinging to a Scheme

2010-12-20T11:21:00.000-08:00

6. The Radio Dept., Clinging To a Scheme

Recurrí mucho a este álbum durante el año a partir de que lo escuché; es un álbum que funciona como entero o por canciones mezcladas en un listado aleatorio. Lo primero que salta al oído es el dinamismo con el que se desenvuelve, como si fuera un personaje en alguna novela. El disco es una reivindicación al rock y a su poesía, como ejemplo de ello es el speech insertado en el intro de “Heaven’s On Fire”, extracto de una declaración por parte del vocalista de Sonic Youth, condenando el capitalismo y lo que este ha hecho para la música. El álbum es un recordatorio de la riqueza del rock y el pop, aquel propuesto por bandas como Joy Division, The Smiths o Jesus and Mary Chain. Clinging To a Scheme tiene todos los tintes, tonos y ambientes de la escena musical británica ochentera; es un álbum no sólo para escuchar, sino para asimilar y contemplar.

Aquí algo que escribí por ahí de julio:

http://singinfrogz.blogspot.com/2010/07/un-disco-nuevo-por-radio-dept.html

Lo mejor... LCD Soundsystem, This Is Happening

2010-12-20T11:11:00.000-08:00

7. LCD Soundsystem, This is Happening

Creo que cuando obtuve el álbum, se quedó ahí sentado nomás, virtualmente empolvándose durante un mes. Si me percataba que ya le tocaba el turno a LCD en la lista, le adelantaba a una banda diferente, a otro disco, etc. Realmente no tenía ganas siquiera de escuchar una canción. Admito que lo último que escuché de este proyecto fue “Daft Punk Is Playing at My House” y no pensé gran cosa de ello, así que el prejuicio se quedó. Hasta que por fin llegó el día en que le di oportunidad y caí en cuenta de mi muy grave error. Para empezar, cuando vi que tenían una canción titulada “Drunk Girls” lo catalogué como un álbum para fiestas y pedas, banal y ridículo. Para seguirle, lo creí otro plástico álbum de música electrónica más en el mundo, hasta que escuché “Home”, la canción con la cual cierra el disco; una canción para disfrutar el momento, el ahorita; una canción para olvidar lo pasado y dejar de buscarlo. Cuando la escuché dije “vaya” y terminé por devorarme el disco entero; disco de pocas canciones pero muy largas. This is Happening coquetea con una cantidad de ritmos y estilos que terminan por enriquecerlo y sacarlo del encasillamiento de “música para fiesta y se acabó”. Este fue un álbum que terminé disfrutando demasiado, es un álbum divertido, caótico y muy melódico. Es lo que yo llamaría mi mayor sorpresa del año. Y qué genial es toparse con este tipo de cosas, en donde uno juzga al libro por su apariencia y termina descubriendo algo completamente diferente.

Aquí, el video de "Home":

Lo mejor... The Walkmen, Lisbon

2010-12-16T11:22:00.000-08:00

8. The Walkmen, Lisbon

Para empezar es The Walkmen, una banda que ha logrado mantenerse al margen de la música comercial, o aquella que se le alimenta a las masas, procesada y masticada. El sonido es característico, uno no puede escuchar su música y no saber que son ellos; esa clase de familiaridad, de "hogar", de ambiente al cual conocemos y podemos regresar, no se compra. Así es que llega Lisbon, al menos, así llegó a mis oídos. Es un álbum muy cálido, armonioso y divertido.

Por ahí de septiembre escribí algo sobre este álbum... aquí les pego un extracto:

Mientras la oportunidad me vuelve a tocar a las puertas, The Walkmen me llega con Lisbon, lo más nuevo dentro de una obra discográfica que va creciendo a paso constante y seguro, y mientras lo escucho una y otra y otra vez, puedo decir, con absoluta seguridad, que han retornado a su lugar de origen, revisitando y rehabilitando ese sonido ya característico el cual corre como líquido medular. Sórdidas guitarras emulando algún tipo de Surf o Rock-a-billy. Ritmos de una complejidad bastante sencilla, acompañados por la aguda, y un tanto gangosa, voz de Hamilton Leithauser. Lisbon no es un álbum excelente y definitivamente no sobre pasa la grandeza de You & Me, no es un álbum tan violento y ruidoso como Bows + Arrows, y ya no cuenta con esa tierna ingenuidad de su debut, sin embargo, hay algo. Tiene un no sé qué, que qué se yo. Tiene, como he dicho, esa esencia que tanto nos gusta (a los fans) de The Walkmen. Tal vez sea que las canciones parecen ir fuera de tiempo o la crudeza de la composición. O simplemente es el mundo al que nos introduce, un mundo en donde se puede decir “déjame en paz… me vale madre todo”, un mundo en donde nos desquiciamos moviendo frenéticamente los pies al ritmo de cada canción, un mundo en donde es válido tocar air-drums o air-guitar. El mundo de los toquines, los bares, los cigarros, los converse y los entubados. Quizá quien no guste de esta banda, escuche Lisbon y sienta ganas de vomitar (porque se vale), quizá, incluso, habrá el fan que diga “esto es mierda”, pero por lo pronto, esta fan (o sea yo) está de lo más divertida moviendo frenéticamente la cabeza, tocando air-drums con el volumen a todo lo que da.

Y aquí, un videito... enjoy:

Lo mejor... Shearwater, The Golden Archipelago

2010-12-13T11:48:00.000-08:00

9. Shearwater, The Golden Archipelago

Solemnidad. Esa es la palabra con la cual definiría The Golden Archipelago. Este no es realmente un álbum al que haya regresado constantemente durante el año como lo hice con otros, sin embargo cuando lo hacía, era un verdadero viaje; no un viaje propiciado por alucinógenos, químicos o de otra clase, sino un viaje propiciado por la música. Ya sé, qué cursi, que infinitamente ridículo se escucha eso, pero de qué otra manera podría ponerlo. Shearwater es una de las pocas bandas que cargan con ese peso tonal solemne, en donde cada pieza en el álbum es una construcción pictórica, una edificación de imágenes perfectamente estructuradas con el sonido, la letra, la voz. No es solamente la música, sino el ambiente que le rodea a toda la obra. Por ejemplo, si juzgáramos al libro por la portada, ésta nos daría indicios de lo que estamos por escuchar. Hay una cierta apertura a las melodías que no provocan esa claustrofobia o hermetismo que en muchos géneros, en muchas bandas existen. Aquí hay lugar a la interpretación. Yo lo definiría como una oscilación entre el rock, con el lirismo del folk, la ligereza del pop y el ambiente de una balada. El hilo conductual del disco es el piano y la guitarra acústica; esta es una de las pocas ocasiones en donde la guitarra eléctrica queda relegada a los detalles y a un número muy limitado de canciones (tres). Es un disco un tanto difícil por la seriedad que conlleva y el viaje hacia las entrañas del propio ser que nos “obliga” a realizar, aunque de vez en cuando, es necesario. Un álbum como Golden Archipelago, nivela perfectamente la balanza de lo serio contra lo lúdico; oscilar entre ambas cosas nos mantiene cuerdos.

Mi canción favorita del álbum es "Black Eyes". Aquí un falso-video, nomás para que escuchen la canción:

Lo mejor... Gorillaz, Plastic Beach

2010-12-09T12:46:00.000-08:00

Es diciembre y ya comienzo a ver por todos lados los famosísimos "Top 10" de lo que quieran. Así que me aventuré a crear el mío. Aquí les va mi Top 10 de la música en este año, en cuanto a discos se refiere.

10. Plastic Beach, Gorillaz

Estuvo más que obvio, cuando el mundo se enteró de que habría un tercer álbum de Gorillaz, inmediatamente quedaría entre los favoritos de muchos. ¡Y claro! Imposible dejarlos relegados entre las tantas bandas mediocres que circulan y deambulan por aquí y por allá. Plastic Beach representa el regreso de Damon Albaran y sus múltiples alter ego; representa también una colaboración impresionante de músicos y artistas con Albaran. Ejemplo de ello lo tenemos con Lou Reed, por ejemplo, quien me sorprendió totalmente con "Some Kind of Nature", porque la canción es una chingonada y el duo Damon-Lou, no me lo habría imaginado nunca.

Demon Days impulsó a Gorillaz hacia el Olimpo y lo cimentó como una banda innovadora tras la cual muchos intentarían emular, simular, copiar, etc., en donde el estilo ya entraba un poco más de lleno al hip-hop sin dejar el rock, el pop y lo electrónico. Plastic Beach es otro capítulo muy diferente, en donde el hip-hop ya es la expresión primaria y el pop es el acompañante; aunque realmente encasillarlo en esto y aquello sería algo terrible de mi parte. El álbum presenta un eclecticismo delicioso, una orgía de géneros o sub-géneros, los cuales funcionan maravillosamente. El género (hip-hop) me es muy difícil de escuchar y casi no me gusta, sin embargo en este disco lo llena de vida, de armonías, de matices que es imposible no agarrarle cariño. Es la música, es la letra... Gorillaz siempre ha portado un estandarte de crítica y señalamiento hacia lo que no funciona, mata, divide, envenena y destruye. Simplemente el título es indicio de esto; alude a la farse vida consumista a la cual la sociedad se ha visto arrojada. La verdad es que no hay mejor manera de criticar que a través de la música, y no despojarla totalmente de la melodía. Plastic Beach es un todo en donde el todo comulga y nos invita a ello. Y dejando la seriedad a un lado, el disco es simplemente divertido.

Aquí les dejo mi canción favorita… o una de mis favoritas: "On Melancholy Hill"

(El #9 muy, muy pronto)

Hoy ya no soy yo

2010-12-02T14:21:00.000-08:00

‘Hoy ya no soy yo’
Gustavo Cerati

Adivino tu intención;
tienes ganas de subir a verme,
pero hoy ya no soy yo.
La otra noche te arrojé,
en un mar cubierto de lava ardiente,
pero hoy ya no soy yo.
Puede ser un accidente, nena,
pero hoy ya no soy yo.
Paso días normal (no me esperes… tengo ganas)
a veces, a veces, a veces…..
Adivino tu intención,
tengo ganas de saber quererte,
pero hoy ya no soy yo.

Yo no me considero fan de Cerati, no lo fui en el pasado y no lo he escuchado detenidamente como para considerarme ferviente admiradora. Admito haberlo descubierto muy, muy tarde en la vida, de lo cual me arrepiento tremendamente. Especialmente ahora, con la trágica situación en la que se encuentra el wonder-boy argentino… creo que ya nunca tendré la oportunidad de ver y escucharlo en vivo, ni de corear sus canciones, ni gritar, ni aplaudir hasta que el dolor de las palmas me obliguen a parar. Ni modo, tan sólo me queda el cerrar los ojos y viajar.

Esta noche, una amiga, Sodera de hueso colorado (ese adjetivo ella se lo puso y me encantó), me pasó Colores santos. “La de ‘Hoy ya no soy yo’ me intriga tanto”, comentó, e hizo que me creciera la duda: “quiero saber qué significa o de qué habla esa canción”. Me contó su teoría y la duda se infló aun más. La consecuencia de semejante acción de su parte (ya verás Sister), fue escuchar una y otra y otra y otra y otra vez esa pieza. Intenté recordar mis clases de poética, de métrica y de retórica para lograr desentrañar sus misterios, aunque el teflón con el que empaquetaron mi cerebro funciona tan bien que la gran mayoría de las veces no recuerdo nada. Sin embargo le hice el intento, a ver si eso de la interpretación se me da.

Como canta-autor, Cerati está cabrón. Creo que son pocos los músicos cuyo alcance y profundidad letrística, dotan de relevancia, coherencia, cohesión, verdad, honestidad y sentimiento a una canción. No es tanto lo que digan, sino cómo lo dicen, y por otro lado, no es tanto cómo lo dicen, sino lo que dicen; la verdad es que no entraré en debate sobre la forma o el contenido. A veces una canción dice tanto sin decir nada, a veces es lo contrario.

‘Hoy ya no soy yo’, parece ser una pugna interna del “yo” poético que habla en la canción. Sucede que al leer una novela, quien nos guía en la historia no es necesaria, ni obligatoriamente el autor; el narrador muchas veces funciona de manera independiente y se separa de la figura creadora, autoritaria… se separa de dios, como diría Vargas-Llosa. Lo mismo sucede en las canciones… a veces quien nos canta no es el músico, sino ese ente viviente que aparece como alter ego del músico, vocalista, intérprete, o como lo quieran llamar. Escuchen canciones de The Decemberists, sobre todo un álbum como Hazards of Love y se darán cuenta de que, quien interpreta las canciones es meramente una vía a través de la cual escuchamos la voz poética narrándonos una historia. Pero bueno, fin del paréntesis, volvamos con Cerati.

Repito que, sobre Gustavo conozco muy poco; conozco sus canciones (no todas), algunos de sus discos y muy poco sobre su historia personal, mas lo poco o mediano que he escuchado y visto, lo tengo bien grabado. Sé lo que su música me provoca y las imágenes que me evocan; esa pequeña porción, cada vez que la escucho me lleva a lugares y termina por formar parte de mi “yo” que vive eternamente alucinado. Tal es el caso de ‘Hoy ya no soy yo’, en donde la voz que nos canta le confiesa a alguien (ella, quien quiera que sea), sobre su ser dudoso y malvado; un ser que causó un mal terrible y no asume la culpa de ello: Tienes ganas de subir a verme, pero hoy ya no soy yo. La otra noche te arrojé, en un mar cubierto de lava ardiente, pero hoy ya no soy yo. Puede ser un accidente nena, pero hoy ya no soy yo. La canción forma imágenes que se oponen unas a otras, así como también se opone el “yo” contra él mismo: tengo ganas de saber quererte, pero hoy ya no soy yo. Es el deseo y el “qué me importa” luchando al mismo tiempo. No solamente se refleja en la letra, sino en la música y el arreglo, en donde una cálida guitarra acústica nos da la bienvenida, con unos tímidos riffs de guitarra eléctrica que se asoman esporádicamente, hasta que los papeles se invierten y nos envuelven los desgarrantes rasgueos de aquella que en un inicio se escondía bajo el sonido de la acústica.

Sonidos de desengaño, de culpabilidad y un juego de pasiones insaciable, en donde la incertidumbre y la violencia del sentir sublime que el “Yo” desprende o evoca es la fuerza tentadora e intrigante que guía a la confesión para tal vez recibir el perdón. ¿Será?

Descubriendo Crash de Dave Matthews Band

2010-11-18T08:28:00.000-08:00

Crash, segundo álbum de Dave Matthews Band, lanzado en el ’96, si es que mi memoria no me resbala, fue un disco que me marcó, y que incluso en el “hoy” lo sigue haciendo. Así como hay lecturas que nos pegan, nos sorprenden y nos definen, también hay música que nos cambia para siempre; música que nos abre una llaga y la deja ahí –como un lunar-, formando parte de nuestro ser, nuestro cuerpo y nuestra manera de percibir, sentir y pensar. Yo por eso siempre he pensado que el poder de la música es tan fuerte; la música es tomar conciencia, es un estar ahí, un vivir, un experimentar y hasta un evolucionar hacia esa aspiración del ser mejor; un ser humano. Pero bueno, no entraré en digresiones. Dicho álbum, lo descubrí cuando tenía 14 años. En algún lugar había escuchado la tercera canción del álbum titulada “Crash Into Me” y me perdí. Me perdí para siempre, fue como un balde de agua fría. Tras escucharla, logré comprar el disco en uno de esos programas de “ordene 12 discos al precio de 2” o algo así, que por aquellos días existían -junto con una selección muy buena de discos, debo admitir- y gracias a ello obtuve uno de mis discos favoritos en lo que llevo de corta vida.

Dave Matthews y su grupo, siempre se han caracterizado por la música que crean; la verdad es que en este caso es necesario hablar de un ensamble, porque hay tantas cosas sucediendo en un mismo momento, tantos sonidos, tantos ritmos que nunca terminan por saturar una canción; por el contrario, van formando una acumulación de sensaciones melódicas, armoniosas y harto adictivas. Bueno, honestamente estoy pensando por el momento en el Crash, el cual escucho en este preciso momento y lo que intento describir de manera tan desarticulada es justamente lo que estoy escuchando, pues son tantas cosas las que se perciben que es imposible no sentirse atraído y envuelto por la música.

La canción que abre el álbum es “So Much To Say” con una melodía muy dinámica; tanto la letra como la música se complementan: I see my hell as the closet I’m stuck inside, can’t see the light. And my heaven is a nice house in the sky, got central heating and I’m alright, canta Matthews acompañado de una guitarra acústica bastante lúdica, a partir de donde comenzarán a sumarse el resto de los instrumentos. A diferencia de esta primera con la que nos introducimos al disco, “Two Step” abre un capítulo un poco más oscuro en cuanto a tono; la guitarra eléctrica, desposeída de todo efecto y acompañado con unos maravillosos arpegios acústicos y la voz desnuda de Dave, nos da la bienvenida. La lírica, después de in intro digno de la longitud de aquellos presentados por The Cure, nos presenta una declaración de amor, nada cursi, como cualquiera podría pensar cuando se habla de canción de amor… es sentimiento, no sentimentalismo barato. Y qué mejor para terminar una canción de amor, que continuar con otra de amor: “Crash Into Me”. Con esta, Dave Matthews y compañía me declararon su amor o yo a ellos, como sea, fue algo enteramente recíproco (más tarde les colgaré por aquí la canción, por si no la conocen).

Las declaraciones de amor terminan con “Too Much” en la que los excesos son el orden del día: I’m a crazy creep, I got it coming to me, ‘cause I’m not satisfied, hunger keep on growing. I eat too much, I drink too much, I want too much… too much. “#41” y “Say Goodbye” van encadenadas, en el sentido que el outro de una es el intro de la otra (respectivamente); la primera es una mirada introspectiva sobre el futuro, sobre el pasado. Es lamento y deseo, es desesperación, salpicado todo con el sonido de un saxofón plagado de melancolía –bastante delicioso, por cierto-, el cual nos despide y nos da la bienvenida una vez que “Say Goodbye” entra en escena. He aquí otro intro muy largo, pero nada tedioso; es una introducción que nos resume la intención de la letra y de la canción: es una invitación cachonda, si se me permite, y la canción lo es también. Es el deseo de posesión, de goce y satisfacción; un vivir el momento, deleitarse y al final, seguir con la vida: Oh back to being friends, but tonight lets be lovers, we kiss and sweat, we turn this bed-tub thing to the best.

“Drive In, Drive Out” vuelve a cambiar el tono del ambiente que hasta el momento se va formando, en parte por marcar el inicio de la segunda mitad del disco y en parte por virar hacia un caos armónico, paradójicamente, en donde la áspera voz de Matthews y la viveza de los instrumentos se mezclan para gritar cierto hartazgo hacia lo ridículo de las cosas. Toda esta acumulación de adrenalina cae estrepitosamente hacia la calma y el susurro en “Let You Down”, la cual pueden adivinar el contenido por el mero título. Tras ella, los ánimos vuelven a su sitio con “Lie in Our Graves”, una pieza que retorna al locus amoenus; el ocio en donde se es válido pasar el tiempo ensopándose los pies en el agua. En “Cry Freedom”, Matthews canta a manera de imploración: Cry, freedom cry, from deep inside where we are all confined. Muy apropiada para “la situación” y es que dicha situación sucede en todos lados: la desensibilización del ser humano.

Las últimas dos piezas componen el humor y se despojan de toda densidad. “Tripping Billies”, iniciando con una batucada en crescendo, invita a beber y bailar. Cualquier canción con la palabra “tripping” en el inicio no puede ser tan difícil de descifrar, menos cuando por ahí en la canción escuchamos las palabras dragón, whisky y felicidad… eat, drink and be merry, buenísimo consejo. Y cerrando un soberbio disco, “Proudest Monkey”, que a mi manera de escucharla y sentirla, es la representación musical de la ingenuidad y la inocencia, en donde se humaniza al animal o se animaliza al humano, quien en este caso es Dave, aunque el molde nos queda a todos.

Crash fue mi descubrimiento y mi llave a los mundos posibles. Es un álbum que permite envolverse en la música hasta el punto de terminar perdido en ella. Es una obra atemporal, pues así como la escuché hace once años, la escucho hoy, incluso mejor. Supera absurdamente a mucha de la música que se hace hoy en día, música sin sustancia, sin esencia. Crash es un álbum que debería ser de cajón, bueno, como lo es la obra completa de Dave Matthews Band. Igual y le hecho demasiadas flores, habrá gente que no soporte el sonido del grupo, lo cual se me hace difícil de creer; o lo sienta saturado, aun más difícil de creer, en fin, es válido. En mí toma semejante importancia ya que crecí con esta música (entre otra). Descubrir música a los 13, 14 años es una de las mejores cosas que a uno le pueden suceder, porque a esa edad se está justo en medio del acné-adolescencia, del feísmo personal, de la confusión existencial y el odio al mundo, o bueno, a ciertas cosas de él… bueno no, a todo.

Confesiones de una fumadora

2010-11-04T11:47:00.000-07:00

En 20 días dejaré el cigarro. Lo digo… lo pongo por escrito para atarme más a esa meta. No quiero usar la palabra intentar, porque intentar conlleva implícitamente que lo más probable es que esa empresa sea un completo fracaso. Me dolerá muchísimo, es uno de esos pequeños placeres que realmente disfruto. Un cigarro con el café. Un cigarro mientras leo. Ver películas con un cigarrillo que lentamente perece, dejando esa estela de humo en la oscuridad, iluminado poéticamente con la luz de la televisión, con la luz de una vela o una tenue luz ambiental. Fumar en el frío, al sol, sintiendo como las células del cuerpo se relajan y el cerebro despierta. Fumar después de… fumar antes de… Cuando escribo, o intento escribir, el cigarro siempre me inspira. Cuando voy a los toquines, fumar mientras el rock truena con todo su esplendor a través de las bocinas. Mientras bailo. Mientras bebo. Mientras estudio. Para los exámenes, Dios sabe que siempre es necesario uno antes y uno después. En la época de finales. Entre clases. Mientras manejo con las ventanas abajo y el volumen del estéreo a todo lo que da. Fumar en la soledad. Fumar en compañía. Fumar durante el chisme. En la tristeza y en la alegría…………

…. ¡puuuuta!

(sin título)

2010-11-03T12:50:00.000-07:00

Han pasado tantas cosas. En esta ciudad, por bien o mal que sea la cosa, uno no puede decir "aquí nunca pasa nada", porque la realidad es completamente otra; repito, esto no es ni bueno, ni malo, la verdad no sé qué rayos sea. Lo que sí es cierto es que por el todo o por el nada, uno tarde o temprano se ve lanzado contra la vida, contra su propia vida; uno se ve golpeado por todos lados, por todas las personas y por todas las situaciones, obligado a preguntarse el tan común "¿y qué rayos estoy haciendo?" y el "¿para qué estoy aquí?", también el "¿cuál es mi camino?". Si tan solo Delfos estuviese a la mano para acercarnos a preguntar. Si tan solo esa mágica bola del 8 fuese real. Si tan solo... si tan solo. La verdad es que, me he cansado de hacer preguntas, de tratar de leer el té, el café o las sobras de cerveza, de intentar interpretar las formas del humo del cigarro o abrir un libro al azar y ver si hay respuestas escondidas, encajonadas, metaforizadas. A veces me gustaría creer que sí las hay, incluso que están en los lugares más obvios, más claros y sencillos, ahí, justo en la punta de la nariz... el último lugar en donde se nos ocurre buscar. Y bueno, por otro lado, no sé si realmente me gustaría encontrar las respuestas, no sé si me gustaría tener ese mapa del futuro, la verdad es que eso de no saber tiene sus virtudes y sus méritos.

....

...

Espero ya poder dejarme de cosas y regresar... regresar a ser yo.

Octubre

2010-10-14T09:39:00.000-07:00

Maldición, ya estamos justo a la mitad del mes y yo nada que me aparezco por aquí. Me doy pena, me doy vergüenza. Le hecho la culpa a dos cosas: primera, eso de no tener internet ya me está rete-hartando. Por como la quieran ver, mi casa es una isla incomunicada con el mundo exterior, sólo vivimos Domingo y yo, Robinson. Segunda, este semestre tanto en mi escuela como... en mi escuela, porque no tengo trabajo de momento, vaya que se han cargado la mano con las lecturas, así que el tener mi nariz metida en El grado cero de la escritura de Barthes o El águila y la serpiente de Martín Luis Guzmán, me han mantenido alejada de mi querido diario ciberbloguero, su casa.

Eso sí, he estado escuchando una cantidad de discos MUY buenos, así como me he aventado un par de películas exquisitas y unas lecturas que ni les cuento. Voy anotando listas de temas en un cuaderno para que no se me olvide nada y regrese aquí, con todos ustedes a chismearles un rato sobre todo ello. Por lo pronto, les dejo mis recomendaciones de música, mismas que he estado escuchando hasta el cansancio:

(entre otros)

Have One On Me, Joanna Newsom

2010-09-21T07:45:00.000-07:00

Johanna Newsom no es un nombre muy conocido, al menos no en esta ciudad, ya quién sabe en el país, y lo que ella crea no es nada convencional. Incluso, para quien no mantenga una mente abierta, será poco digerible, y esto lo digo en el mejor de los sentidos, porque su música es verdaderamente especial, original y sorprendente.

“No hay quinto malo” dicen por ahí. Si esta frase la pueden aplicar para cualquier secuela fílmica de esas que no merecen la pena verse, con mucha más razón aplica en el caso de Newsom y Have One On Me, su quinto álbum (si se cuentan dos obras previas lanzadas de manera independiente) en una muy impresionante carrera musical. Dentro de una larga tradición de mujeres con voces peculiares, Joanna se lleva el premio. Su estilo es tan singular como aquel que Björk introdujo en el mundo de la música, aunque Joanna recuerda más a la bandera folk ondeada hace algún tiempo por Joni Mitchel, quien serviría como mejor referencia para entender la música de Newsom.

El álbum corre durante dos horas, a lo largo de tres discos, y restregando ante nuestros oídos, o qué digo oídos, restregando frente a nuestros sentidos, una obra épica que captará nuestra imaginación y que seguramente nos transportará hacia lugares jamás imaginados. Joanna ciertamente ha evolucionado en todos los aspectos técnicos y creativos: la letra, la música y sobre todo, su voz. De comparar un álbum como The Milk-Eyed Mender a Have One On Me, la diferencia se convierte en algo abismal, por dramatizar un poco.

Encontrarse una obra artística de este calibre, una que pide lo mejor de nuestra atención, es un maravilloso alivio, dentro de una cultura musical que exige cada vez menos de su público y entrega un tanto menos a eso: música automática, mucha forma y nada de fondo. Artistas como Newsom nos regresan la fe en esa verdadera creación artística, con géneros que ya no pueden llamarse puros, sino eclécticos, mezclando el folk, con tintes de jazz, blues y un pop que podría llamarse barroco, por estar tan cargado de sonidos, que antes de aturdir armonizan.

(Hace rato que había escrito esto sobre el nuevo álbum de Joanna, el cual salió desde principios de este año.)

Por la noche...

2010-09-21T07:18:00.000-07:00

Queridos lectores que habitan este planeta de cada vez más no-lectores, no tengo mucho qué decir esta noche (o mañana para cuando lo lean, o tal vez noche nuevamente). Llevo más de dos horas leyendo, sentada en una cómoda y bonita silla de las cuatro que integran mi pequeño antecomedor, a falta de un buen sillón –es esto o la cama, pero de ser la cama sé que terminaría dormida al poco rato, o también el piso, pero después de un rato me duele el derriér-. He estado leyendo El libro vacío por Josefina Vicens, un libro que nunca había escuchado nombrar hasta hace poco, y que por encargo escolar es que lo leo. Les confieso que estoy disfrutando muchísimo de su lectura. La última vez que me saboree un libro de esta manera fue con Diderot y su Jacques el fatalista. Generalmente soy una lectora de esas lentas que de vez en cuando debe regresarse un par de párrafos para releer lo recién leído. Mi retención tiende a fallar también de vez en cuando. Sin embargo, no ha sucedido tal cosa esta ocasión, lo cual me ha hecho leer con cierta rapidez, lo cual me ha inyectado una especie de emoción infantil, ya saben, como cuando recitamos por primera vez las tablas de multiplicar sin titubeo alguno y completa confianza, o como cuando podemos recitar al derecho y al revés las diferentes declinaciones del latín, o como cuando logramos hacer que el carro encienda (en caso de que no quiera encender) sin necesidad de hablarle al hombre de la casa.

Mientras leía, escuché durante dos horas y pico, una y otra vez, un disco de Louis Armstrong que alcancé a bajar durante una clase en la cual se veía algo sobre Estructuralismo, principios lingüísticos y cosas por el estilo (si puse atención, lo prometo)… Louis va muy bien con El libro vacío. En especial el capítulo en el que José García decide ser el elegido para alegrar la vida de common-man, el hombre que ha sido vencido por la vida, el dinero, el trabajo y la mala suerte; en ese preciso momento, “What a Wonderful World” se escuchaba con la rasposa y sensual voz del Armstrong (así es, sensual). Demasiado prosaico tal vez, aunque en el momento fue una “algo” altamente placentero y que me llenó la piel de bolitas. Pero finalmente, capítulos más tarde, tuve que renunciar a la lectura a causa de los ojos, los cuales comenzaron a llorar, con venas venas saltonas, mismas que se tornaron de un rojo muy intenso. Al terminar intercambié a Louis por Esquivel.

Siempre que hago tarea, el antecomedor termina hecho un desastre. Ya no hay pedazo de la superficie que permanezca visible, todo se convierte en un mar de hojas, libros apilados, diccionarios abiertos, libretas de apuntes abiertas; la pluma aquí, el lápiz allá, el libro que, según yo leeré al terminar las labores, está en la esquina, el cenicero con tres colillas arrugadas y la cajetilla ya vacía. Una taza de café a medio terminar, un vaso que hasta hace unos segundos contenía agua al tiempo; mi celular que jamás suena (y no porque no sirva, sino porque nadie me llama, sólo mis padres), un pequeño encendedor de color verde-chinga-pupila, el anillo de matrimonio que me he tenido que quitar debido a que me queda un poco grande y se me resbala con cada golpe al teclado. Y ya cuando todo llega al punto de la exageración, debo de apilar las cosas, ordenadamente, en cada peldaño de la escalera. Pero qué puedo decir, me gusta mi desorden; lo caótico me llena la cabeza de ideas, me inspira, razón por la cual apilo las cosas… es un orden desordenado.

Bueno, eso fue todo. Leer El libro vacío provocó la necesidad de escribir, así como José lo hace en su cuaderno número uno; escribir sobre nada en específico, simplemente divagar. Y ahora, dejaré de escribir y permaneceré quieta, escuchando música, escuchando una orquesta tocando bajo la dirección de Esquivel, con un coro cantando “…y tal vez ni siquiera en tus sueños te acuerdas de mí… en el mar, junto a ti, junto a ti, junto a ti… Nocturnal… nocturnal”, mientras me fumo el último cigarro de la cajetilla que mi esposo dejó olvidada sobre la mesa.

Una llamada de atención, la canción fuera de tiempo según Blur

2010-09-18T14:42:00.000-07:00

"Out of Time", canción perteneciente al álbum Think Tank de la súper banda britpopera Blur, es otra de mis favoritas y una que yo podría poner entre sus diez mejores canciones. Años, varios años antes de este álbum, “The Universal” profetizaba la esclavitud tecnológica a la sociedad; la victoria del capitalismo, el consumismo y la globalización. Estos tres puntos tan específicos y deplorables, son la única razón por la cual existen guerras el día de hoy (Irak – Estados Unidos). Ante la amenaza de guerra, el mundo entero se levantó para protestar en contra de ella sin obtener éxito alguno. Desatándose la guerra, las protestas siguieron y siguieron, en forma de películas, de literatura y de música, entre otras, y "Out of Time" es una de esas canciones creadas con el propósito de la reflexión: “Where’s the love song?/ Set us free/ too many people down/ everything turning the wrong way round”, canta Albaran.

Sí, parece que todo corre al revés y nos hemos salido del tiempo; nos hemos atascado en un eterno purgatorio inducido por la bestia capitalista y nos hemos dejado arrullar por su hipnótico y tentador canto, en donde muchos terminamos arrollados y arrastrados por la corriente y otros logramos sujetarnos firmes en contra de ella. Incluso el grito que se escucha al inicio de la canción, es nada más y nada menos que aquel del mismísimo Dr. Who. Un tiro acertadísimo, pues el Dr. Who es un personaje de televisión que viaja a través del tiempo para hacer y deshacer nudos. Buena metáfora para todo lo que está pasando. Obviamente nosotros no podemos meternos a una cabina telefónica y viajar a través de la historia para enmendar nuestros varios errores, lamentablemente; lo que sí podemos hacer es tal vez dar el paso hacia el despertar de la conciencia y decidir no seguir siendo arrastrados por la corriente. "Out of Time" es una canción que me hace pensar en todo esto, esta canción me sacude y golpea la conciencia, me avienta rocas y sacos para que en ellos me meta y me los mida. Sartre estaría orgulloso… creo.

Fuera del obvio mensaje impreso por parte de Albaran, la canción le tira a ser una balada acústica dedicada a la conciencia humana. Tal vez suene cursi o ridículo, pero si la han escuchado seguramente sabrán de lo que hablo y si no la han escuchado, tómense unos 4 minutos para sumergirse en una delicia melódica.

“And you’ve been too busy lately that you haven’t found the time/ to open up your mind/ and watch the world spinning gently out of time”.

The Walkmen y lo que me sucedió cuando osé asistir a mi primer concierto

2010-09-09T20:12:00.000-07:00

“We’ve Been Had” fue la canción con la que todo inició. Ese piano que embrujaba como con una canción de cuna, haciendo el “ven pa’cá” con el dedo índice; esa melodía salvajemente tranquila, el ritmo embelesador de sentidos… la sumatoria de estos elementos me cautivó y a partir de este punto me volví fan de esta banda neoyorkina. The Walkmen ya tienen rato moviéndose en la escena musical internacional y la sólida base de fans que a lo largo de los años se ha formado, como yo, se mueve en armonía con ellos. No es una banda que pueda llamarse comercial (gracias a Dios), en el sentido que Lady Gaga es comercial, o Madonna es comercial, o Coldplay es comercial… no. Estos muchachones mantienen su dignidad, su integridad, su carácter y su personalidad. Mantienen los acordes y los riffs, los ritmos y los beats. Mantienen su esencia, aquella que no cambia, que no se destruye. Evoluciona el sonido, evolucionan las letras, pero siguen siendo los mismos, rockeros, geeks y encantadores.

Hace unos años, The Walkmen fue la banda telonera en el tour de Incubus (no me pregunten cuál, porque no recuerdo), y visitaron la vecina ciudad de El Paso, Tejas. Mi mejor amigo llegó un día y me dijo “he aquí un boleto extra, intencionalmente comprado para mi novia, con la que acabo de cortar… ¿quieres ir?”. Me valió ser plato de segunda mesa, el concierto lo valía. Claro que quería ir, era The Walkmen e Incubus me gustaba rete-harto también. Así que me preparé para vivir mi primer concierto y gritar con todo el aire de mis pulmones; la emoción era demasiada, tanta que las venas de mi frente no paraban de punzar. Llegamos por fin a la caseta, después de una hora y tanto que hicimos de línea. El oficial pide los pasaportes, revisa el mío, me voltea a ver y me dice que me baje del carro y me regrese: “su pasaporte ya venció”. Le quité de las manos el cuadernillo verde y vi que llevaba vencido tres días. Por más que rogué y expliqué, con toda la amabilidad y la ternura de una muchacha melómana que nunca ha ido a un concierto puede demostrar, que sólo eran 3 pinches días y yo ya contaba con el boleto del concierto. “Nou, usted nou puede pasaorrrr. Se baha de el carrou ou los ruegresou a todous”, me contestó; así pues, me bajó del carro y con el orgullo, la dignidad y los sueños aplastados por el Tío Sam, caminé derrotada de regreso al otro lado, a mi lado. Gracias a mi madre que llegó con una hamburguesa para así poder ahogar las penas con el comestible consumismo gringo.

Mientras la oportunidad me vuelve a tocar a las puertas, The Walkmen me llega con Lisbon, lo más nuevo dentro de una obra discográfica que va creciendo a paso constante y seguro, y mientras lo escucho una y otra y otra vez, puedo decir, con absoluta seguridad, que han retornado a su lugar de origen, revisitando y rehabilitando ese sonido ya característico el cual corre como líquido medular. Sórdidas guitarras emulando algún tipo de Surf o Rock-a-billy. Ritmos de una complejidad bastante sencilla, acompañados por la aguda, y un tanto gangosa, voz de Hamilton Leithauser. Lisbon no es un álbum excelente y definitivamente no sobre pasa la grandeza de You & Me, no es un álbum tan violento y ruidoso como Bows + Arrows, y ya no cuenta con esa tierna ingenuidad de su debut, sin embargo, hay algo. Tiene un no sé qué, que qué se yo. Tiene, como he dicho, esa esencia que tanto nos gusta (a los fans) de The Walkmen. Tal vez sea que las canciones parecen ir fuera de tiempo o la crudeza de la composición. O simplemente es el mundo al que nos introduce, un mundo en donde se puede decir “déjame en paz… me vale madre todo”, un mundo en donde nos desquiciamos moviendo frenéticamente los pies al ritmo de cada canción, un mundo en donde es válido tocar air-drums o air-guitar. El mundo de los toquines, los bares, los cigarros, los converse y los entubados. Quizá quien no guste de esta banda, escuche Lisbon y sienta ganas de vomitar (porque se vale), quizá, incluso, habrá el fan que diga “esto es mierda”, pero por lo pronto, esta fan (o sea yo) está de lo más divertida moviendo frenéticamente la cabeza, tocando air-drums con el volumen a todo lo que da.

Confesión para un jueves

2010-09-09T20:11:00.000-07:00

Me preguntaron hace no mucho tiempo, por qué me dedicaba a escribir cosas como reseñas u opiniones de discos, películas y cosas por el estilo, y no escribía sobre la problemática social de la ciudad o del país. En ese momento me sentí un poco estúpida por ello, me dolió la conciencia y dije “es cierto, ¿qué estoy haciendo?”. Días después caí en cuenta de que no tenía, ni tiene, nada de malo; no es que no me interese, o que no me preocupe, porque si algo me define, es el ser muy preocupona, demasiado (lo cual es muy malo, lo sé. No es indiferencia a la situación y tampoco es que no quiera correr la voz sobre esto, pero es que, parece que ya todo el mundo lo único que hace es platicar sobre el tema, y no es para poco la cosa. Pero a veces, el hecho de voltear hacia cualquier lado y no escuchar más que “y mataron a… y robaron a… y extorsionaron a… y el gobierno aquí… y el gobierno allá…” es cansado, muy cansado. Es estresante, es triste y desesperante, y lo único que provoca es que uno quiera correr a casa a hundirse en una total y profunda depresión. Mi forma de ver las cosas, va un poco por el otro lado. A veces es tanta la información negativa que se recibe durante el día; una exagerada saturación de crisis, problemas, violencia, miedo, confusión, etc., que es difícil encontrar un punto que se mantenga estático entre tanto caos. El punto estático en el que yo encuentro descanso, en el cual yo puedo respirar tranquila y sonreír es la música, el cine, la pintura, la literatura. Ese punto estático es lo que me recuerda que hay muchas cosas buenas que aun valen la pena descubrir, saborear, analizar, compartir y platicar sobre ello. Ese punto estático es lo que me dice que así como yo, hay muchos, miles y millones que buscan ese pequeño cambio, tener también ese pequeño, diminuto e “insignificante” punto estático. Por esa razón escribo lo que escribo, por esa razón me gusta lo que me gusta y me hundo y embarro en la belleza del arte. Como dijo Plotino, el arte es el medio por el cual llegaremos a esa esfera superior, a la salvación.

En los suburbios

2010-09-06T08:03:00.000-07:00

¡Hola querido blog! Ya te extrañaba. Agosto fluyó en una egoísta negligencia de mi parte hacia ti gracias a dos importantes acontecimientos: número uno, inicié el semestre en la universidad, con los primeros días como si fuesen los últimos, parecía que todos los días entregaba un trabajo final, y dos, no sabía qué escribir o de qué escribir. Tal vez por tanta cosa mi mente se secó casi por completo, pero no problemo, todo vuelve a la normalidad, incluyendo los fluidos cerebrales (ideas y opiniones incluidas). Esta mañana, de no sé qué día de septiembre, he amanecido con una bendita cruda y con la cabeza partida en dos. Aunque dos cafeaspirinas ya dieron solución al problema, aparentemente. Lo único que falta es saciar la sed y apagar el horno que parece estar encendido en mi estómago (temo que ya comienzo a sufrir los horrores de la gastritis, ¿signos de la edad?). Pero como dicen, lo bailado ni quién me lo quite. A lo que iba. Siendo que Orfeo se ha negado a cantarme canciones de cuna, a este lo he sustituido por mis habituales listas de música.

Hace rato que tengo almacenado en mi disco duro el nuevo álbum de Arcade Fire, The Suburbs y no había dicho nada al respecto (lo siento mucho). Según las estadísticas, lo había escuchado alrededor de 12 veces, pero no había prestado mucha atención sino hasta este momento y puedo decir, así de primeras a segundas, que los 80s llegaron ya. Bueno, llegaron desde hace mucho, desaparecieron y las corrientes y modas musicales hicieron que reaparecieran después de casi 20 años de ausencia. El sonido sintético que esa década de extravagantes peinados y atuendos trajeron al mundo, se ha rehabilitado para presentársenos fresco, jovial y con un par de cirugías cosméticas aquí y allá. Bandas como M83, Stars, Passion Pit, Animal Collective, etc., dieron muestras claras que la corriente ochentera (si es que se puede llamar así) era el punto primario de inspiración e influencias. Arcade Fire parece haber agarrado ese mismo tren.

The Suburbs es un álbum que, al igual que Neon Bible y Funeral, vuelve la mirada al pasado; es un ahogarse en la nostalgia del ayer para compararlo con la fatalidad del hoy: Now our lives are changing fast/ Now our lives are changing fast/ Hope that something pure can last. Sí, tal vez parezcan disco rayado, pero el estilo musical renueva su ya conocida visión del mundo, dejando de lado un poco lo orquestal para dar paso a los sintetizadores como en “We Used To Wait”. Incluso revisitando el punk inglés en “Month of May”, la canción que más resalta en el disco y quizá la más light (en cuanto a la letra); imagino que por eso fue sucedida de “Wasted Hours”, la cual vuelve a calmar los humores con un ritmo folk y tranquilo. Incluso, hasta por el mismo título, parece arrepentirse de haber perdido el tiempo en el sinsentido del punk; como si hubiese culpa alguna que pagar por regocijarse en el infinito placer que provoca una buena canción. No lo sé, parece muy jalado lo sé, pero eso es lo que a mí me pareció.

Este nuevo álbum de esos tan poéticos y (a veces) muy serios canadienses, sí es en definitiva una evolución en cuanto a los estilos y los sonidos, en cuanto a ritmos y actitudes. Es un álbum que mantiene coherencia de principio a fin y no hay una canción en ella que uno llegue a pensar “como que esto no va”. Este es uno de esos discos que bien se escuchan sin adelantar nada, porque todo es bueno, quizá diga mucho; quizá en un par de meses ya no sea así, pero por el momento, lo disfruto mucho.

Mientras llueve

2010-08-17T14:22:00.001-07:00

Después de unos horrendos días en donde el calor no daba tregua y las nubes tan sólo jugaban cruelmente con nuestros sentimientos, llovió por fin. Llovió, llovió y llovió. Tronó, tronó y tronó. La luz se fue y vino y se volvió a ir… y volvió a llegar. Y el agua entraba por adelante y por atrás. Ahora, tengo un pequeño patio bajo agua y ahora ese líquido precioso se filtra por las ranuras inferiores de la debilucha puerta de madera. Es por eso que me he resignado a solucionar un problema que no sé cómo solucionar, atascada en este islote sin comunicación alguna con el mundo exterior, me he calentado un plato de macarrones y una fría, y me he puesto a jugar solitario, sumándole la triste noticia de que no he podido ganar.

Parece una de esas leyes de Murphy… lava el carro y lloverá. Limpia tus pisos blancos y lloverá, y los pies llenos de lodo y agua y cuanta mugre arrastre el agua, habrán de terminar ultrajando la inmaculada belleza de una casa recién lustrada. Pero no me quejo, me gusta la lluvia, me gusta el sonido que produce cuando las gotas caen estrellándose estrepitosamente contra mi techo. Me gusta el sonido del trueno y la luz del relámpago, me gusta el olor a tierra mojada, me gusta el frío húmedo que resulta de esa veraniega refrescada. Aunque debo admitir, me gustaría mil veces más si hubiese algún triste cigarro en toda la casa y si el agua no estuviese transpirándose en mi cocina. Lo bueno (muy bueno) es que no tengo goteras.

Por poner algo, nomás por eso.

2010-08-13T15:58:00.000-07:00

Ya mero... ya mero vengo, nomás termino de leer a Platón, Horacio, Rabasa y... y.... sé que tengo que leer a alguien más. En fin. Pero ya mero.

(sin título)

2010-07-27T07:17:00.000-07:00

Si son constantes lectores de este humilde blog, sabrán que su servidora, esta muchachona chaparra y curiosa, yo, soy una verdadera melómana, osease, una completa y absoluta obsesionada, traumada, enamorada, de la música. La música es mi todo, o mi segundo todo. Bueno, no entraré en clasificación, pero sí ocupa un lugar MUY importante en mi vida. La música me sigue a todos lados; siempre escucho música, siempre traigo una canción en la cabeza, mis pies inevitablemente siguen el ritmo de las melodías, amén de que en donde me encuentre reine nada más que el absoluto silencio. No es distracción, no es locura, es un complemento, es mí complemento. Yo no soy yo sin ella. Aunque yo no la busque, la música me encuentra, me busca y siempre llega en el mejor de los momentos, con el mejor de los consejos; sabe cuándo quiero reír y cuándo quiero llorar, cuándo pido concentración y cuándo distracción. Incluso sabe callar cuando necesito ese momento (nada común) de completo silencio y abandono, aunque llegue muy, muy esporádicamente.

Puedo platicar largo y tendido sobre el tema. Incluso puedo llegar a discusiones sobre ello. Los debates musicales me deleitan y encuentro gran placer en las personas que comparten esta misma obsesión, sobre todo cuando logran tener la mente abierta para probar y saborear diferentes cosas. Y creo que el tema no es algo que uno pueda llamar ridículo, sin sentido, pérdida de tiempo. La música ha estado presente en la historia por siglos y siglos y siglos, la ha recorrido hombro a hombro con el hombre, y con más razón aún, con nosotros, contigo, conmigo. No conozco a persona que diga “yo odio la música, no la soporto”. No lo sé, tal vez ustedes conozcan a alguien así, pero a mí me parece una idea bastante extraña por sí misma.

La vida sería tan seca, tan pesada si no tuviera ese eterno acompañante de dulces y embriagantes melodías. Viviría deprimida y sin inspiración. Mi creatividad se vería reducida al mero polvo de una débil imaginación. Incluso los sueños se convertirían en estáticas imágenes a blanco y negro. Estoy segura de que todos tenemos una canción (o muchas) que nos definen. Que cuando personas que nos conocen la escuchan dicen: “mira la canción de fulano o sutano”. Todos hemos sido presos de los recuerdos y la nostalgia cuando escuchamos esa canción. Por ejemplo, siempre que escucho “Michelle” de los Beatles, puedo recordar, como si fuera ayer, el estar tumbada panza abajo sobre la vieja alfombra que cubría el piso de la sala de mis padres cuando tenía 8 años y sentirme fascinada ante lo que escuchaba, y que cada vez que terminaba la canción, aplastaba el Rewind de la casetera y la volvía a escuchar, así hasta que podía yo cantarla de memoria, incluso los versos en francés. O cómo la primera vez que escuché el “Peace Train” de Cat Stevens, estaba en la camioneta de mi tía circulando por las Lomas en el DF, y sentí que la piel se me ponía chinita ante la letra de la canción y el sonido de la guitarra. O la primera vez que escuché “The Rat” de The Walkmen, sentí como todo lo que tenía embotellado muy dentro de mí, salía en una explosión de gritos y golpes sobre el volante de mi carro al ritmo de la batería y la guitarra, y que después de 5 veces de escucharla seguido, pude cantarla a ronca voz, sintiendo el poderoso y maravilloso efecto de la catarsis. En fin, podría continuar con la lista, pero creo que jamás terminaría; una vida entera podría contarse a través de canciones...

Heaven's on Fire por The Radio Dept

2010-07-19T22:05:00.000-07:00

Este es el segundo track de Clinging to a Scheme, la canción es "Heaven's on Fire" y podrán escuchar en ella el pequeño discurso del cual ya les había hablado. ¡Disfruten!

Un disco nuevo por The Radio Dept

2010-07-19T20:47:00.000-07:00

"People see Rock & Roll as youth culture and when youth culture becomes monopolized by big business, what are the youth to do? Do you have any idea? I think we should destroy the bogus capitalist process that is destroying youth culture".

Una maravillosa idea, ¿quién no ha pensado en destruir el sistema capitalista que tanto daño ha hecho a la sociedad? También, me encanta la idea del monopolio sobre la música, lo creo altamente ridículo; aunque incontables cantidades de hombres trajeados han intentado poner un alto al ir y venir de la música "gratuita", el peer-to-peer network y todo ese mundo que vive bajo la filosofía del "amor es compartir", jamás lo lograrán. Poner límites a algo tan grande, tan universal como la música, es sencillamente estúpido y algo que jamás sucederá. Y no es por entrar al debate de si esto es o no robar al artista, yo creo que no, porque de una manera u otra, es promoción hacia su obra. Las disqueras y los llamados labels son los que roban, estafan y transan al artista, pero los fans, los amantes del arte, los seguidores, el público no... ese no.

Blah, blah, blah... dejando aquello de lado (que no es la razón por la cual me asomé por aquí, aunque es muy interesante el tema), hace un par de días me topé con el nombre The Radio Dept. Jamás había escuchado nada sobre ellos, ni leído nada sobre ellos y con el simple nombre me llené de curiosidad, así que busqué Clinging to a Scheme, su más reciente álbum, lo escuché y lo amé, como todos los discos que por aquí les comparto. Simplemente ese pequeño discurso sobre el monopolio a la música, la influencia del capitalismo en ella y la cultura del Rock siendo algo que siempre ha pertenecido a la juventud, bueno, en realidad a todos, pero algo con lo que la juventud se identifica, sólo con eso me enganchó. La teoría literaria tiene un término para definir ese enganchamiento... espero recordarlo.

The Radio Dept es un trío que ha suplido el bajo y la batería por el sintetizador. Es una banda que usa, reusa y renueva cierto sentimiento musical ochentero y lo matiza con ciertos tonos influenciados por Joy Division y lo que a mi parecer se siente un poco a The Jesus and Mary Chain en "Just Like Honey", sin esa densidad emocional que tan palpable se sentía en ambos casos. No, aquí todo es más ligero, introvertido, nostálgico (tal vez), romántico, hasta sentimental en veces. "This Time Around", tercer track del álbum, abre con un sonido de batería Lo-Fi que recordará a las baterías de Stephen Morris. Por otro lado, en "The Video Dept", aflora lo que a mi parecer es un eco de The Jesus and Mary Chain, aunque ese punto está abierto al debate, ya habrá alguien que me desmienta. Clinging to a Scheme me pareció un muy buen álbum de principio a fin, salvo por "David", una canción que me sacó del hilo musical que ya iba creando, el ritmo parece sacado de algún capítulo del Príncipe del Rap (¿alguien se acuerda del programa con el que Will Smith comenzó su carrera artística?). Fuera de "David", los 34 minutos que compartí con esta fabulosa banda sueca fueron maravillosos, llenos de oxígeno y recuerdo. Un muy buen álbum para las decadentes vacaciones veraniegas.

Metiendo la nariz por aquí...

2010-07-14T13:35:00.000-07:00

¡Hola! Me he dado una vuelta por aquí, siendo que ya lo tenía un poco o un mucho abandonado. Eso del calor, las esporádicas lluvias, las buenas y las malas noticias, ayudan en gran parte a la sequía de ideas, opiniones y demás que seguidamente terminan en writer's-block. Esta semana he estado, y me veré en la posición de permanecer en completo y absoluto reposo por órdenes del médico, así que me dedicaré a escuchar muchos discos nuevos que he encontrado por ahí; cosas muy interesantes y raras como Cosmogramma, el nuevo álbum de Flying Lotus. Álbums absolutamente bellísimos como Renmin Park de Cowboy Junkies o el popero, feel-good por excelencia Jack Johnson con su nuevo To The Sea. Pero ninguno de ellos me gustó tanto como The Reluctant Graveyard por el cantautor Jeremy Messersmith.

De los 11 tracks que el álbum incluye, "John The Determinist" me dejó encantada. Una melodía lidereada por el sonido fuerte y vibrante del cello con un toque de melancólico violín y la increible voz de Messersmith. Es una canción densa, rebosante de imaginería, como bien debería ser la letra de una canción. Pero las joyas del álbum no se detienen aquí, siguen a través y a lo largo de 32 minutos de puro éxtasis musical, como en "A Girl, a Boy and a Graveyard", en donde se nos transporta a un cementerio, justamente como dice, con un chico y una chica, muertos, en un sentido completamente metafórico. ¿Qué hace uno en esta vida? Vivirla, todos morimos, pero no todos la vivimos... Underneath the concrete sky, Lucy puts her hand in mine, she says: "life's a game we're meant to lose, but stick by me and I will stick by you". Es una verdadera maravilla cuando uno se topa con este tipo de música o con este tipo de canciones que nos pegan de lleno en la cara y nos mueven y remueven las tripas y el corazón. Me gusta, me gusta como me hace sentir.

"Parece Simon & Garfunkel", me dijeron y es cierto. Es como si aquella poética marihuanesca del folk rock americano de hace ya algunos ayeres, encarnado en (obvio) Paul Simon y Art Garfunkel, haya recaído, cual fortuita herencia, sobre los hombros de un increíble talento como el de Jeremy Messersmith y en este The Reluctant Graveyard, se da vuelo con lo que puede hacer, tanto en la música como en la letra. Absolutamente refrescante para estos días calurosos en los que escasea tanto la sombra como la buena música.

Aquí abajo, la portada del álbum, que no sé ustedes, pero a mi me recuerda a los grabados de José Guadalupe Posada...

Rushmore, Wes Anderson

2010-07-05T08:37:00.000-07:00

Hace poco vi por primera vez Rushmore (Tres es multitud, 1998) del más que brillante director tejano Wes Anderson, su segundo largometraje precedido por Bottlerocket, la película que lo lanzó a la fama, gracias a James L. Brooks, quien tuvo la fortuna de descubrir el talento narrativo de Anderson y Owen Wilson (ambos eran compañeros de escuela y se dedicaban a realizar guiones y cortometrajes). Esa mancuerna funcionó nuevamente con Rushmore y con la cual tanto Anderson como Wilson obtuvieron notoriedad y respeto dentro de la industria cinematográfica, tanto por sus habilidades narrativas, como por la dirección o la actuación (esto en el caso de Wilson quien más tarde se consolidaría como actor). El director parece no haber sido afectado por la creciente y crónica falta de originalidad entre el séquito de directores, productores y escritores hollywoodenses que parecen sufrir de él, al contrario. Anderson, o si cariñosamente le quieren llamar Wes, como yo lo hago, es un creador en el amplio y profundo sentido de la palabra; un innovador, un visionario y un artista. Sus películas no se sienten como un conjunto de procedimientos técnicos, ya saben, mucha faramalla tecnológica para quitar la atención de una historia que nada ofrece.

Rushmore, es la historia de Max Fischer, un excéntrico muchacho que vive en una constante fantasía sobre él mismo, recreando la realidad que no acepta como suya, al ser el hijo de un pobre barbero. Tras ser acreedor de una beca, Max logra entrar a la muy prestigiada, y un tanto elitista, academia Rushmore, el más grande amor de Max, ya que representa todo aquello que él no es y quiere ser. Es, en verdad, una pasión para él y se desvive por el colegio, creando grupos y participando en una exagerada cantidad de actividades extracurriculares, lo cual termina por convertirlo en el peor estudiante que jamás haya entrado a la academia. Ahí es en donde conoce a Herman Blume, un rico y exitoso empresario que vive infeliz a causa de su familia con quien no encuentra relación alguna, fuera de la relación sanguínea, pero que en Max encuentra a su mejor amigo. Max conoce también a la Srita. Cross, una maestra de preescolar, inglesa, hermosa y viuda, y de quien se enamorará perdidamente. A su vez, ella se enamora de Blume y Blume de ella, creando un triángulo amoroso que terminará por cargar el resto de la trama hasta el clímax de la película.

Bill Murray interpreta a Herman Blume, papel con el cual dejó detrás, muy, muy detrás, su vida de cazafantasma y con el cual le demostró y le restregó a la crítica americana (y a la del mundo entero para esto) que él sí sabía actuar, que esa es su vocación y que es una chingonada en lo que hace. Demuestra qué tan multifacético puede ser y que se desarrolla tan bien en el drama como en la comedia, incluso mejor. Su actuación es perfecta y mantiene una muy buena dinámica con Jason Schwartzman, quien interpreta a Max Fischer, formando una especie de odd couple. Rushmore es la presentación de Schwartzman al cine. Puede ser un nombre no muy conocido, ya que se ha mantenido con pequeñas películas de arte o independientes, pero que en cada una de ellas es capaz de robar escena, como es el caso aquí. Tanto él como Murray, se han convertido en actores “fetiche” de Anderson, quien generalmente los invita a participar en sus películas, especialmente Murray quien ha aparecido en 5 de las 6 películas que el director guarda bajo su axila.

Las historias de Anderson son inconfundibles y siempre giran en torno a una misma carga temática, ya sea la familia, la amistad, la soledad, la redención, el cagarla y volverse a levantar, el perdón y el vivir la vida; trata cada uno de estos puntos con un laconismo que maravilla y extraña, que divierte y nos empuja a la contemplación. En este caso, un bien podría terminar odiando a Max por desear a la maestra Cross de una manera tan enfermiza, pero al final, uno se identifica con el sentimiento de soledad o confusión por el cual podría estar pasando. O también si tomamos al personaje de Blume, quien vive en un constante estado de depresión gracias a la bestialidad de hijos irrespetuosos que tiene o la esposa que parece odiarlo y ponerle el cuerno frente a su cara, y que de todos modos, logra encontrar todo lo que le faltaba en la amistad de Max o la mutua atracción entre la Srita. Cross y él. Cuando el personaje de Murray salta en escena, uno no sabe si reír o llorar ante la melancolía reflejada en su rostro.

Rushmore es una película que corre a un ritmo melódico, nada lento, nada torpe. El ojo de Anderson nos proporciona una poética visual rebosante de melancolía, con encuadres perfectos y ambientes musicales que hechizan; si bien se puede decir que Anderson es un director prodigioso, también se puede mencionar, o se debe de hacerlo, que él es un melómano hecho y derecho. Prueba de ello es la deleitable recopilación de canciones que va desde The Kinks, Cat Stevens y The Faces, hasta The Who y John Lennon, sin mencionar los temas de Mark Mothersbaugh que complementan a la perfección la narrativa de la película. En cada uno de los temas musicales, ya sean creación de Mothersbaugh o The Kinks, reflejan la extraña personalidad de cada personaje, con Max brillando por encima de todos. Es una maravilla poder explorar personajes o tramas a través de la música, John Lennon dice tanto con “Oh Yoko” en una escena como cualquier otra cosa. Así como “una imagen dice más de mil palabras”, a veces una canción puede decir más que una imagen… y en Rushmore abundan las imágenes, los detalles y las canciones. Con esta película, Wes Anderson se ha ganado uno de los peldaño más altos en mi lista de directores favoritos (y eso que ya estaba muy arriba).

Insomnio y Perdidos en Tokio

2010-06-25T13:13:00.000-07:00

Faltan 15 minutos para las 3 de la mañana, o como diría Bergman (ese es Ingmar), “la hora del lobo”. Pasé cerca de una hora cambiando obstinadamente los canales, pero ¿qué puede esperar uno de la tele abierta en la madrugada? En menos de una hora, intentaron venderme unos zapatos que, con tan sólo ponérmelos me hacen bajar de peso, una máquina que me ejercita todos (así es, todos) los músculos del cuerpo y un aparato que rebana o procesa cualquier tipo de alimento, con el cual puedo preparar comida para toda la familia Brady en menos de 10 minutos. Tuve que desistir de tan buena programación y mejor puse una película, una perfecta para la ocasión, hecha para los que como yo no pueden dormir… Perdidos en Tokio de Sofia Coppola, una de mis películas favoritas. Creo que la he visto unas, no sé, 100 veces. Para muchos, la segunda obra de la hija de Francis no es nada especial, incluso la encuentran aburrida, lenta y sin sentido alguno. Yo no. Yo la amo y la puedo ver y ver sin perderle interés. Tal vez sea porque los dos personajes principales sufren de insomnio como yo, por lo que puedo empatizar y simpatizar; o tal vez sea el aparente laconismo que se mantiene latente durante toda la película. Sea lo que sea, me gusta.

Charlotte y Bob son dos personas totalmente distintas, con vidas diferentes y de generaciones diferentes; después de conocerse, descubren que los une un vínculo de soledad y confusión, tanto de la vida como de la cultura en la que actualmente se encuentran. Charlotte, interpretada por la sobrevaluada Scarlett Johansson, es una mujer inteligente, casada y perdida en la vida, pues no sabe qué hacer con ella misma; la eterna indecisa. Bob, interpretado por Bill Murray, es un famoso actor atrapado en Tokio para filmar una serie de comerciales para un whiskey japonés. A pesar de la fama y la riqueza de la que goza, Bob parece estar infelizmente casado, tanto con una mujer que ha dejado de comprenderlo como con una carrera que parece ya no satisfacerle como antes. La historia es muy sencilla, tal vez demasiado sencilla, aunque con mucha profundidad; es la historia de dos almas gemelas, separadas por el tiempo y las circunstancias que logran encontrarse en el otro lado del mundo y que pronto deberán separarse de nuevo. Es una historia que permite, hasta motiva, la interpretación de uno, sobre todo durante el final, cuando Bob le susurra algo al oído a una Charlotte que se ha quebrado en llanto y asiente ante las palabras de Bob. ¿Qué le estará diciendo? El idealista, el soñador, pensará que lo que le dice es que ambos se volverán a ver cuando ella regrese de Tokio. El realista pensaría que él tan sólo se despide de ella y le aconseja vivir su vida. El estúpido no pensaría nada.

Perdidos en Tokio es una película que yo recomiendo para quienes no pueden dormir, pero asegúrense de tener cigarros disponibles porque les dará ganas de fumar y tal vez beber sake o whiskey, pero ya de tener una botella de sake, eso si no lo sé (Charlotte fuma mucho y Bob bebe mucho). A resumidas cuentas, esta una película agradable y que tan sólo por la actuación de Bill Murray vale la pena, pues se roba la película, no está de más decirlo. Gracias a prodigios como Jim Jarmusch y Wes Anderson, Murray ha logrado reivindicarse como uno de los mejores actores de su generación. Sus papeles dramáticos son tan buenos, incluso mejores, que aquellos que llegó a desempeñar en la comedia.

Ya son cerca de las 4 de la mañana, la película está por terminar y creo que ya no dormiré, pero les deseo dulces sueños a todos. Bon nuit.

Domingo...

2010-06-20T14:27:00.001-07:00

Primero que nada, un saludo a todos los Papás que en su día están "surfeando" la web y que casualmente cayeron en mi blog, qué honor. Segundo, espero ya pronto actualizar este ciber santuario con varias cosas, desde música hasta fútbol... así es, fútbol. Incluso a mi me pegó la euforia del balón-pie.

Por lo pronto, un saludo.

Nomás por escribir...

2010-06-03T12:35:00.000-07:00

Son las nueve de la noche, me duele la cabeza, el ambiente sofoca la totalidad de los poros del cuerpo y no puedo siquiera disfrutar de un maldito cigarro sin sentir cómo los pulmones claman por oxígeno. Creo que dejaré el cigarro… algún día. Por lo pronto, aguantaré las ganas de jugar con el humo. Me preparé una taza de café hace algo más de 30 minutos, pero creo que el habérmelo tomado tan sólo propició que el dolor de cabeza incrementara y para sumarle a todo ello, que los ojos se sintieran hinchados, pesados y resecos, justo hoy, cuando deseaba dormir tarde y leer. Leer y escribir. Escribir y escuchar música. Insomnio inducido, insomnio deseado, insomnio sin culpa ni consecuencias. En fin, ganas unas, pierdes otras.

Sin suceso interesante qué comentar, este día lo he dedicado a terminar un libro que hace ya casi dos años adquirí en un Sanborns, y no, aún no lo termino, pero ya estoy cerca, muy cerca. Tan sólo he tomado un pequeño receso de la lectura para agarrar aire, estirar los dedos, descansar los ojos sin recurrir al sueño, pero divago. El delicioso libro que estoy por terminar es Crónica del pájaro que da cuerda al mundo del escritor japonés Haruki Murakami. Un libro imponente a primera vista, y a segunda, y a tercera, pero muy bueno. El autor recurre a un lenguaje muy sencillo y fluido. No podría encasillarlo dentro de algún género en específico, algo tiene de romance, algo de intriga, erotismo, historia, drama, tal vez pueda tener tintes de metafísico, aunque estoy casi segura de que ese no es el término exacto para definirlo; no sé. Este libro parece tenerlo todo y uno se da cuenta de ello cuando toma el enorme volumen entre las manos (el lomo es del tamaño de la palma de la mano, si se midiese con una palma de tamaño promedio). El libro lo comencé en diciembre del 2008 y la razón por la que lo voy terminando hasta ahora es porque muchas otras cosas se me han atravesado enfrente, como Poniatowska, Diderot, Molière, Payno, Quevedo, Hitchcock, Bradbury, Orwell, K. Dick, y muchas otras cosas más. Me distraigo con facilidad. Sin embargo, cuando regreso a la lectura, es fácil recordar todo lo que ha sucedido y lo que ha conducido al señor Okada a donde está. Y bueno, estoy a escasas 90-y-tantas páginas para terminar, así que si este dolor de cabeza da tregua, esta noche estaré terminando un libro más, para romper con esa estadística que dice que el mexicano lee en promedio un libro y medio al año… ¿o son dos? Los que sean, yo no seré parte de esa estadística y lo digo con muchísimo orgullo.

El siguiente libro que lea será nuevamente una novela de Murakami, Tokyo Blues (Norwegian Wood), novela, que por cierto, ya la han convertido en película, la cual saldrá a la luz a finales de este año o inicios del siguiente y que será musicalizada por el mismísimo Johny Greenwood, guitarrista de la superbanda Radiohead y compositor de la muy aclamada There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson… divago. No sé si lo han leído, estoy pensando que, en caso de que no lo hayan leído, lo puedan conseguir por ahí, lo lean y me digan qué pensaron de la novela; nunca lo he intentado, pero sería interesante ver qué pasa y ver a cuántos les interesa. Probablemente lo inicie mañana y me fijaré la meta de terminarlo en dos semanas, tal vez una, creo que es una novela corta, al menos muchísimo más corta que la que actualmente estoy terminando. Pero bueno, ya les platicaré ambas.

Por lo pronto, una hora más tarde doy por concluida esta entrada, sin cambio alguno en cuanto a dolores de cabeza, al menos los ojos ya no pesan. Me despido con “These Days” de Nico: “I’ve been out walking, I don’t do too much talking these days. These days I seem to think a lot about the things that I forgot to do, and other times I had the chance to. I stop my rambling, I don’t do too much gambling these days. These days I seem to think about how other changes came about my ways, and I wonder if I ever see another highway”.

Una canción sobre momias, arqueólogas y amor a primera vista.

2010-06-02T12:51:00.000-07:00

So Runs the World Away es el nuevo álbum del cantautor (o canta-autor) Josh Ritter y a penas lo voy escuchando; la primera canción, que no es canción es un intro, dura 56 segundos y como que pinta ligeramente el ambiente de lo que será el disco en su totalidad. Les puedo decir, en esto de las primeras impresiones, que parece estar muy dramático, lo cual me tiene emocionada. Por lo pronto, quiero mostrarles el video del primer sencillo "The Curse", el cual es ridículo, enternecedor, bello y triste, al igual que la canción.

Humedad, unicornios y Vangelis

2010-05-27T08:16:00.000-07:00

Son las 10 con 10, está oscuro y huele a lluvia. Me he tomado un pequeño receso de la tarea para ponerme un suéter, pues aquí, en donde pega de frente el aire acondicionado, hace frío. Quizá deba apagarlo, aunque entonces me vería inmersa en el peor de los bochornos… la humedad del ambiente se filtra por las ventanas y las paredes, haciendo de este pequeño espacio algo insoportable. Pero como he dicho, está oscuro, huele a lluvia y para humedecer aún más el ambiente, escucho con todo el volumen que mi computadora puede producir, los mágicos sonidos creados por Vangelis. La banda sonora de Blade Runner me ayuda a sumergirme dentro de un mundo tan poéticamente bizarro, colorido, y curiosamente, opaco a la vez. Me dan ganas de fumar mientras imagino unicornios corriendo por un bosque y monstruosas pirámides entre columnas de fuego y lluvia. Esa música que viene de ninguna parte me tiene en un estado de completa hipnosis, cual consola de estímulo cerebral artificial de Penfield; verdaderamente son sirenas que llaman, no a la muerte, sino a todo lo contrario. Nunca me había sentado a escuchar la banda sonora de principio a fin, y es que, a pesar de esa plasticidad casi palpable de las notas, cada track respira vida. Supongo que debo dejar de lado semejantes cosas para no ser tachada de rarilla. Mejor regreso a lo que debería de estar haciendo en vez de esto… la tarea. ¿Ya ven? No me inciten a hablar de ciertos temas, me emociono y luego no hay quien me pare.

Hoy, el final.

2010-05-23T09:48:00.000-07:00

Hoy terminan seis años de obsesión, de preguntas, de angustia, de suspenso... del mejor show que la televisión ha ofrecido desde hace años. A partir de hoy, millones y millones y millones de fans deberán ir buscando algo qué hacer con sus vidas, y yo comenzaré a ahorrar para comprar las 6 temporadas.

Que tengan una feliz despedida de la isla en la que hemos estado varados desde hace seis años.

Lo que he hecho, pero sobre todo, lo que he escuchado esta semana.

2010-05-21T16:56:00.000-07:00

Esta semana mi cabeza ha estado ahogada en trabajos finales. No ha habido gran cosa en la que estuviera pensando fuera de ellos; nada fuera de las lecturas y los ensayos y los exámenes y las lecturas que he tenido que realizar en cuestión de horas –y no me atrevo a quejarme, ya que ha sido todo mi culpa, la gran mayoría de ello lo fui relegando hasta el último momento… lo siento-. Pero bueno, estoy a escasos dos trabajos de terminar, y después de eso, tout c’est bien. Sin embargo, mis agobiantes tareas mundanas no me han apartado de mis vicios favoritos, los cuales son: hacerme de discos nuevos y escucharlos hasta el cansancio, ver películas e hipnotizarme en ellas, Lost (obvio) y fumar. Este último ha sido uno que ha incrementado tremendamente estas últimas semanas. En fin, ya me tomaré tiempo, terminando el semestre, de compartir todo lo que he visto, he leído, he respirado, probado y vomitado –metafóricamente hablando, pues he escuchado y visto semejantes cosas que no lograrían un efecto menor a ese-.

He logrado obtener unos cuantos discos muy buenos, el primero de ellos es Compass de Jamie Lidell, algo diferente a lo que usualmente escucho. Estas nuevas canciones del cantautor inglés, son vibrantes, enérgicas, divertidas… y todo aquello que quepa en medio. El estilo es una mezcla de R&B, pop, soul y electrónica, aunque este último de una manera muy sutil, recordando un poco ese pop 80ero, uno que emulara más el estilo británico que el gringo. Algo muy interesante sobre el álbum son las colaboraciones con Beck, Feist y Chris Taylor de Grizzly Bear. Su voz es potente a lo largo de los tracks, jamás dando un paso en falso. Este no sea tal vez el mejor disco pop del año, pero es uno muy bueno, uno que definitivamente los hará bailar, como a mí.

Otro álbum que me pareció bastante interesante y agradable fue Brothers de The Black Keys. Esta banda de rock americana, formada por ahí del 2001 y que lamentablemente yo vengo descubriendo hasta este momento, no sé por qué razón, pero sí les puedo asegurar que después de haber escuchado Brothers, me apresuraré a hacerme de su discografía entera, pues la propuesta se me hizo interesante. Tal vez no sea nada nuevo o revolucionario, sin embargo es propositivo, creativo y muchisisisisisisisisisisísimo mejor que cualquiera de esa mierda (en su totalidad) que circula hoy en día por la radio. El estilo es rock con algo de blues, tal vez; por ahí noté ciertas alusiones hacia ese género, pero ya me dirán ustedes. Cuando se escucha por primera vez, uno tiene la sensación de ya haberlo experimentado antes, aún así, es garantizado un buen momento entre la música y uno, ese maravilloso diálogo que surge cuando sabemos que escuchamos algo digno, decente y bueno.

(y la portada está tan genial, demasiado sencilla, demasiado obvia, demasiado estúpida... me encanta)

Me han dicho que siempre que hablo de música me limito a mencionar sólo lo bueno, lo que me gustó y que jamás me aventuro a escribir notas negativas, así que, por primera vez en la historia de este blog (creo), haré un recuento de lo peor que he escuchado estos últimos dos años… lo peor y lo masomenos, no todo está ni muy bueno ni muy malo; aquí sí existe el gris. En fin, bien dicen que para conocer lo bueno, hay que conocer lo malo, así que soy capaz de sumergirme en cualquier babosada que osen llamar música, o mejor dicho, que osen llamar arte.

Sea of Cowards, The Dead Weather

2010-05-14T07:39:00.000-07:00

Mayo, mayo, mayo… mayo mes de los finales. Así que heme aquí quebrándome la cabeza en pedacitos escribiendo mis ensayos o trabajos o como lo quieran llamar, pero aquí entre nos, me gusta mucho mi cabeza como para destrozármela de tal manera, así que lo he dejado por la paz, al menos por ahorita, y me he dedicado a aquello que más me relaja…

Estoy escuchando el nuevo álbum de The Dead Weather, el otro proyecto creado por Jack White, algunos de ustedes lo conocerán por ser el guitarrista y vocalista, entre otras cosas, de una pequeña y mediocre banda llamada The White Stripes. Nada famosa, la verdad. Y lo de mediocre era sarcasmo, por si no se transmitió el tono a través de las líneas. Blah, blah, blah. El álbum titulado Sea of Cowards lo podría definir perfectamente como adrenalina musicalizada, armonizada y poetizada. El sonido creado por este cuarteto parece añorar los años perdidos del rock por el rock: el sonido del órgano pareado al bajo con excesivo fuzz, guitarras estridentes y crudas, voces agudas cantando odas al ocio, a los cigarros, al cinismo, a las personalidades explosivas… no sé, en lo que quieran, el rock se hizo para decirlo todo sin decir nada, a final de cuentas, así que a quién le importa. Lo que sí diré es que, desde que “Blue Blood Blues” comenzó a sonar, la primera pista del álbum, con toda la potencia del volumen, me atrapó, en gran parte por la energía y la fuerza de las melodías, y en parte por la siempre dinámica y vivaracha voz del talentoso Mr. White. Pero la voz Jack White no es lo único que vislumbra en el álbum, en la canción “The Difference Between Us”, Alison Mosshart, con una voz rasposa, invita a alguien, no sé, un personaje desconocido, para acompañarla hacia algún espacio guardado de toda interrupción, y así poder encontrar las diferencias entre ambos. ¿A qué se referirá? Tal vez a una pelea que está por llegar o tal vez a saciar ciertas urgencias, quién sabe, pero es un verdadero deleite confesado a gritos y guitarrazos.

Sea of Cowards es un álbum hecho de rock al 100%. El órgano de Dean Fertita me recordó un poco al órgano escuchado en algunas canciones de los Doors, aunque en este caso es más ácido, más fuerte, sin sentido y armonioso; es más dinámico, pegajoso, incluso adictivo, uno de esos discos que uno se emociona por escuchar, y que inevitablemente, merecen ser apreciados a todo volumen.

High Violet, The National

2010-05-10T08:54:00.000-07:00

Este fin de semana me dediqué a tres cosas solamente: leer, ver Lost y escuchar discos nuevos, uno de los cuales es High Violet de The National, un quinteto neoyorquino que se robó mi corazón y corrió con él por los infinitos valles fértiles del talento y la creatividad musical. Pero dejando las cursilerías de lado, les puedo decir con toda seguridad que este álbum es excelente. A lo largo de las pistas, ecos de no tan lejanos tiempos comenzarán a surgir, como aquellos ambientes creados por la música de Joe Strummer y sus Mescaleros o Joy Division, algo que a mi parecer, inyecta una profundidad bastante interesante a un álbum que ya de entrada es excelente. Canciones como "Terrible Love", "Sorrow" y "Anyone's Ghost", le permiten a uno el lujo de saborear placenteramente los colores de la melancolía y no sentirse como las personas más patéticas y tristes del planeta. Es poesía lo que contempla y asimila, es simplemente nuestra necesidad de interpretación y éxtasis. ¿O no?

Derrepente soy malísima para entender a la perfección lo que cantan, pero el sentimiento se transmite y canciones como "Afraid of Everyone", me recuerda a ciertos personajes socio-fóbicos o como se llamen, que entran en pánico cada vez que salen a la calle. Y luego me recordé a mi misma manejando por las calles y checando el retrovisor obsesivamente, creyendo que todo carro que va atrás de mí me está siguiendo. Es la canción de la paranoia. Por otro lado, "Lemonworld" es un pequeño mundo utópico, ese que resulta de la inevitable experiencia diaria. "England" refleja el recuerdo y la añoranza de alguna cierta época, y aquí entre nos, esta fue una de mis favoritas del álbum. "Vanderlyle Crybaby Geeks" me enterneció y me dibujó una sonrisa en la cara... "Leave your home, change your name. Live alone, eat your cake. Vanderlyle, cry baby, cry. All the waters arising, still no surprising you. Vaderlyle, cry baby, cry. Man it's all been forgiven, swans all swimming. I'll explain everything to the geeks, hanging from chandeliers".

The National es una banda que ya tiene un impresionante historial y High Violet es su quinto álbum, el más reciente, de una lista de álbums alabados por la crítica internacional. Pero siendo donde vivo el desierto del silencio, en donde la buena música uno tiene que hurgar, rascar y pelear por ella; jamás había escuchado nada de ellos, pero ahora que ya lo hice, no los dejaré ir, nunca.

Reconstrucción, Christoffer Boe

2010-05-03T10:51:00.000-07:00

Hay películas que deben admirarse durante la noche, solamente de noche, pues es justamente entre el abrazo de la oscuridad que liberan su magia, en donde nos podemos perder completamente, embriagados de la música, de la imagen y de la historia. Tal es el caso de Reconstrucción, película que desde la primera vez que la vi, me cautivó. La opera prima del director danés Cristoffer Boe es, para quienes aman ese cine que no todos ven, o que no todos entienden, una adquisición de a huevo, y que aquí entre nos, ya es difícil de conseguir en México, pues la distribuidora encargada de, vaya, distribuirla, la descontinuó, tristemente –y esto lo sé por un bocón en una tienda mixup en el DF que me lo dijo… y le creí-. Pero que no cunda el pánico, pues no hay nada que entre piratas e internet no se consiga. Dicho lo cual, prosigo con la película…

Iniciamos con un pequeño preludio, un truco de magia, en donde vemos a un hombre haciendo levitar a un cigarrillo y una metáfora, en la cual se contrapone el truco con el amor, o el enamoramiento, mejor dicho. Terminado el truco, nos trasladamos hacia el interior de un café en Copenhague, en donde un hombre y una mujer están a punto de conocerse, introducción hecha por la voz en off de August, nuestro narrador. Ella es Aimée, una misteriosa y bellísima mujer sueca en una misión para encontrar el amor y la espontaneidad hace mucho perdida dentro de su matrimonio. Él es Alex (Nicolaj Lie Kaas), un fotógrafo en una misión un tanto similar, aunque opuesta, pues su noviazgo con Simone lo provee de todo el cariño y el amor que alguien desearía tener. Así que esta premisa de los personajes principales se desenvuelve en un escenario de total embrujo y encanto, entre unas poéticas columnas de humo liberadas por el cigarrillo y el café.

August, esposo de Aimée, es un exitoso autor de novelas que viaja a Copenhague para promover su última creación, la cual aún no ha terminado de escribir, y que pronto descubrimos, es la misma historia que Alex y Aimée están viviendo -algo así como lo que sucede con Unamuno y su novela Niebla, en donde el personaje principal se ve arrojado al juego de su creador-, pero eso ya es adelantar un poco la historia. Una vez acomodados en el hotel, August se despide de su esposa para cubrir unas cuestiones de negocios con su asistente Mónica, Aimée, entristecida de no poder pasar más tiempo con su esposo, se dedica a deambular por las calles de Copenhague hasta toparse con el desdichado Alex en el metro, quien va acompañado de su novia Simone, y que el ávido observador se podrá dar cuenta de que Simone y Aimée es interpretada por la misma mujer (Marie Bonnevie), algo que dará pie a muchas interpretaciones. Alex, presa de la despampanante elegancia de Aimée, abandona a su novia (quien momentos antes había depositado en el bolsillo de Alex una nota de amor) en el metro y comienza a seguirla, hasta terminar en un café entablando una conversación coqueta y juguetona con ella. Las chispas vuelan por todo el lugar y Alex termina la velada envuelto en las sábanas con Aimée. A la mañana siguiente, vemos a Alex vistiéndose, mientras su sirena sigue profundamente dormida, e irse. Segundos después, Alex sale de la ducha y saluda a una muy despierta Aimée, quien le dice que su esposo está por llegar y él debe irse. ¿Confuso? Puede parecer la misma escena, pero no lo es, y es que debemos recordar que la historia de Alex y Aimée nos está siendo narrada por dos personas, la primera es el director (Boe) y la segunda es August, el narrador de la historia, el esposo de Aimée, el autor.

Aimée pues anima a Alex para verse más tarde y él le deja un mensaje sobre el lugar y la hora, adornado por su encendedor, dejado atrás intencionalmente como un souvenir de la noche anterior. Mientras esto sucede, August regresa de su noche de negocios y se topa a Alex en el camino, a quien le pregunta si tiene fuego para encender su cigarro. Éste le responde que sí, pero pronto se acuerda de que ha dejado su encendedor y le responde prontamente que ya no lo tiene, pues lo ha regalado y se va. August prosigue su camino, con esa frustración que sólo los fumadores conocemos cuando queremos desesperadamente prender un cigarro pero no tenemos manera de hacerlo (en fin), entra a la habitación mientras Aimée está en la ducha, así que no lo escucha entrar. La cama es un desastre, claro, después del revolcón de la noche anterior, detalle que no se le escapa a August, así como tampoco se le escapa la nota que Alex le dejó a su esposa con el lugar y la hora en la que se deben encontrar, junto con el encendedor. El pánico toma posesión de August y sale despavorido de la habitación, tan solo para entrar momentos más tarde, con la más profunda tranquilidad para saludar a su esposa, quien ya ha salido de la ducha y ha acomodado la habitación de tal manera para que, según ella, su esposo no note nada fuera de lo común. August, amorosamente, le propone a Aimée dejar la gira de promoción de su libro e irse a casa, pues lo único que desea es pasar tiempo con ella, emocionada, Aimée comienza a empacar tan sólo para terminar desilusionada, una vez más por su esposo, así que ella emprende su camino hacia el lugar en donde se encontrará con Alex.

Alex, por su parte, se ha visto arrojado a las sínicas fauces del destino, quien al parecer ha borrado evidencia alguna de que alguna vez haya existido. Ahora explico. Después de haber dejado el hotel, Alex se dirige hacia su departamento, tan solo para descubrir que éste ha desaparecido, y que, según la casera, dicho departamento jamás ha existido. En su confusión, Alex decide visitar a su mejor amigo tan sólo para descubrir que él tampoco le conoce, así que cae en la conclusión de que todo esto ha sido planeado, a manera de venganza, por Simone, su novia, así que decide confrontarla. Una vez que llega a casa de Simone, Alex le reclama el por qué de esa pesada broma y le ofrece disculpas por haberla abandonado en el metro y una incrédula Simone le confiesa que debe estar confundido, pues ella jamás lo había visto en la vida y se retira.

Mientras Alex intenta asimilar todo lo que le ha estado sucediendo, se dirige a su encuentro con Aimée. Al verla entrar, nervioso se acerca hacia ella, no sabiendo si lo reconocerá o no, pero a diferencia de los demás, Aimée le sonríe cariñosamente y se sientan. La tarde transcurre, entre jazz y bailes en el parque, con nuestros personajes respirando un aire de incertidumbre y pasión, algo que tal vez extrañaban de sus relaciones anteriores. Embriagados de la emoción, Alex le propone a Aimée escapar de sus vidas y fugarse, y ella accede. Una vez de regreso en el hotel, August confronta a su esposa, conociendo ya la intención que tiene de abandonarle y trata de convencerla de que no lo deje, incluso le muestra su novela terminada, y le explica que la mujer de su ficción es ella. Confundida, Aimée lo deja y se pierde deambulando por la calle.

De noche, Alex toma camino hacia el café en donde se encontrará con Aimée, pero en el camino, se topa con la figura de Simone, a quien distingue entre un grupo de personas dentro de un bar. Ella, al verlo, se acerca y le dice que le invite una copa. Platican y se coquetean, él hundido en un aire de nostalgia y ella atraída por el peculiar carácter de Alex. Mientras tanto, en otro punto de la ciudad, Aimée espera angustiada a Alex, quien al parecer se ha olvidado de ella. En este momento, Alex se percata de que se le ha hecho tarde y corre en busca de Aimée, quien ya ha abandonado el café y se dirige de regreso al hotel, totalmente desecha. Alex logra alcanzarla y se disculpa por haberse tardado, ella le hace ver que la razón de su tardanza es porque ha dudado justo en el último momento. Volvemos a escuchar la voz de August, quien nos explica que, para que ella vuelva a retomar la confianza de Alex, deberá pasar una prueba, tal vez estúpida, pero significativa, al igual que Orfeo, al rescatar a Eurídice de las penumbras del inframundo, Alex deberá caminar frente a Aimée, confiado en que ella le seguirá. Si él llegase a voltear la cabeza, ella desaparecerá para siempre. Y si se saben la historia de Orfeo y Eurídice, sabrán qué sucede con Alex y Aimée. Está bien, les diré, Alex voltea justo en el último momento y ella desaparece. Desesperado, Alex va a buscarla al hotel y ella está ahí con su esposo. Se dirige a ella para tratar de entender qué es lo que sucede y ella lo desconoce, jamás lo ha visto en la vida. Ella se disculpa y se va con el marido. La escena que sigue inmediatamente a esta, es una escena en la cual Alex se está levantando de la cama en la cual Aimée duerme profundamente, se viste y sale de la habitación, una habitación completamente diferente a la anterior. Y la película termina.

No es una película sencilla, aunque sencilla parezca. En efecto, es una película, como muchas otras, sobre el amor, una historia de "chico conoce a chica", pero lo que esta tiene diferente es una cuestión existencial sobre la existencia o no existencia de Alex, incluso de Aimée, quien ha vivido a la sombra de su esposo mucho tiempo; hasta el hecho de que Aimée y Simone sean interpretadas por la misma mujer es por algo. Hay muchos a quienes la palabra "existencial" asusta, quiere decir que es de pensar, y pensar, pues muchos la piensan. Pero no hay que limitar las infinitas posibilidades del cine a sólo unos cuantos adjetivos en la etiqueta, primero hay que saborearlo completamente y ya después todo lo demás. Lo que sí es que esta es una película que hipnotiza desde el primer cuadro, hasta el último. Boe diseña las más bellas y poéticas imágenes, las cuales encuadran perfectamente con las frías y solitarias calles de Copenhague, mismas que, a mi punto de vista, juegan un papel igual de importante que aquellos de los personajes. Reconstrucción es una película para ver durante la noche, como ya he dicho; es una película para ver con la cajetilla de cigarros a la mano, créanme que les dará ganas de fumar.

(sin título)

2010-04-23T16:51:00.000-07:00

Porque, al parecer, sólo así la gente lee los libros... ¡Feliz día del libro!

Astucia o la novela que todos deberían leer.

2010-04-23T07:28:00.000-07:00

En una de mis clases hemos estado leyendo Astucia de Luis G. Inclán, novela publicada hacia 1865 aproximadamente, ahorita no recuerdo la fecha exacta. Sí, la verdad es que es un poco vieja la novelita, pero dentro de su temática, es bastante actual. Lo que he estado leyendo me ha gsutado muchísimo; no creí que me fuera a gustar tanto y creo que es una novela que ha pasado sin pena ni gloria, desgraciadamente, en este país de ciudadanos no-lectores.

Hoy, por ser el día del libro -según los carteles que han pegado en la biblioteca-, les presento un extracto de la novela que me retumba en la cabeza como si fuesen campanas de bronce, como que lo he vivido de alguna manera, de hecho, creo que todos lo hemos vivido directa o indirectamente.

Lorenzo, el valeroso protagonista de la obra, lo ha perdido casi todo debido a que le han robado su mercancía, sus burras, su dinero, e incluso, uno de sus trabajadores le pasó lanilla a los que, en aquel entonces se encargaban de la aduana, para que lo metieran a la cárcel -es más que obvio decir que injustamente-, y ahora va sumido en tristeza y preocupación camino a casa, pues no tiene ya dinero para recuperar todo aquello que le robaron, ni siquiera tiene para mantener lo poco que le queda. He aquí su monólogo:

"¿Qué es posible, Señor -decía hablando solo-, que haya gentes tan infames que después de que se venden, que están mamando a dos tetas, aún pretendan robar más, haciendo mérito de la colocación que indignamente ocupan, acogíendose a las leyes para acabar de despellejar vivo al infeliz que cae en sus manos? Ésos no son hombres, son unos entes maldecidos del género humano; yo, para buscar un peso, expongo mi fortuna, ando por escabrosos caminos, por los espesos montes, a la merced de las fieras, cayendo y levantando, y estos pícaros de poltrones en una garita, o de aperitos en las tabernas, medran a costa del mundo entero, juegan y tiran un peso con la mayor franqueza..."

Conozco a mucha gente que, al ver a alguien leyendo lo tachan de intelectualoide, creído, snob, etc. La lectura ha sido degradada terriblemente y la consecuencia es que este país produce día a día generaciones de marionetas, hechas para ser mangoneadas a su gusto por no cultivar su derecho de nacimiento de racionar. En el maravilloso día del libro, uno que se debería celebrar más que el día del taco, les invito a que abran un libro y se lo devoren, saboreando cada frase. Y si por cosas de la vida encuentran esta novela que les he mencionado aquí, no la dejen pasar. Feliz viernes.

Sigh No More, Mumford & Sons

2010-04-11T15:44:00.000-07:00

Nunca había escuchado Mumford & Sons, hasta hace un par de días que me apropié de su álbum Sigh No More, y me gustó mucho. Para quienes les guste el folk, aquí encontrarán mucho de esto, a montones. El disco es 100% folk, incluso en la letra, la cual está, pues está muy intimista, existencial casi. A lo largo del álbum se siente un especie de duelo entre hombre y Dios: el hombre que tiene miedo a la muerte, el hombre que erra, el hombre que es arrojado al turbulento torbellino del destino, que sufre, que pierde, pero que lucha por mantener su inocencia, entendida no como ingenuidad, sino como pureza; algo que le impide la corrupción de su espíritu. Y Dios, pues es el Dios que alienta la lucha y alimenta la esperanza. No podría decir que sea un álbum religioso, porque la religión no tiene nada que ver con esto, más que nada lo podría conceptualizar en algo como espiritual, esperanzador.

Este álbum debut es a la vez oscuro y brillante, fatalista y esperanzador, muy raro. La música es excelente, es fuerte, armónica, y repito, puramente folk. Y ésta, o sea la música, es la que le imprime mucha de esa oscuridad. Esta banda inglesa se dio a conocer con ganas, podría clasificarse, burdamente, como una combinación entre Fleet Foxes y Sigur Ros. En el caso del primero, toma esa agilidad acústica, armónica y pegajosa, y en cuanto al segundo, no lo comparo con ellos, simplemente que toman mucho esos claroscuros de la lírica y la música, con la sola diferencia de que aquí cantan en inglés y no hay arreglos de cuerdas en lo absoluto, ni guitarras eléctricas.

Mumford & Sons fue mi descubrimiento del mes, probablemente del año. He escuchado sin cesar el álbum y sigo encontrando una profundidad bárbara. Aquí abajo el video de la canción Little Lion Man, del mismo disco. Feliz domingo.

Shame, Shame de Dr. Dog

2010-04-05T11:42:00.000-07:00

Fate fue el álbum que me abrió las puertas a la versatilidad musical de Dr. Dog. Dos años después, sigo sin saber mucho de ellos, salvo que me encanta su música; My Old Ways figura entre las 20 más escuchadas de mi iTunes –la número uno es por parte de M83, completo dato innecesario-. Y cuál es mi sorpresa que mientras deambulo por el tedio cibernético me encuentro con que sacaron disco nuevo. 15 minutos más tarde, Shame, Shame ya formaba parte de mi acervo musical.

Hay discos deben escucharse durante la noche, y hay discos que deben escucharse durante el día: Shame, Shame es uno de estos discos diurnos. El sonido es sólido y armonioso, multifacético, versátil, envolvente, hipnótico, adictivo, divertido, como bien es toda la obra de Dr. Dog. Después de un maravilloso álbum lanzado en el 2008, Shame Shame le pisa los talones, o incluso, le gana la carrera. Es algo así como un Cat Stevens pre-islam, durante los 70s, aunque no tan introspectivo. E igualmente suena a un rock 60-tero, con un poco de Beach Boys a la mezcla. La base musical de este quinteto de Philadelphia, es un folk-rock con guitarras que coquetean peligrosamente con lo country, como en la canción Station, la tercera del álbum. La verdad es que es muy ecléctico, pues uno se encuentra con estas mezclas que poco a poco van llenando el sonido de una profundidad que inevitablemente engatusa el oído y todo lo demás.

El nuevo boom latinoamericano

2010-04-05T10:24:00.000-07:00

En un número de esa revista que tanto me encanta titulada La Tempestad (año II, núm.67, julio-agosto de 2009), y editada en México lo mejor de todo, leí este pequeño artículo sobre la popularidad de los autores latinoamericanos, liderado por Bolaño. El autor, Scott Esposito, plantea que actualmente estamos viviendo un segundo Boom de literatura hispanoamericana, y viendo que el ambiente social por estos rumbos no es para nada estable, de hecho, la estabilidad se arrojó por la ventana ya hace tiempo, pues, digamos que los latinos nos hemos vuelto interesantes ante los ojos del average-gringo intelectual. Sabrá la fregada por qué en los peores momentos de dignidad humana es cuando el mundo pone atención… ¿será morbo? ¿Algún desorden psico-patológico, quizá? Quién sabe. Sin embargo, es interesante este tipo de reacción.

Paréntesis… Como lo que sucede actualmente aquí en Juárez… pasa que cuando salimos de viaje y preguntan de dónde venimos, al escuchar la respuesta la gente inevitablemente tuerce la cara en señal de una de dos: la primera en señal de completo miedo, pues han de pensar que cualquiera que sale de Juárez a huevo es narco, y segundo, una señal de mórbida curiosidad, con una mirada que suplican contemos las peores historias de terror real. En fin, se fue el tren de pensamiento por otro lado. A lo que iba es que, tal vez esta nada común, ni natural atención que los de acá recibimos, sea muy provechosa de saber utilizarla bien; una oportunidad que muchos, sino es que todos, deberíamos de aprovechar para gritar, gritar, y gritar, ya que ahorita la gran mayoría está en disposición de escuchar, escuchar, y escuchar.

Tal vez esté muy equivocada y lo que lean ustedes no tenga relación alguna con lo que he dicho yo, pero a lo que importa. El artículo es muy interesante, en verdad. Aquí va:

¿Un nuevo boom latinoamericano?
por Scott Esposito

En lo que a la industria editorial estadounidense se refiere, Roberto Bolaño es de oro. Los detectives salvajes fue un éxito en 2007 y 2666 se convirtió rápidamente en la gran novela de 2008. Prácticamente todos los críticos norteamericanos concedieron al libro elogios extravagantes, voló de las estanterías (un logro mayor en una nación tristemente célebre por su resistencia a leer narrativa traducida) y, recientemente, recibió el prestigioso premio del National Book Critics Circle.

Pero los absurdos niveles de estrellato alcanzados por Bolaño no fueron claros hasta que, después de una lectura equivocada de uno de sus cuentos, el New York Times reportó una “controversia” sobre si consumió o no heroína (con las respectivas negativas de su viuda y sus amigos). Deseoso de sacar tajada, el agente más poderoso de la industria, Andrew Wylie, rápidamente obtuvo los derechos para la publicación de los recién descubiertos cuadernos de Bolaño. En un tono más altruista, Salman Rushdie sugirió a los editores norteamericanos que prestaran atención al gran éxito del chileno y realizaran más traducciones.

Parece que están respondiendo. Con Bolaño en todos lados –y con México, Venezuela, Bolivia y Cuba frecuentemente en las noticias-, la narrativa latinoamericana está nuevamente en boga. Los editores estadounidenses, abatidos por la recesión, están reclamando ansiosamente su parte. Ya Horacio Castellanos Moya, amigo de Bolaño, ha recibido una cálida bienvenida por Insensatez. Casi nunca de Daniel Sada está programada para 2010. César Aira ha visto aparecer recientemente su cuarta novela en inglés (con una generosa reseña de Natasha Wimmer, traductora de Bolaño, en el New York Times). La impresionante Noticias del Imperio de Fernando del Paso ha recibido el tipo de atención que rara vez se otorga a una obra difícil de 900 páginas. Y, para rematar, circula una nueva antología bilingüe de cuento mexicano contemporáneo (en la que figuran, entre otros, Enrique Serna, Cristina Rivera Garza y Juan Villoro).

Todas estas son buenas noticias. Sólo esperemos que los nombres de algunos de estos autores sean recordados dentro de cinco años. A los estadounidenses les gusta quedarse con un solo escritor latinoamericano (primero fue Borges, después García Márquez, ahora Bolaño), excluyendo así al resto, y autores esenciales como Julio Cortázar, Mario Vargas Llosa o Juan Rulfo siguen siendo apenas conocidos. El tiempo dirá, pero por ahora al menos esto es cierto: si eres un autor extranjero buscando ser publicado en los Estados Unidos, es un buen momento para ser latinoamericano.